Le fil conducteur est celui de l’aventure éditoriale et artistique de ces deux « écuries d’artistes » lancées après les départs de plusieurs dessinateurs de Pilote, journal emblématique de la décennie précédente. Cette présentation n’est évidemment pas exclusive des créations parues dans les autres revues ou à l’initiative individuelle de tel ou tel artiste. Mais ce chemin de fer permettra au public de découvrir une période majeure du 9ème Art dans une forme narrative (et pédagogique) expliquant la formidable activité de ces auteurs de bande dessinée et le rapport revendiqué avec d’autres formes artistiques : la littérature, l’histoire, le roman - notamment pour les auteurs d’(A Suivre) -, ou la science-fiction, le cinéma, le rock - pour les auteurs de Métal Hurlant. | |
La broderie est une technique de décoration des étoffes universellement pratiquée. Son champ d'application relève de domaines multiples : vêtement, ameublement, décoration, objets variés... dans le cadre d'un usage quotidien ou festif, profane ou religieux. Elle se pratique à l'aiguille ou au crochet, à la main ou à la machine, à l'aide des fils les plus variés : soie, laine, coton, fils métalliques et bien d'autres encore. Mais qui sont ces hommes et ces femmes qui pratiquèrent et pratiquent toujours cet art décoratif ? S'agit-il de professionnels organisés en ateliers ? De particuliers brodant pour leur propre besoin ou pour occuper leurs loisirs ? De communautés cherchant à se procurer des ressources ? Et qui furent leurs commanditaires ? Dans quel cadre social, commercial ou artistique se sont-ils insérés ? C'est à plusieurs de ces questions, peu étudiées jusqu'à présent, que tentent de répondre les textes ici réunis, à l'issue des Journées d'Étude de l'Association Française pour l'Étude du Textile qui se sont déroulées en novembre 2012 dans la ville du Puy en-Velay (Haute-Loire). | |
L'histoire du jardin des Tuileries au temps de Louis XIV est liée à celle, plus large, du Louvre, un complexe monumental toujours en chantier. Pour offrir au Roi-Soleil un palais achevé et doté d'un beau jardin au coeur de Paris, Colbert demande à Louis Le Vau, côté cour, et à André Le Nôtre, côté jardin, de s'atteler aux Tuileries. Majesté du dessin, inventivité des partis et harmonie des végétaux, tout concourt à faire de ce jardin un chef-d'oeuvre du Grand Siècle. Dans la vie de son génial maître d'oeuvre, le jardin des Tuileries occupe également une place à part. Depuis trois générations, la famille Le Nôtre habite aux Tuileries et, privilège royal, le jardinier y demeurera jusqu'à sa mort. Véritable lieu de vie dont les plus grands artistes du XVIIe siècle ont foulé les allées - Jean-Baptiste Lulli ou encore Nicolas Poussin, dont le jardinier collectionneur possède plusieurs toiles -, le jardin royal, ouvert au public, est une promenade privilégiée des Parisiens. Aux tuileries, on marche, on joue, on montre et se montre, on aime avec ardeur, on guerroie aussi. Mais au-delà de l'incroyable transformation du jardin, c'est un projet d'urbanisme abouti que dessine André Le Nôtre en créant ce qui deviendra la plus célèbre perspective de Paris : les Champs-Elysées. | |
Tout le savoir du monde d'Annarita Angelini présente et analyse les Tableaux accomplis de tous les arts libéraux, première encyclopédie systématique conçue par Christofle de Savigny, disciple de Pierre de la Ramée. Archive peu connue en France cette oeuvre est pourtant à l'origine d'un des livres fondateurs de notre culture moderne, l'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert. Signés de la main d'un auteur quasi inconnu, Christofle de Savigny (probablement nom d'emprunt d'un groupe de savants humanistes), les Tableaux accomplis de tous les arts libéraux contenans brievement et clerement par singuliere methode de doctrine, une generale et sommaire partition des dicts arts, amassez et reduicts en ordre pour le soulangement et profit de la jeunesse, se présentent originairement sous la forme d'une édition précieuse, enrichie de gravures élégantes, bénéficiant d'une impression de prestige. | |
Si le défaut charmant, selon Stendhal, cristallise le désir, le " détail qui tue " est l'arbitre des élégances. Un signal qui accroche le regard, souligne une attitude, sublime un style. Une distinction particulière, l'expression d'une fantaisie qui détermine un certain chic. Une singularité qui frôle la faute de goût. Ces détails peuvent se lire comme les signes révélateurs d'une époque, dont la haute couture raconte une autre histoire. Pour parcourir l'allure d'un siècle - dans le cadre de la panoplie occidentale -, nous avons choisi des photos, de Marlène Dietrich à Chloë Sevigny, de Scott Fitzgerald à Diana Ross, de Pablo Picasso à Patti Smith, de Greta Garbo à Miles Davis, d'André Breton à Andy Warhol. Une collection inédite, un défilé original d'écrivains et d'artistes qui incarnent leur temps. Qui mieux qu'eux osent se démarquer, bousculer les lignes de fuite, inventer des repères, anticiper les modes que la rue réinterprète ? Question de détail ? Des poses décalées. Des débordements. Des symptômes fulgurants. Et ces intuitions qui saisissent l'air du temps, le tourbillon de la vie et les étincelles de saison. Pour embrasser ces instants fragiles où tout bascule: l'alchimie d'un photographe et son modèle. D'où le choix des plus grands, Robert Capa, Dominique Issermann, Robert Mapplethorpe, Gisèle Freund, Lucien Clergue, Helmut Newton, Jean-Marie Périer, Herb Ritts, Peter Lindbergh ou Eliott Erwitt... dont l'oeil vise le détail qui tue. Le ruban d'un chapeau, la ceinture nouée d'un trench, la résille d'un tee-shirt, la transparence d'un chemisier, la boutonnière sexuelle d'une veste, le laçage d'un polo ou le talon d'un escarpin de la dernière chance. La beauté du geste nichée dans les détails qui griffent le présent et résistent à l'épreuve du temps. De la tenue ! Du couvre-chef au sous-vêtement, nous avons épluché la silhouette comme un oignon et décliné le vêtement de la tête aux pieds. | |
Nothing, no material, no technique is as capable of touching our sensual and mental existence so universally as textiles, particularly at a time that is in danger of becoming ever less sensuous due to increasing virtualization. Textiles, with their abundance of weaves and textures that evolved over the millennia, are the ideal medium to fulfill this need for sensuality. The Kunstmuseum Wolfsburg again devotes itself to a central aspect of human life from the perspective of art in a historically far-reaching, interdisciplinary multimedia exhibition that encompasses the most diverse cultures. After Interior/Exterior in 2008 and The Art of Deceleration in 2011, this exhibition represents a further step in The pursuit of modernism in the 21st century that the museum has been undertaking since 2006. This large-scale exhibition encompasses approximately 170 works by over 80 artists, among them major paintings by Gustav Klimt, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Henri Matisse, Paul Klee and Jackson Pollock. But artifacts whose creators’ remain nameless can also be viewed in the circa 2,700-square-meter exhibition space, for example a pre-Columbian textile fragment from the collection of Anni Albers. | |
La fascination de Balthus pour les ambiguïtés et la face mystérieuse de l'enfance s'est traduite dans ses oeuvres les plus abouties et les plus célèbres : celles qui célèbrent les fillettes à l'âge de la puberté, entre innocence et fantaisies sexuelles, réalité et rêverie. Celles aussi qui ont été le plus controversées : en 1934, sa première rétrospective personnelle suscita un scandale. Cet ouvrage, publication officielle d'une exposition du Metropolitan Museum, se concentre sur ce thème, à travers une quarantaine d'oeuvres - Balthus a peu produit - exécutées pendant les années de jeunesse - les meilleures - du milieu des années 30 aux années 50. Entre 1936 et 1939, Balthus a peint la célèbre série de portraits de Thérèse Blanchard, sa petite voisine à la cour de Rohan, à Paris. Thérèse a posé seule, avec son chat, ou avec son frère Hubert dans les dix derniers tableaux. Les chats, souvent présents dans ces scènes intimes ou discrètement érotiques peuplées de jeunes filles, pourraient incarner le regard de l'artiste inscrit dans la toile. Lorsque Balthus s'installe en Suisse pendant la deuxième guerre mondiale, il substitua à l'austérité du cadre de son atelier parisien l'ambiance chaude d'intérieurs plus colorés au sein desquels différentes nymphettes, puis sa nièce Frédérique Tison, continuaient de rêver, de lire ou de sommeiller dans des poses langoureuses. | |
Dans les années 1930, Marc Chagall rapporte de Palestine des gouaches qui seront à l'origine de son travail sur l'Ancien Testament. Ces planches constituent également le travail préparatoire au cycle du Message biblique : 17 oeuvres monumentales qu'il peindra par la suite et qui seront exposées au Musée national Marc Chagall à Nice. Dans un très beau format, cet ouvrage donne à lire les principaux épisodes de l'Ancien Testament richement illustrés. Petits et grands pourront ainsi redécouvrir les textes de la Genèse, de l'Exode et du Cantique des cantiques accompagnés des magnifiques oeuvres de Marc Chagall. | |
