Catalogue réalisé à l'occasion de l'exposition au Musée d’Art Amos Anderson d'Helsinki, L’Art Déco et les Arts. France-Finlande 1905-1935. | |
Cette rétrospective de l'œuvre de Gilles Bachelet présente des originaux de ses livres "Mon chat" et "Champignon Bonaparte" ainsi que des dessins de presse, domaine dans lequel il a longtemps travaillé. Le site du Centre André François en donne en un aperçu quelques photos, tandis que le catalogue illustré joint présente longuement le parcours de cet artiste et publie sa bibliographie complète. | |
L’exposition présente l’œuvre récent de Miquel Barceló dans le domaine de la céramique. Les pièces ont toutes été réalisées à Majorque entre 2009 et 2013. L’autoportrait est un thème récurrent, yeux et bouche gravés dans l’engobe de vases et d’amphores aux formes héritées de l’antique. D’autres pièces ont des formes plus communes, celles de vases, de verres, de récipients du quotidien, auxquels s’ajoutent des briques traditionnelles. Crânes et têtes sont l’évocation la plus explicite de l’idée de vanité, qui s’exprime aussi dans les fractures, les fêlures, les boursouflures, tous les accidents subis par la terre, avant ou pendant la cuisson. | |
Pendant huit années Bézard était "chez Renault", ouvrier non spécialisé. Auparavant il était paysan, paysan de souche, depuis des siècles. Lui, animateur des réformes agraires dans la Sarthe. Intelligent, ardent, intense, violent. Pêcheur dans les rivières et remueur de sillons. Un homme vrai, réel. D'un jour à l'autre, n'ayant jamais pensé à ça, le voilà céramiste. En prise directe avec le métier, ébloui, heureux, passionnément il fait d'admirables plats et assiettes. Et il ne doit rien à personne. La matière, la substance, la forme "plein la main", une maturité immédiate. Céramique entièrement neuve et personnelle. Il ne doit rien à personne. Mais le M. "Personne" ne sait vivre et respirer que de références !! Donc Bézard est un solitaire. Il est gueulard (car la vie est dure), mais il est magnifique et noble. Je le respecte infiniment. Paris, le 29 septembre 1955 LE CORBUSIER Préface pour la revue Arts, jointe à la lettre datée du 3 octobre 1955 de Le Corbusier à Bézard. | |
A l’aube de quitter l’ancienne demeure du patron des verreries de Sars-Poteries dans laquelle sont installées ses collections, le musée-atelier départemental du verre revient sur ses origines et sa naissance. Il présente ainsi plus de 200 bousillés, petits chefs-d’œuvre du XIXe siècle, témoins de la créativité des ouvriers-verriers de l’époque. Du sucrier à la lampe à pétrole monumentale en passant par les encriers-revanche, ces trésors ravivent la mémoire locale et collective. Il s’agit, par ailleurs, d’une exposition d’envergure, véritable préfiguration du futur projet muséographique du nouveau musée qui met en résonnance la collection ancienne du musée avec la collection contemporaine. | |
Cet ouvrage présente pour la première fois une sélection de près de 130 objets parmi les plus significatifs de ce fonds remarquable conservé au