La dentelle à l’aiguille de Venise, peu connue en France, se caractérise par sa finesse et sa transparence. Diplômée de l’école de broderie d’art de Paris et passionnée de Venise, Myriam Benamor se propose dans cet ouvrage de vous présenter cette précieuse dentelle, qui semble conçue par des doigts de fées. Découvrez pas à pas cette technique ancienne d’une extrême précision : conseils, schémas et photographies vous permettront de réaliser facilement, et avec peu de moyens, des modèles accessibles et gracieux. | |
Paroles de pub ? Voilà un titre qui claque. Il abrite les sujets imbriqués qui font la matière de ce livre : la publicité est une parole de notre quotidien ; nous la parlons, nous parlons d'elle, elle nous parle, elle parle de nous ; elle en dit long sur notre rapport à la langue, à la consommation, à la culture. Que faut-il entendre par «la vie triviale de la publicité» ? Un clin d'oeil à Yves Jeanneret, pour les initiés. Et pour les autres, c'est tout simplement les pérégrinations de la publicité dans notre quotidien, nos médias, nos imaginaires ; la publicité circule dans nos villes, dans nos vies, nous nous en saisissons, nous nous approprions ses mots, nous les transformons, nous les critiquons. Ce sont des processus simples mais complexes, à la fois ordinaires et extraordinaires. Bienvenue donc dans un voyage fait de slogans, de néologismes, de fautes de français et de condensations du sens. En espérant qu'à l'arrivée le discours publicitaire aura dévoilé certaines de ses mythologies contemporaines, dont la marque est le point d'attraction. Cet ouvrage confronte représentations et réalités de la publicité. Il cherche à comprendre son processus de communication complexe et mouvant. | |
Paroles de pub ? Voilà un titre qui claque. Il abrite les sujets imbriqués qui font la matière de ce livre : la publicité est une parole de notre quotidien ; nous la parlons, nous parlons d'elle, elle nous parle, elle parle de nous ; elle en dit long sur notre rapport à la langue, à la consommation, à la culture. Que faut-il entendre par «la vie triviale de la publicité» ? Un clin d'oeil à Yves Jeanneret, pour les initiés. Et pour les autres, c'est tout simplement les pérégrinations de la publicité dans notre quotidien, nos médias, nos imaginaires ; la publicité circule dans nos villes, dans nos vies, nous nous en saisissons, nous nous approprions ses mots, nous les transformons, nous les critiquons. Ce sont des processus simples mais complexes, à la fois ordinaires et extraordinaires. Bienvenue donc dans un voyage fait de slogans, de néologismes, de fautes de français et de condensations du sens. En espérant qu'à l'arrivée le discours publicitaire aura dévoilé certaines de ses mythologies contemporaines, dont la marque est le point d'attraction. Cet ouvrage confronte représentations et réalités de la publicité. Il cherche à comprendre son processus de communication complexe et mouvant. | |
Le musée de Lodève réunit pour la toute première fois en Europe un choix d'une soixantaine d'œuvres exceptionnelles issues de l'une des collections les plus importantes de Turquie. De Corot à Kisling, la sélection effectuée par le Musée de Lodève permet d'illustrer les grands courants qui marquent, dans l'histoire de l'art, les débuts de la période moderne : École de Barbizon, impressionnisme, Postimpressionnisme, Pont-Aven, Nabis et Fauvisme. Articulée autour d'un choix thématique réparti en quatre sections (portraits, nus, paysages et scènes de genre), l'exposition offre un ensemble d'œuvres inédit des artistes qui, au tournant du siècle, ouvrent la voie aux avant-gardes. | |
Edifier un monde habitable, tel fut de tout temps le rôle majeur de l'architecte, tandis que, de son côté, le peintre n'a jamais cessé de nourrir l'imaginaire architectural, même lorsqu'il figurait édifices et paysages urbains identifiables. Mais en inventant caprices, cités oniriques ou idéales, le peintre ne se limitait plus à glorifier l'ars edificandi, il le fécondait. L'"équerre" et le "pinceau" ont donc, des siècles durant, collaboré, fût-ce à leur insu et jusque dans leur rivalité. Cet ouvrage s'attache à cerner les moments essentiels de l'ambivalente histoire qui conduisit peintres et architectes à pratiquer excellemment les deux arts, dès lors qu'à la Renaissance la fierté d'appartenir aux arts libéraux put devenir l'apanage des uns et des autres. Si, dès l'âge classique, les voies de la peinture se sont séparées de celles de l'architecture, notre postmodernité ne peut que constater la disparition du peintre au profit de l'irrésistible ascension du plasticien, dans le temps où l'architecte ne peut plus rien sans l'ingénieur. | |
elon une légende urbaine un maître-verrier bayeusain aurait créé le fameux objet-souvenir pour courtiser sa bien-aimée. Présentée dans le cadre du festival Normandie-Impressionniste, cette exposition propose une relecture contemporaine de la boule à neige par des artistes de talent. Sur l'invitation du Radar, Pierre Ardouvin, Ben, Mathieu Briand, Hervé Di Rosa, Erro, Gérard FromangerR, Isabelle Levenez, Philippe Petremant, Françoise Quardon, Samuel Rousseau, Vladimir Skoda, Pauline Vachon, Jean-Luc Vilmouth, Jacques Villegle, ont accepté de prendre part à cette aventure collective originale en créant des œuvres inédites. | |
Formation des coiffeurs et futurs professionnels, démonstration et explication des techniques de travail, maitrise de la coupe femme et homme, maitrise de techniques de coloration et balayages ainsi que la réalisation de coiffures attachées élaboration de livrets techniques, création d'image, travail en équipe, partage de savoir-faire, ainsi que l'organisation d’un centre de formation, constituent mes domaines de compétences. | |
Gaston Suisse, laqueur et artiste décorateur, est un des créateurs majeurs de l'Art déco. Redécouvert, il est aujourd'hui très recherché et internationalement reconnu sur le marché de l'art. Son oeuvre, originale et personnelle, est celle d'un homme cultivé, passionné de recherches et d'expériences nouvelles : panneaux aux somptueuses compositions animalières, meubles-sculptures, objets en laque, autant de pièces uniques décorées dans un style abstrait et géométrique dont l'élégance participe de l'esthétique Art déco. La présence de ses oeuvres dans les collections publiques et privées témoigne de son rayonnement. | |
Durant des siècles et dans des régions aussi diverses que le Bassin méditerranéen, le Moyen-Orient ou l'Asie centrale, des artistes ont perpétué la tradition des motifs géométriques islamiques. Armés d'une règle et d'un compas, ils ont orné les dômes des mosquées, les faïences des mausolées, les meubles des palais... Cet ouvrage propose un voyage en terre d'Islam, à travers la découverte de ces motifs et de leur réalisation précise. Fondées sur des grilles de carrés, d'hexagones ou de triangles, ces figures géométriques d'étoiles, de formes simples ou de compositions complexes ne nécessitent aucun calcul pour être réalisées. Des tracés précis, de la logique et une grande créativité sont les atouts principaux des artistes du monde islamique. Après avoir passé en revue les plus beaux motifs, l'auteur livre les secrets de leur construction et invite le lecteur à créer à son tour de magnifiques compositions géométriques. Ouvrage érudit et magnifiquement illustré, L'Art des motifs islamiques ravira tous les amateurs d'arts et de voyages. De Grenade à Bagdad, il nous entraîne à la découverte d'un monde inventif, entre rigueur géométrique et imaginaire poétique. | |
Cuir brut, bouilli, vernis, doré, cuir mégissé ou cuir à la noix de galle, maroquin, peau de chagrin, basane, cuir au chrome, parchemin... Poétique, sensoriel, subtil, chargé d'histoire et de symboles, l'univers du cuir est au coeur de cette étude qui explore pour la première fois toute la gamme des savoir-faire associés à ces manières nobles. Le cuir occupe une place très particulière dans la vie des hommes depuis des temps immémoriaux. Trempage, salage, pigmentation, écharnage, tannage à l'huile, à l'alun, teinture, lubrification : les procédés de fabrication du cuir sont multiples et divers. Au XIXe siècle, les progrès de la chimie, l'essor de la machine-outil ont bouleversé des méthodes de préparation restées longtemps artisanales. Le parchemin a connu des emplois plus limités, mais il a été un support prestigieux de l'écriture. Claire Chahine compare ici techniques occidentales et orientales, et étudie les enjeux liés à la détérioration et à la conservation de ces matières fragiles. Le premier livre complet sur l'univers fascinant de ces peaux tannées qui se confondent avec l'histoire de l'humanité et fournissent au luxe contemporain ses objets les plus raffinés. | |
Bienvenue au paradis de la shoes addict ! Nina Chakrabarti redessine pour vous les modèles les plus fous des grands créateurs, Roger Vivier, Salvatore Ferragamo, Jean-Paul Gaultier, Vivienne Westwood, Christian Louboutin. Donnez des couleurs à ces 140 merveilles, de l'élégant Richelieu à la chaussure à talon virgule ou à roulette, décorez-les de paillettes, noeuds ou sequins, et surtout, laissez votre imagination prendre le pouvoir ! | |
Dans sa première partie, cet ouvrage expose de façon claire et précise les diverses méthodes de décoration (des pièces humides aux pièces émaillées). La gravure, les incisions, la taille de facette, la peinture sont autant de procédés qui sont décrits et largement illustrés. La deuxième partie aborde l’émaillage en nous présentant toutes les techniques afférentes à cet art et en nous en présentant tous les effets possibles. | |
La première partie de l’ouvrage traite de façon claire les techniques de modelage des différentes terres céramiques, il aborde les différentes méthodes de façonnage et poursuit en décrivant la fabrication d’objets. Dans la deuxième partie, les techniques de moulage y sont présentées ; ainsi le coffrage, la préparation du plâtre, le cloisonnement et le coulage sont largement illustrés afin d’aider le lecteur dans ses créations. | |
Ce livre dévoile pour la première fois l'importance des nombreux éléments de la judéité séculière de Mark Rothko dans son exceptionnelle carrière - érudit, artiste, intellectuel, éducateur. | |
L’histoire du peuple cubain se lit à travers ses images. Depuis plus d’un siècle, de l’époque de la domination espagnole à nos jours, les affiches jouent un rôle central dans la diffusion des idées et de la culture du pays. Cuba Grafica présente les chefs d’oeuvres d’un patrimoine graphique resté jusqu’alors difficile d’accès. L’incroyable richesse de ces documents, résultats d’expérimentations originales a eu du mal à dépasser les frontières du pays et à se détacher de l’étiquette politique à laquelle on associe Cuba. En explorant les collections des institutions, des musées et des particuliers, on découvre que le graphisme cubain brille bien au-delà des années 1960 et 1970, âge d’or de l’affiche politique et culturelle. Ses racines nous plongent dans le style Art Nouveau du début des années 1900 avant d’engager une lente évolution marquée par l’influence américaine. Le style cubain en tant que tel émerge avec l’arrivée de la sérigraphie dans les années 1940. | |
Paru à l'occasion du centenaire de la mort du peintre Dario de Regoyos (Ribadesella 1857-Barcelone 1913), ce livre rassemble des huiles, pastels, aquarelles, dessins et gravures, présentant les différentes formes d'expression de l'artiste, ses intérêts et son évolution esthétique. Un livre qui accompagne l'exposition au Musée des Beaux-Arts de Bilbao à partir d'octobre 2013 puis au musée Thyssen de Madrid (février-juin 2014) ainsi qu'au Musée Carmen Thyssen de Malaga (jusqu'à la fin 2014). La peinture de Regoyos se distingue par plusieurs étapes. La dernière et la plus connue est impressionniste, période à laquelle ce livre accorde une attention particulière en rassemblant un grand nombre d'huiles qui permettront au public d'approcher l'évolution de Regoyos et sa contribution à la peinture de son temps. | |
Ingrédient primordial de la décoration, la couleur permet de donner l'ambiance générale d'une pièce. Les architectes et les décorateurs des intérieurs présentés ici mettent en scène les couleurs soit en les associant, soit en déclinant des demi-teintes dans la même gamme. L'architecte Isabelle Stanislas a ainsi créé un écrin très contemporain pour accueillir oeuvres d'art et design, en mariant boiseries et béton dans une harmonie de gris. Quant à Sarah Lavoine, elle a choisi le vert "Menthe" pour une maison de campagne, dans une chambre où encadrement des fenêtres, lampes et têtes de lit sont traités en gris foncé et noir : un choix décalé et un accord parfaitement réussi. Beige et blanc, turquoise et vert, orange, rouge et rose, gris demi-teinte, noir et chocolat : toutes ces palettes colorées se déclinent en 208 pages, pour trouver votre harmonie ! | |
Publiée à Paris en latin en 1511, l’Éloge de la Folie est une oeuvre oratoire à la fois légère et profonde. La Folie personnifiée interpelle le lecteur et, sous couvert de montrer les bienfaits qu’elle prodigue à l’humanité, critique avec une ironie mordante les travers sociaux, politiques, religieux du monde. Aucune institution, aucun individu, aucun dogme n’échappent à son jugement. Érasme révèle à travers son discours les troubles religieux à venir, ainsi que les grands débats politiques et philosophiques qui animeront le XVIe siècle. Aujourd’hui plus que jamais, l’Éloge de la Folie garde son ironie, sa saveur, sa pertinence. Au-delà de son humour, ce texte sans concession nous interroge sur la nature humaine, les raisons de nos agissements et la légitimité des fondements de la société. Érasme nous incite à réfléchir sur l’importance de l’humilité, de la simplicité et de la tolérance dans un monde où l’égo et les particularismes sont omniprésents. | |
Après le succès d'Expression Paysagère, Création Française, paru en décembre 2007, un second tome s'imposait. Expression Paysagère 2, préfacé par Michel Racine, spécialiste et auteur de nombreux ouvrages sur les jardins, le paysage et les paysagistes, poursuit ainsi l'état des lieux de la création dans ce domaine, où la France a toujours eu une place particulière et novatrice, apportant ses réponses aux nouveaux enjeux, urbains, sociaux, écologiques... L'aménagement paysager français y est de nouveau présenté dans toute sa diversité et sa pertinence, à travers 84 projets réalisés ou en passe de l'être, en France et à l'étranger, par 35 agences françaises. Expression Paysagère 2 expose comment un espace se transforme librement ou de manière maîtrisée, à travers des disciplines multiples, des techniques, des matériaux et une création apportant et offrant de nouvelles données au paysage. L'histoire, comme les potentialités des sites, ainsi que les intentions communes ou spécifiques aux projets, basées notamment sur l'évolution des usages, y sont développés, tout comme les nouvelles formes végétales et architecturales, et les mobiliers qui les accompagnent. | |
Après des siècles d'une culture riche et complexe, le Mexique semblait avoir perdu son originalité à partir de la conquête espagnole. Son histoire coloniale tourmentée s'achève en 1910 avec le déclenchement d'une grande révolution au terme de laquelle le pays va retrouver son dynamisme. Pour un accès au plus grand nombre, on développe l'éducation, on récuse l'art élitiste et on privilégie la gravure et la peinture murale. Dans les lieux publics, Rivera, Orozco et Siqueiros créent de vastes fresques flamboyantes qui révolutionnent l'esthétique et surprennent le monde. Plus réservés, le peintre Carlos Mérida, le graveur Leopoldo Méndez ou le sculpteur Germén Cueto n'exaltent pas moins la culture populaire sans renoncer aux acquis de l'avant-gardisme européen ou local (le stridentisme). Ce mouvement général ne gênera pas cependant l'activité de créateurs indépendants parfois proches du surréalisme et dignes héritiers des joyeuses parades de squelettes de Posada ; nommons les méconnus Jean Charlot, Maria Izquierdo et l'inventif Rufino Tamaya, sans oublier la désormais célèbre Frida Kahlo. Enfin, les années 1950 voient de tout jeunes artistes amorcer un tournant qu'on nommera la ruptura, pour se libérer de l'autorité d'aînés qui peinent à se renouveler. José luis Cuevas, Enrique Echeverria, Manuel Felguérez et leurs amis nous entraîneront alors vers le XXIe siècle avec dextérité, couleur et humour. 286 illustrations en couleur témoignent de cette prodigieuse renaissance. | |
Comme le dit le designer Éric Jourdan, qui fut leur professeur à Saint-Étienne : « Leur nom, Atelier BL119, évoque davantage un prototype caché d'André Citroën que celui d'un jeune studio de design, comme si nous étions déjà projetés dans l'univers du design industriel et de ses mythes ». Le style est donné ! Hervé Dixneuf et Grégory Blain qui s'associent en 2007 pour former «l'Atelier BL119» constituent un duo atypique, ailleurs, loin des stratégies habituelles rencontrées chez les jeunes designers. Ce qui fait leur différence dans l'univers du design c'est leur culture du « projet » où l'élaboration de formes décalées vient déstabiliser notre univers domestique et notre perception attendue des choses et des espaces. Des projets qui émergent d'un travail nourri d'influences et d'une recherche d'harmonie entre dessin et fonction. Des projets naissent de la vision d'un manque, de l'envie d'expérimenter une matière, d'explorer de nouveaux usages, de visiter ou de (re)former des objets, de les dessiner autrement. Jeunes, mais déjà à leur actif plusieurs projets produits par de grands éditeurs comme Cinna, Roset, CIAV. Des projets au nombre desquels on peut citer : la Niche, Kilo, 100 Watts, Bardo, Arborescence... Dans un processus décalé et généreux, Atelier BL119 nous fait aller de surprise en étonnement ; une histoire de design qui ne fait que commencer... Leurs créations seront exposées à l'école des Beaux-Arts de Saint-Étienne en octobre 2013, dont ils ont été tous les deux diplômés en 2006. | |
Ce dictionnaire illustré nous parle du liège, des gens, du territoire, de l’industrie et du chêne-liège, «arbre-symbole» de la Méditerranée. Le liège associe les hommes et les femmes du pourtour méditerranéen depuis longtemps. Ce sont ces histoires dans l’Histoire, illustrées par l’image, que nous fait découvrir l’auteur à travers une quarantaine d’entrées de dictionnaire. | |
La rencontre entre l'art et la richesse sous ses formes principales - or, monnaie, capital - est ancienne et conflictuelle. Alors que nous traversons une crise majeure du capitalisme et une période de transformation profonde de la culture et des savoirs, ce conflit est plus que jamais riche de vertus critiques et politiques. L'Or des images nous invite à nous arrêter sur certaines oeuvres qui réfléchissent par ce biais sur leur statut et leur fonction : objets d'apparat, marchandises, productions capitalistes. Des masques d'or de Mycènes au cinéma contemporain en passant par la peinture flamande, s'esquissent alors les contours d'une dialectique des représentations encore jamais explorée jusqu'ici. Articulant les questions économiques, politiques, esthétiques et culturelles, Isabelle Garo livre ici une réflexion passionnante sur la façon dont l'art s'empare de la question de la valeur en vue d'analyser son propre statut social, son autonomie et les limites de celle-ci. Une enquête sur la richesse sociale, aux sens les plus contradictoires du terme, qui concerne aussi le renouveau de l'art engagé, en dialogue fécond avec la critique marxiste de l'économie politique. | |
Héritage d'un temps où l'homme travaillait beaucoup de ses mains, le couteau est un accessoire essentiel. Des premiers couteaux faits de pierre ou de silex, il est devenu un objet pliable, petit et facile à fabriquer comme à transporter. Cet outil accompagne tous ceux qui peuvent en avoir l'usage, du chasseur au cuisinier, et reste souvent attachant et plein d'histoires pour son propriétaire. Les couteaux ?guratifs dresse un panorama complet de cet univers méconnu, à travers la collection originale d'un passionné, rassemblant des couteaux produits depuis le XIXe siècle jusqu'à nos jours. Un chapitre entier est consacré au célèbre couteau Laguiole. Héritage d'un temps où l'homme travaillait beaucoup de ses mains, le couteau est un accessoire essentiel. Des premiers couteaux faits de pierre ou de silex, il est devenu un objet pliable, petit et facile à fabriquer comme à transporter. Cet outil accompagne tous ceux qui peuvent en avoir l'usage, du chasseur au cuisinier, et reste souvent attachant et plein d'histoires pour son propriétaire. Les couteaux figuratifs dresse un panorama complet de cet univers méconnu, à travers la collection originale d'un passionné, rassemblant des couteaux produits depuis le XIXe siècle jusqu'à nos jours. Un chapitre entier est consacré au célèbre couteau Laguiole. Aucun ouvrage n'est encore paru sur ce sujet : les collectionneurs et amateurs de couteaux, de vieux métiers, de belles gravures et d'Histoire sauront l'apprécier à sa juste valeur. | |
Cet ouvrage accompagne l'exposition "Bellmer, Ernst, Springer, Wols au camp des Milles". Celle-ci s'inscrit dans la programmation de Marseille-Provence 2013, capitale européenne de la culture, et dans la série d'expositions sur le thème "Créer pour résister" proposées par le Site-Mémorial du Camp des Milles inauguré en septembre 2012. L'histoire du camp d'internement et de déportation des Milles s'intègre dans l'histoire mouvementée de notre pays et de l'Europe durant la Seconde Guerre mondiale. Les artistes et intellectuels qui ont trouvé refuge en France pour fuir l'Allemagne nazie dans les années 1930 se retrouvent isolés dès l'entrée en guerre, considérés à tort comme des ennemis. Ceux, très nombreux, qui sont réfugiés dans le Sud-Est sont internés au camp des Milles et certains sont déportés dès l'été 1942 par le régime de Pétain. L'exposition est centrée sur les premières années de la guerre, sous la IIIe République, puis sous le régime de Vichy. Une mise en perspective pluridisciplinaire et des analyses des commissaires complètent la présentation des oeuvres de ces quatre artistes majeurs de l'histoire de l'art du XXe siècle. Une importante documentation, souvent inédite, relative à la vie quotidienne durant leur internement, témoigne des difficiles conditions de création. | |
La rencontre entre l'art et la richesse sous ses formes principales - or, monnaie, capital - est ancienne et conflictuelle. Alors que nous traversons une crise majeure du capitalisme et une période de transformation profonde de la culture et des savoirs, ce conflit est plus que jamais riche de vertus critiques et politiques. L'Or des images nous invite à nous arrêter sur certaines oeuvres qui réfléchissent par ce biais sur leur statut et leur fonction : objets d'apparat, marchandises, productions capitalistes. Des masques d'or de Mycènes au cinéma contemporain en passant par la peinture flamande, s'esquissent alors les contours d'une dialectique des représentations encore jamais explorée jusqu'ici. Articulant les questions économiques, politiques, esthétiques et culturelles, Isabelle Garo livre ici une réflexion passionnante sur la façon dont l'art s'empare de la question de la valeur en vue d'analyser son propre statut social, son autonomie et les limites de celle-ci. Une enquête sur la richesse sociale, aux sens les plus contradictoires du terme, qui concerne aussi le renouveau de l'art engagé, en dialogue fécond avec la critique marxiste de l'économie politique. | |
L'exposition "Ici, ailleurs" réunit à la Friche la Belle de Mai à Marseille, Capitale européenne de la Culture 2013, trente-neuf artistes originaires des pays du pourtour de la Méditerranée. Le titre de l'exposition renvoie à la disponibilité à toutes sortes de migrations possibles. Sans renier leurs origines culturelles, les artistes revendiquent plusieurs points d'ancrage, ils sont d'ici et d'ailleurs. Vingt-neuf projets inédits ont été ainsi menés à bien (peintures, photographies, sculptures, films et installations vidéo). Les oeuvres présentées développent pour la plupart d'entre elles une réflexion critique sur le monde et la société, elles traitent du voyage, témoignent de l'expérience de l'exil et de l'émigration, interrogent les notions d'identité et de citoyenneté, explorent les questions de genre et le rapport à l'autre. Elles s'emparent des problèmes sociaux, politiques, environnementaux, offrent une relecture de l'histoire. D'autres encore engagent un travail de mémoire concernant tant la sphère intime que publique. | |
Cet ouvrage a été publié à l'occasion de In a Sentimental Mood une exposition imaginée par Vanessa Desclaux. Réunissant les oeuvres de huit artistes français et internationaux, cette exposition a été présentée à la Galerie des Galeries, Galeries Lafayette Haussmann, du 28 mai au 24 août 2013. La Galerie des Galeries, espace culturel des Galeries Lafayette Haussmann, a pour ambition de faire découvrir à ses visiteurs les talents d'aujourd'hui et de demain. Constituée de quatre expositions par an autour de la création française et internationale, sa programmation cherche à mettre en valeur la transversalité qui existe entre la mode, les arts plastiques et le design, disciplines qui inspirent depuis toujours les Galeries Lafayette. | |
Piet Oudolf est le paysagiste hollandais qui a planté la High Line à New-York. Il est connu dans le monde entier pour son approche naturaliste qui s’appuie sur son talent unique à assembler durablement les plantes entre elles, et un sens artistique hors du commun. Dans ses travaux récents, coeur de cet ouvrage, et en particulier sur la High Line, il a franchi une nouvelle étape en composant des plantations dans lesquelles les plantes s’entremêlent et se mélangent intimement sans se concurrencer, ouvrant de nouvelles perspectives dans les méthodes de plantations. Dans ce livre, Piet Oudolf et Noel Kingsbury partagent leurs connaissances et nous apprennent comment créer des jardins magnifiques qui ne nécessitent qu’un minimum de ressources. Avec l’aide des plans de plantation originaux de Piet Oudolf, ce livre est le premier à dévoiler aux professionnels et aux amateurs comment sont composés ses jardins. | |
À l’occasion du 20e anniversaire de la disparition de Théo Kerg, le Musée national d’histoire et d’art (MNHA) et le Cercle Cité présentent la première exposition muséale de l’artiste luxembourgeois dans son pays natal. Réparties sur deux sites, les œuvres exposées se complètent et illustrent différentes périodes de l’artiste. La présentation au MNHA couvre les années 50, décisives pour Théo Kerg. Il travaille dans la capitale française où sa peinture est influencée par les artistes de « l’École de Paris ». Une vingtaine de tableaux réalisés entre 1948 et 1966 témoignent de la position artistique d’après-guerre de Théo Kerg. | |
Geeta Khandelwal a sillonné toute la région du Mahararashtra et y a découvert dans les villages les plus reculés d'étonnantes pièces textiles quiltées réalisées sans aucune règle ou mesure précise, où la couleur fait toute la richesse. Un merveilleux périple, raconté et illustré de splendides photos! | |
La famille de Darius, tableau peint en 1660/61, marque le début de la carrière de Charles Le Brun comme peintre du roi, elle marque également le début du gouvernement personnel de Louis XIV. Cette oeuvre ouvre une nouvelle époque de la peinture en France, elle montre l'importance du dialogue avec la théorie de l'art moderne d'origine italienne, et incarne également une politique royale qui poursuit l'idée d'intégrer l'art moderne à ses stratégies. Pour mieux en saisir la signification complexe, cette étude analyse l'ouvre sous divers angles, elle s'attache au point de vue de la théorie politique, comme à celui de l'historiographie ou encore à l'histoire de la psychologie | |
Jamais la mort n’a été aussi belle… Le squelette entièrement articulé d’une sainte, vêtu d’un somptueux costume de brocart de soie et de dentelle d’or, dressé au-dessus de l’autel d’une petite église paroissiale suisse, ses doigts desséchés scintillant de couleurs, de rubis, d’émeraudes et de perles, saisissant une épée. C’est l’une des cinquante reliques exceptionnelles photographiées pour ce livre par Paul Koudounaris. Cet ouvrage relate l’incroyable et fascinante histoire de la vénération de ces reliques des "saints des catacombes". Découverts en Italie au XVIe siècle, ces restes humains furent envoyés dans les églises et les monastères de l’Europe germanophone pour y être présentés dans des expositions à la fois macabres et grandioses, en lieu et place des saintes reliques détruites au cours des conflits consécutifs à la Réforme. | |
Ce livre, se présentant comme la suite logique du premier ouvrage de l'auteur intitulé Les Rois à table, nous fait pénétrer dans l'envers du décor fastueux et cérémoniel de la Cour de France durant l'Ancien Régime. Toujours de façon pluridisciplinaire en mêlant histoire de l'art, histoire, littérature, théâtre, etc., mais en utilisant l'iconographie comme premier support d'analyse, le présent ouvrage invite le lecteur à découvrir la face cachée du miroir de cette Cour de France lorsque le souverain et ses commensaux mangent en privé. Effets de miroir et mises en abyme rythment l'iconographie gastronomique et font ressortir des questionnements : que résulte-t-il de l'étude de cette iconographie en ce qui concerne les pratiques alimentaires, les goûts et les mentalités? Et dans quelle mesure peut-elle être considérée comme un reflet de ce qui est vécu réellement au quotidien? Voici les questions centrales déclinées en des problématiques complémentaires, comme celle dévoilant, pour la première fois, une étude globale et autonome des Menus de Choisy montrant ainsi la place qu'ils occupent dans les arts de la table et ce qu'ils nous apprennent sur la Cour de France durant le règne de Louis XV. | |
Le chantier est le commencement de la ville et sa part cachée. Il est aussi un lieu de ressources humaines, végétales, animales. Il est un réservoir de matériaux, de mots, de mémoires, de formes, de sons, de techniques. Les mouvements et les transformations internes au chantier ont été les conditions et le terreau de projets artistiques conçus par L'Atelier de Recherche Urbaine de l'ENSA Dijon sur une ancienne friche militaire en cours d'urbanisation. Tous les travaux photographiques et textuels, toutes les productions in situ sont inspirés et matériellement issus du paysage, du relief, des déchets, des stocks de matériaux recyclés ou neufs du chantier. À rebours des images de nuisance attachées au chantier, les repérages et les expérimentations des artistes découvrent un lieu vivant des métamorphoses où les pratiques artistiques rencontrent celles des travaux publics. En écho avec le chantier, cet ouvrage a voulu être un espace qui réunisse : architectes, philosophes, artistes, designers, étudiants et ouvriers. À L'Atelier de Recherche Urbaine ont participé Gaëtane Lamarche-Vadel, Stefan Shankland, Jean-Pierre Tixier, Hélène Robert, Jan Kopp, Erik Göngrich, Emmanuel Louisgrand, Jean-Pierre Charbonneau et les étudiants. | |
Depuis 20 ans Laura Lamiel poursuit une recherche exigeante orientée vers le pouvoir monochromatique du blanc. A l'aide de surfaces d'acier laqué ou émaillé offrant une voie d'accès à la lumière, l'artiste a construit un vocabulaire autorisant un dialogue original entre le plan et le volume. Par l'intermédiaire de modules elle a conçu des installations se donnant comme une exploration de la tridimensionnatité. La réalisation de "cellules" lui a permis de circonscrire un nouvel espace devenu lieu d'accueil. Abritant d'autres volumes également blancs qui constituent le vocabulaire de l'artiste, les cellules recueillent aussi des objets ramassés, usagés, organisés au nom d'une logique interne pariant sur la cohabitation des extrêmes. Montrer, cacher, déplacer, dissimuler en partie : autant de données supposées contraires qui inscrivent un incessant mouvement au sein de l'acte de création de Laura Lamiel, dans la diversité des formes choisies : dessins, photographies, aciers émaillés, sculptures, installations... Critique d'art et commissaire d'exposition, Anne Tronche accompagne depuis de nombreuses années l'oeuvre de Laura Lamiel et ce dialogue se concrétise ici par un nouveau texte et un entretien inédit avec l'artiste. | |
Ecrit par Lü Peng, grand historien d'art, cet ouvrage permet enfin un accès à l'histoire de l'art chinois tout au long du XXe siècle. L'auteur y aborde l'émergence du modernisme chinois non seulement en Chine, à Taïwan et à Hong Kong, mais aussi dans des centres d'art importants comme Paris et Tokyo. Sans précédent en français, troisième édition revue et augmentée en anglais, cet ouvrage guide le lecteur à travers l'évolution d'une culture qui est dorénavant au premier plan de l'innovation contemporaine et postmoderne. | |
En 2003, le musée du Louvre a créé un 8e département consacré aux arts de l’Islam. Dotée de plus de 14 000 objets et complétée admirablement par les 3 500 oeuvres déposées par le musée des Arts Décoratifs, dont beaucoup sont inédites, la collection du musée témoigne de la richesse et de la diversité des créations artistiques des terres de l’Islam. Trois mille oeuvres de cette collection, des plus riches et des plus belles du monde dans ce domaine, seront exposées en 2012 dans de nouveaux espaces qui viendront s’insérer délicatement entre les façades restaurées de la cour Visconti. Le projet des architectes Rudy Ricciotti et Mario Bellini représente le plus grand chantier au musée depuis les travaux du Grand Louvre et le visiteur pourra admirer dès 2012 cet écrin surmonté par une « aile de libellule », une couverture de verre, dorée et tissée par un fin réseau métallique ondulant. Ces nouvelles salles offriront un espace ouvert sur deux niveaux ; le parcours muséographique permettra le large déploiement d’oeuvres issues de 1 300 ans d’histoire et d’un territoire couvrant trois continents, de l’Espagne jusqu’à l’Inde du Nord. Le livre qui paraîtra à cette occasion présentera une large sélection de plus de 400 oeuvres installées dans ces nouveaux espaces. | |
Appréhender l'ensemble de la bibliographie d'un photographe comme Robert Doisneau est un peu une gageure. Parce que ses publications commencent dans les années 1940, et qu'on continue toujours aujourd'hui, soixante-dix ans après, à éditer livres, albums et catalogues ! Nous avons cependant tenté le pari, justement pour aider à y voir un peu plus clair dans cette nébuleuse aux contours parfois assez flous. Sans pour autant dresser une hiérarchie, et en laissant au lecteur la liberté de se fabriquer lui-même son panthéon parmi les cent-soixante entrées de cet ouvrage. [...] Nous sommes particulièrement heureux de pouvoir ajouter à ces éléments, des témoignages inédits de personnes ayant collaboré directement avec Robert Doisneau et participé à l'édition des ses livres. En premier lieu, ceux d'Annette Doisneau et Francine Deroudille, sesdeux filles, qui ont été ses collaboratrices dans la fabrication de certains livres, et qui depuis sa disparition, assument l'entière responsabilité des archives, des expositions, et naturellement de l'édition de ses livres aujourd'hui. | |
Le Musée des Beaux-Arts de Quimper organise une exposition aquarelles-dessins-gravures d'Henri Marret du 21 novembre 2013 au 17 mars 2014. Henri Marret (1878-1964) est un peintre qui, dès les années 1900, a beaucoup représenté la Bretagne, du Croisic à la côte du Trégor, en passant par le golfe du Morbihan. Habitué du Salon des Artistes français, il est reconnu comme décorateur de bâtiments publics : Bordeaux, Le Havre, l'Ile d'Yeu, etc. où certaines de ses fresques monumentales peuvent encore être admirées. Marret est également aquarelliste. Il pratique l'eau-forte et la gravure sur bois en camaïeu. L'historien d'art Patrick Descamps écrit : " Ses oeuvres sont aux confins du réalisme, d'un impressionnisme modéré et de l'influence symboliste ". Le catalogue présente une biographie illustrée de cet artiste, illustrée de photos d'archives. Et environ 80 oeuvres de diverses techniques, réunies pour leur caractère maritime : paysages, scènes de ports de pêche (Finistère, Morbihan, Côtes-d'Armor) et de chantiers navals (Saint-Nazaire, Donges), scènes pittoresques de bord de mer... | |
Jean-Hubert Martin crée avec Théâtre du Monde un dialogue entre des oeuvres de cultures, d'époques et de provenances différentes. À travers ces oeuvres, il souhaite révéler des thématiques fortes comme la mort, la guerre, la violence, la passion, la peur, la beauté et le mystère de la vie, qui constituent des préoccupations universelles. L'exposition est pensée comme un voyage expérimental qui doit transporter le visiteur du viscéral au symbolique, du factuel au poétique. Théâtre du Monde ne répond à aucune méthodologie habituelle et associe dans la même salle des vases canopes égyptiens à une oeuvre du photographe contemporain Andres Serrano : cet accrochage anachronique d'objets hétéroclites est à l'image de la collection de David Walsh qui rassemble à la fois des pièces de monnaie grecques, des objets archéologiques, des oeuvres primitivistes et de l'art contemporain. Plus de 300 oeuvres seront exposées, couvrant 4000 ans de production humaine : oiseaux taxidermisés, squelettes d'animaux, céramique chinoise, aquarelles anglaises du XVIIIe siècle, pierres gravées et objets funéraires égyptiens, boucliers mélanésiens, masques océaniens, coquillages et coraux, spécimens géologiques, photographies et vidéos contemporaines, plus de 50 tapas (peintures sur écorce du Pacifique Sud), peintures et installations d'artistes des XXe et XXIe siècles, dont Francis Picabia, Alberto Giacometti, Max Ernst, Sydney Nolan, Jannis Kounellis, Sol Lewitt, Robert Gober, les Frères Chapman, Marina Abramovic, Claude Rutault, Berlinde de Bruyckere... | |
Monument du jeu vidéo contemporain, GTA IV porte un regard critique sur le rêve américain, les médias et la promesse du tout est possible, renouant avec les grandes fresques sociales de la littérature et du cinéma en proposant de vivre les errances d'un immigré européen à Liberty City. A travers cette analyse de game studies, c'est celle du jeu vidéo qui est menée, de sa capacité à faire vivre des expériences profondes, d'être un média à part entière capable de tenir des discours sociocritiques sur les grands mythes fondateurs contemporains des sociétés occidentales tout en offrant le plaisir propre au jeu. GTA IV est affaire de pouvoir et d'incapacité à transformer sa condition première. Destiné aux nombreux joueurs curieux, étudiants et aspirants game designers et surtout ceux soucieux de comprendre comment une génération peut s'adonner des heures durant au braquage de voitures dans un monde virtuel, GTA IV, l'envers du rêve américain est avant tout un manifeste pour une prise en considération de la portée réelle de cette fiction populaire majeure du XXIe siècle. | |
Du bout du fil , fin et long, je couds des morceaux de mes mémoires pour ne pas perdre pour ne pas oublier... des créations modernes, Rieko Koga, brode pour nous de soi à soi, ses digressions intimes, des nuances d'émotions, en demeure, invisibles... | |
La Route de la Soie, vaste région qui s’étend de la Mer Caspienne au désert de Gobi, est la terre de nombreuses tribus nomades ou sédentaires. Ces peuplades ont créé des tissus correspondant à chaque moment de leur vie, des parures rituelles aux vêtements du quotidien : Suzanis pour la nuit de noces, tapis de prière, dessus de lits en patchwork, bavoirs et chapeaux pour enfants, une quantité et une variété incroyables de teintes et de techniques… Cet ouvrage dévoile l’extraordinaire collection de Susan Meller qui compte plus de 500 tissus. L'auteur nous raconte leur histoire en puisant dans les documents laissés par les explorateurs, géologues, ethnographes, missionnaires, journalistes, marchands et espions qui ont parcouru cette région au fil des siècles. | |
La silhouette des châteaux forts médiévaux en ruine, en sentinelle sur la ligne des Vosges, donne au paysage alsacien son inimitable cachet romantique. Ils ne sont pas là pour le décor, mais expriment la riche histoire de la région, son passé à la fois tourmenté et brillant. De l’an Mil à la fin du XVIIe siècle, ce sont plusieurs centaines de châteaux, mais aussi de fermes et d’églises fortifiées, d’enceintes urbaines, qui ont été bâties par les seigneurs, les cités ou le clergé, dans une densité qui n’a guère d’équivalents dans d’autres régions d’Europe. Leur diversité est infinie, leur état des plus variables, en ruine ou bien réhabilités et affectés à d’autres usages. Tous témoignent d’un patrimoine prestigieux, mais aussi fragile et menacé. Chercheurs exigeants et hommes de terrain enthousiastes, Nicolas Mengus et Jean-Michel Rudrauf ont réalisé un travail de titan pour décrire plus de 550 sites. Richement illustrées, très bien documentées, leurs notices historiques et architecturales sont passionnantes et invitent à la découverte sur le terrain. | |
Carré Hermès, chaise Tolix, dentelle de Calais, marinière Armor Lux, mouchoir de Cholet, chaussons Repetto, stylo Bic... Ces objets "made in France" sont enracinés dans la mémoire française telles des madeleines de Proust. Riches de leur charge émotionnelle et de l'histoire de leur succès, ils ont été le décor intime de la vie des Français mais aussi le rayonnement et l'identité du pays par-delà les frontières sur plusieurs décennies... Pour leur rendre un hommage bien mérité, une cinquantaine de personnalités, de Philippe Delerm à David Foenkinos, de Marjane Satrapi à Pierre Bergé, racontent tour à tour ces 100 objets mythiques qui, du quotidien ou du luxe, sont devenus eux-mêmes des célébrités. | |
A-t-on parfaitement cerné la personnalité attachante et complexe de Vincent Van Gogh, la nature de sa souffrance, la cause de ses maux ? Ce sont ici cinq journées reconstituées à partir de sa correspondance, où Vincent nous laisse entendre sa voix : lors d'échanges avec Paul Gauguin et avec trois de ses médecins d'Arles, de Saint-Rémy-de-Provence, et d'Auvers-sur-Oise, de 1888 à 1890. Ces moments retracés permettent de mieux comprendre ce qu'il ressent, ses inquiétudes, ses tourments. Une autre manière d'approcher Vincent Van Gogh, de saisir quelque chose de sa profonde humanité. Professeur de la faculté de médecine de Montpellier et chef de service du CHU, François-Bernard Michel a publié essais, romans et poèmes. La coïncidence de sa double présidence, Académie des beaux-arts de l'Institut de France et Académie nationale de médecine, témoigne de sa passion pour l'humain, dont Vincent Van Gogh est une figure exemplaire. | |
Taillés en coussins, en poires ou en marquises, blancs, jaunes, bleus ou roses, parfois même verts ou rouges, les diamants les plus célèbres sont apparus dans des circonstances inattendues : au fond de temples indiens, dans la jungle brésilienne ou les mines sud-africaines. Souvent, ils ont été acquis par la fraude ou le crime. Toujours convoités, ils sont passés de main en main au cours de rocambolesques aventures, puis ont disparu mystérieusement pendant de longues périodes, avant de réapparaître. Ils ont été portés au cours d'événements glorieux ou ont été associés à des moments dramatiques. Aujourd'hui, certains ont achevé leur course dans des musées, mais d'autres poursuivent leurs aventures. Fasciné par le destin de ces pierres fabuleuses, Nicolas Mietton nous raconte ici leur incroyable épopée. | |
Constant Moyaux (1835-1911), Prix de Rome d’architecture en 1861, est une parfaite illustration de ces artistes du XIXe siècle, issus de milieux modestes et parvenus aux plus hautes distinctions. Formé non seulement au métier d’architecte, mais aussi aux techniques du dessin, le jeune homme se révèle très tôt un admirable aquarelliste. Ce talent s’épanouira plus encore durant les années passées à la Villa Médicis, de 1862 à 1866, pendant lesquelles Moyaux découvre l’Italie, la Sicile, la Grèce et Constantinople. L’artiste témoigne de ses voyages à travers des dessins gorgés de lumière, souvenirs précieux d’une parenthèse enchantée, qui constitua la plus belle période de sa vie. | |
Piet Oudolf est le paysagiste hollandais qui a planté la High Line à New-York. Il est connu dans le monde entier pour son approche naturaliste qui s’appuie sur son talent unique à assembler durablement les plantes entre elles, et un sens artistique hors du commun. Dans ses travaux récents, coeur de cet ouvrage, et en particulier sur la High Line, il a franchi une nouvelle étape en composant des plantations dans lesquelles les plantes s’entremêlent et se mélangent intimement sans se concurrencer, ouvrant de nouvelles perspectives dans les méthodes de plantations. Dans ce livre, Piet Oudolf et Noel Kingsbury partagent leurs connaissances et nous apprennent comment créer des jardins magnifiques qui ne nécessitent qu’un minimum de ressources. Avec l’aide des plans de plantation originaux de Piet Oudolf, ce livre est le premier à dévoiler aux professionnels et aux amateurs comment sont composés ses jardins. | |
Tantôt artiste des rues, tantôt artiste des champs, Jérôme Gulon (alias Morèje) est un véritable caméléon qui sait donner corps à tous les lieux qui passent entre ses mains. Ses parcours, matérialisés le plus souvent par des mosaïques, se fondent dans leur support pour guider les passants à travers une réflexion tant architecturale que sociale. L'artiste sème ses petits cailloux pour mieux recomposer son environnement, lançant des interrogations souvent philosophiques, parfois archéologiques, mais dans un discours toujours poétique. | |
Pour les curieux des chroniques oubliées - les amateurs d'armes du passé, on peut flaner par les sentiers de la découverte entre les pages de cet ouvrage qui vous fera partager une passion - on ira à Brescia au 17e siècle où l'on fait des canons d'arquebuse - on peut découvrir sortir de la Durolle des lames de stylets portant gravé dans le fer, une identité insulaire. On peut lire pourquoi Romieu fabrique des poignards à Bastia - ces pages vous diront comment reconnaître une lame, et puis, comment on fit de la poudre à fusil avec du fumier, comment l'armée de Louis XV détruisait le Palazzu de Pasquale Paoli un mois avant la dernière bataille - vous suivrez la silhouette d'un imposant écrivain français s'offrant un couteau pour parader dans Bastia, un ajaccien marchand d'armes se bâtissant une légende:"Giordani", des arbalètes qu'on oppose aux canons du Roi d'un pays conquérant, et tout cela vous parvient parce que nous vous le présentons débarrassé de la flagorne de quelque chroniqueur". | |
Fondée en 1885, la Manufacture d'armes et cycles de Saint-Etienne a été, durant des décennies, l'un des fleurons de l'industrie française. Armes, cycles, articles de pêche, machines à coudre furent à l'origine les premiers objets fabriqués par l'entreprise stéphanoise. Une offre de produits de qualité répondant à la devise de la marque Manufrance : "Bien faire et le faire savoir" qui s'enrichit au fil des années de milliers d'autres articles, qui entrèrent dans la plupart des foyers français grâce à un mode de promotion et de diffusion très innovant pour l'époque : le Tarif-Album, premier catalogue de vente par correspondance. Jean-Pierre Pernaut nous présente les plus belles pages de ces catalogues où l'on découvre, dès la fin du XIXe siècle, le célèbre fusil "Idéal" ou les différents modèles de cycles "Hirondelle" qui resteront des produits emblématiques de la Manufacture. C'est la société de consommation que l'on voit évoluer à travers cet ouvrage qui évoque, en chacun de nous, une époque, un lieu, un souvenir... Cannes à pêche et épuisettes, poêles à charbon et couvertures chauffantes, matériel de camping et vanity-cases, vêtements de travail et chemises en Tergal, téléviseurs en noir et blanc et Polaroïd, robots "Marie" et cuisines en Formica... | |
Classé au titre des monuments historiques le 12 août 1913, le château de Goulaine est un édifice emblématique du Pays nantais, à la croisée de la Bretagne, de l'Anjou et du Bas-Poitou. Il est habité par l'une des plus anciennes maisons bretonnes, dont la filiation continue remonte au XIIe siècle. Le château actuel, édifié par Christophe Il, seigneur de Goulaine de 1492 à 1533, témoigne du vaste mouvement de reconstruction qui prévaut après les guerres de Bretagne, de la fin du XVe au premier tiers du XVIe siècle, avant d'être doté d'un système défensif bastionné pendant les guerres de Religion. Gabriel II de Goulaine fait construire les écuries et la chapelle, puis commande le décor des salons vers 1640-1660, tandis que les marais, indissociables du château dont ils sont à la fois la défense et l'écrin, sont aménagés au milieu du XVIIe siècle. Lié à un domaine et à une famille, le château témoigne d'un art de vivre et revêt un capital symbolique. Il est traité avec son site et ses abords, car il structure et domine un territoire érigé en marquisat au XVIIe siècle, à proximité de la Loire. Loin d'être une simple monographie, cette étude retrace l'environnement culturel, social, économique et politique dans lequel le château a pris sa place. A partir d'archives inédites et de nombreuses sources iconographiques, Solen Peron met en perspective l'histoire du site jusqu'à nos jours en restituant l'apport de ceux qui l'ont bâti et transformé, renouvelant dans ce livre la vision du XIXe siècle, cent ans après la protection du château. | |
La bombe d'Hiroshima, premier engin atomique lancé sur une population civile, n'a pas seulement marqué à jamais la psyché japonaise : elle a aussi reconfiguré la flèche du temps pour l'ensemble de notre monde. C'est à l'exploration de cette ombre historique, projetée sur le plus commercial des médiums artistiques, le manga, qu'invite Pierre Pigot : comment des mangakas comme Miyazaki, Matsumoto ou Nakazawa ont forgé une esthétique capable de donner une apparence aux lourds fantômes de l'histoire ; comment, du Voyage de Ryû à L'Ecole emportée, et de Princesse Mononoké à Albator, les mangas et dessins-animés ont exploré ces secrets de l'histoire humaine et ces hantises de la catastrophe, qui peuplent les coulisses de l'art depuis soixante ans ; comment, enfin, un manga aussi populaire aujourd'hui que One Piece dissimule au cœur de ses milliers de pages une idée secrète capable de nous donner les clés pour lutter contre cette prégnance de l'apocalypse. | |
Pour se saisir du monde, il faut le mettre à distance, nous dit implicitement l’œuvre du Hongrois Attila Csörgö, panorama en spirale d’un paysage, aux Sables-d’Olonne. En effet, cette exposition prend le parti de l’écart critique entre l’homme et son environnement, délimitant un espace où la projection devient possible. La vidéo du duo suisse Fischli & Weiss se lit également ainsi, montrant la machinerie grotesque d’une suite absurde d’effets sans causes sensées, à la manière d’un jeu de dominos. Une vingtaine de pièces contemporaines d’autant d’artistes sont présentées pour l’occasion. | |
Le monde de l'art contemporain n'échappe pas, lui non plus, à la vogue des palmarès. Bruce Nauman, Gerhard Richter, Georg Baselitz, Jeff Koons ou Damien Hirst caracolent dans le Kunstkompass, sorte de hit-parade des artistes les plus en vue. Le galeriste star Larry Gagosian ou le méga-collectionneur François Pinault, eux, ont les honneurs du Power 100, classement des personnalités les plus influentes de l'art. Bien que souvent cités et décriés, ces nombreux palmarès sont mal connus. Sur quels critères reposent-ils et comment sont-ils construits ? Qui figure dans leurs colonnes et comment les classements évoluent-ils au fil du temps ? Comment s'élabore la réputation d'un artiste ? Toutes ces questions se posent dès que l'on s'intéresse au marché de la notoriété dans les arts visuels et à la "starisation" des artistes. Révélant les listes et passant au crible les dizaines de palmarès, Alain Quemin soumet à son analyse les artistes et les professionnels du domaine qui "font" l'art d'aujourd'hui en créant les oeuvres... ou la cote des artistes. Une étude sociologique passionnante sur les coulisses de la notoriété dans le monde de l'art contemporain. | |
Dans ce livre, Tim Richardson présente 25 jardins anglais innovants, réalisés ou modifiés durant la dernière décennie. Loin de l’image figée des traditionnelles Mixed Borders, ces créations montrent comment les Anglais, souvent considérés comme conservateurs, participent pleinement par leur créativité aux nouvelles tendances qui traversent le monde du jardin. L’éventail des styles présentés par l’auteur vont des étonnantes compositions d’inspiration scientifique de Trougham Court aux plantations à la pointe du courant naturaliste de l’école de Sheffield. Aux côtés de ces jardins parfois extrêmes, il nous fait découvrir d’autres réalisations restées dans une tradition plus romantique, mais ayant aussi évolué dans des directions nouvelles. À travers le texte pénétrant de Tim Richardson et les superbes photos d’Andrew Lawson, Jane Sabire et Rachel Warne, Le Nouveau Jardin anglais nous donne un aperçu complet de ce qu’il y a de plus notable dans la création de jardin en Angleterre en ce début de XXIe siècle. | |
Lorsque l'on parle de mode, le terme d' « icône » est invariablement associé à une personne : un homme ou, le plus souvent, une femme dont le style a laissé son empreinte dans l'imagination collective. Certains objets ont le même pouvoir évocateur, vêtements ou accessoires. La naissance du trench Burberry ou de la petite robe noire Givenchy ont marqué des tournants après lesquels rien n'a plus été pareil. Certains sont connus par le nom de l'icône ou du créateur, comme le sac Kelly ou le Borsalino. D'autres ont même des connotations socio-politiques, comme le Levi's, par exemple, qui fut d'abord un pantalon de travail avant de devenir le symbole des années 1960. D'autres encore, comme les carrés Hermès ou le Chanel N°5, sont toujours des symboles. Cet ouvrage regroupe des illustrations historiques, des publicités cultes, l'histoire et les anecdotes de l'objet, et relate les liens entre les célébrités et leurs accessoires fabuleux. | |
Déjà reconnu depuis le début du XXe siècle pour ses bagages monogrammés en toile rigide, Louis Vuitton connaît un nouveau succès à l'aube des sixties avec l'invention du PVC. A la fois souple et résistant, ce nouveau matériau, se prêtant davantage à la confection de sacs à mains et autres articles de maroquinerie, offre en effet à la maison un nouveau souffle, et le premier modèle de bagage demi-souple, en 1959, ouvre la voie aux très fameux Speedy, Alma ou Noé. Vingt-cinq nouveaux modèles sont désormais crées chaque année, enrichissant au fil des saisons la collection de sacs de ville. Cet ouvrage présente ainsi l'ensemble des sacs Louis Vuitton, présentés à la manière d'une histoire naturelle dans un ouvrage luxueux, incontournable pour tous les aficionados qui font cas des sacs et pour tous les amoureux du monogramme. | |
L'Araignée est le plus petit des grands salons. Son fondateur, Gus Bofa, écrit : "il n'a pas de programme esthétique ni de but social. Il en avait probablement un, lors de sa fondation, mais il a été égaré, et, depuis, on n'a jamais pu le retrouver. Il s'en passe fort bien". L'Araignée rassemble certains des dessinateurs les plus originaux de leur temps, autour du livre illustré. Ces artistes n'ont d'autres maîtres que leur fantaisie, leur indépendance et leur choix de regarder au-delà des apparences. Oubliés aujourd'hui, ils donnent de leur époque une vision toute personnelle et, pour cela, extraordinairement vraie. | |
Plus de 1 000 poses spécialement sélectionnées par de grands photographes qui inspireront le photographe professionnel ou amateur et l'aideront à développer sa créativité. II apprendra à diriger une séance photo, à mettre en confiance son modèle en lui donnant des instructions précises, à créer des atmosphères envoûtantes, et à mettre les vêtements en valeur. Il révélera son propre style artistique tout en répondant aux attentes du client. Quant au modèle, il apprendra à se positionner face à l'objectif et à participer de manière active à un shooting. Un premier chapitre consacré aux techniques de base - les angles de prises de vue, l'éclairage, la retouche numérique, le cadrage - permet d'acquérir une véritable pratique professionnelle. Chaque technique est illustrée de nombreux exemples et photographies. Les poses sont ensuite classées en fonction de la position du mode, (allongé, à genoux, debout, accroupi, en mouvement) et de leurs spécificités (lingerie et maillots, expressions, photographie de beauté). Leurs auteurs expliquent pour chaque pose et chaque photographie pourquoi le résultat est convaincant ou au contraire décevant, permettant ainsi de se familiariser avec les techniques à adopter ou à éviter selon le résultat souhaité. Certains clichés sont accompagnés d'un schéma indiquant quel a été l'éclairage retenu. Les poses ont été photographiées à l'aide de différentes techniques d'éclairage, d'accessoires variés, en studio et en extérieur, pour créer des mises en scène originales et raconter une histoire. | |
Donner sa chemise, être comme cul et chemise, changer d'avis comme de chemise, s'en moquer comme de sa première chemise, mouiller sa chemise mais également y laisser sa chemise... Ces expressions du langage populaire français démontrent que de tous temps, celle-ci a été considérée comme un de nos vêtements les plus intimement liés à notre vie. Proche du corps et à la fois exposée au regard, la chemise a su remplir deux rôles prépondérants : celui de l'hygiène et de la protection du corps mais aussi celui d'exposer son appartenance à un groupe social. Toujours accessoirisés ou accompagnés d'un gilet, les chemises, chemisiers et corsages ont évolué par leurs formes, leurs matières et leurs ennoblissements, pour s'intégrer dans un vestiaire codé, en définissant un vocabulaire riche, aujourd'hui souvent oublié. C'est à ce propos que s'attache ce troisième tome de notre "Grammaire du vêtement occidental" avec ses règles et ses caractéristiques qui régissent le vêtement d'hier et d'aujourd'hui. | |
Un voyage inédit dans les intérieurs privés des plus grands créateurs de mode autour du monde : le loft d Azzedine Alaïa à Paris, le palais de Laudomia Pucci à Florence, la maison victorienne de Manolo Blahnik à Bath, la maison en terre de Christian Louboutin à Louxor, l appartement d Yves Saint-Laurent à Paris, l appartement de Rosita & Otavio Missoni à Venise, le manoir de Nicole Fahri à Londres ou encore le chalet de Giorgio Armani à Saint-Moritz... 19 lieux magiques. | |
Forteresse militaire, palais royal, musée, symbole de la royauté, emblème de la République, le Louvre poursuit sa métamorphose depuis plus de huit siècles. L'Histoire s'y révèle. Les plus grands chefs-d'oeuvre y abondent, et pourtant, malgré sa célébrité, le premier musée du monde demeure un labyrinthe méconnu. Il fallait un guide comme Pascal Torres, au regard aussi passionné que précis, pour explorer ces mille dédales et en approcher les symboles. Depuis les funérailles d'Henri IV jusqu'à la tourmente déclenchée par la pyramide de verre, entre Nicolas Poussin, Georges Braque ou Belphégor qui hantent toujours ses murs, des pérégrinations de La Joconde ou de la Vénus de Milo aux découvertes archéologiques les plus récentes, c'est une autre histoire du Louvre qui se raconte au fil de ces pages. Pascal Torres nous donne à voir un monument en perpétuelle transformation, pour mieux en saisir le sens. | |
Alberto Savinio et Giorgio de Chirico sont nés en Grèce et ils s'identifièrent aux Dioscures Castor et Pollux. Ils seront profondément marqués par la disparition de leur soeur Adélaïde, à l'âge de cinq ans, et par celle de leur père. La statue de Praxitèle représentant Hermès-Mercure leur apparût comme un spectre. De Chirico représentera son frère (et donc lui-même) en Hamlet, celui qui a vu le fantôme de son père. "L'apparition de Mercure est liée inéluctablement à la mort du père". Mercure devient pour eux "l'éveilleur" révélé à son humanité par l'amour et un potentiel martyr : art et artiste confondus. Il est le "médiateur des rêves et initiateur de l'invisible". Savinio écrira un scénario, jamais réalisé, La vie de Mercure. L'oeuvre des deux frères se fera à l'ombre et à la lumière de ce "médiateur", entre la vie et la mort, entre l'éros et la psyché. | |
Futuriste atypique, d'un éclectisme exacerbé, doté d'une intuition extraordinaire, Fortunato Depero a exploré le monde des médias comme personne ne l'avait encore fait avant lui, raison pour laquelle il a été considéré comme un prophète du postmodernisme. Cet artiste, l'un des plus significatifs du siècle dernier, ne cesse d'étonner. 100 oeuvres sont ici publiées selon un parcours qui s'étend de 1910 jusqu'à la fin des années Quarante. « Depero est un personnage entier qui a défié les conventions avec légèreté et ironie, en développant un processus créatif qui englobe le théâtre, la publicité, le design et la décoration », écrivent Alberto Fiz et Nicoletta Boschiero. Ce livre montre comment l'artiste s'est imposé par la recherche d'une nouvelle esthétique, en avance sur Andy Warhol et sa factory. Mais les publicistes et les designers d'hier et d'aujourd'hui lui doivent également beaucoup.h7> | |
Avec ses 450 reproductions en grand format, le présent ouvrage montre l'incroyable richesse de la production graphique de cette époque à travers les grands noms de la création comme les talents moins connues (ce qui est une nouveauté). Trois parties : les composantes du style art déco international (célébration de la machine, de la vitesse, de la femme, du luxe, des formes géométrisantes, revival graphique dans la création ces vingt dernières années) ; les deux géants du style art déco ensuite (Cassandre en France et McKnight en Grande-Bretagne), et, en dernière partie, l'expansion géographique du style, pays par pays, avec un arrêt sur l'affiche touristique. | |
Il fut un temps, pas si lointain, où les "36 15" du Minitel tenaient (presque) lieu d'applications mobiles ; le téléphone à cadran sollicitait nos doigts (presque) aussi sûrement qu'un smartphone ; les cassettes audio préfiguraient (presque) les fichiers MP3 ; le Quid nous renseignait (presque) aussi vite que Wikipédia... Presque ! Car en un demi-siècle, Les avancées technologiques - Internet, le numérique - ont révolutionné nos habitudes au point que la moindre innovation est désormais vouée à une existence toujours plus courte, aussitôt remplacée par une autre, plus rapide, plus fonctionnelle. Emportés dans le TGV du progrès où Steve Jobs et Bill Gates ont quasiment relégué Bell et Edison au rang de poussiéreux dinosaures, prenons le temps d'un retour en images sur les six dernières décennies : en observateur acide de la vie moderne, Ariel Wizman nous guide sans ménagement dans sa pittoresque galerie des objets insolites ou obsolètes. Et qu'on en garde ou qu'on en jette, une chose est sûre : avec Ariel, ça déblaie sec ! | |
A la densité vibrante de Titien, aux fulgurances de Tintoret, Véronèse répond par la finesse inégalée d'un chromatisme limpide, où les ombres mêmes sont délicatement colorées, et par la grâce d'une composition majestueuse et sans emphase, toute en mouvement harmonieux, sans rien qui pèse ou qui pose. Un tel sens du rythme et de la nuance a pu faire dire à Delacroix, dans son Journal : "Je dois tout à Paolo Véronèse." Car il est, selon lui, peut-être le seul peintre qui ait su recueillir "tout le secret de la nature". Cette fluidité et cette retenue, cette totale absence de pathos, d'effet expressionniste, comme d'excès de solennité inspirent aussi bien les sujets sacrés - scènes bibliques, dépositions de croix, martyres de saints, assomptions, Cènes dont la magnificence inscrit les multiples détails dans la rigueur des architectures - que les profanes : portraits de femmes et d'hommes si intériorisés ; érotisme en suspens des amours de Vénus, Mars, Adonis, Europe, où les couleurs du décor naturel se fondent avec celui des tissus et des corps ; et jusqu'aux grandes allégories du palais Ducal à la gloire & Venise, dont la noble grandeur ne verse jamais clans le pompeux académisme mais, par la vertu des raccourcis et des contre-plongées, garde la fraîcheur et le délicieux vertige du mouvement. | |
Vasari définit les grotesques comme un genre de peintures libres et cocasses, inventé dans l'Antiquité pour orner les surfaces murales. Il a pour principaux motifs des rinceaux végétaux, des candélabres, des figure humaines, mythologiques, animales ou hybrides - insolites ou fantastiques - disposés sans aucune logique apparente, narrative ou spatiale. Après la découverte de la Domus Aurea, en 1480, les grotesques connurent un extraordinaire succès, consacré par leur emploi dans les Loges du Vatican, décorées vers 1518 par Raphaël et son atelier. Elles devinrent une composante essentielle de la décoration des monuments profanes et religieux, envahissant, par exemple, le palazzo Grassi et le musée Correr à Venise, la Farnésine à Rome, le palais Caprarola, le palais Giulio Gonzaga à Mantoue, les Offices à Florence, le monastère de Monte Oliveto Maggiore près de Sienne, etc. La France fut l'un des pays les plus sensibles à l'influence des grotesques. François 1er entre autres, fit décorer sa galerie à Fontainebleau en 1531. Pour la première fois, un ouvrage richement illustré donne un aperçu de toutes les tendances de ce genre pictural original. |
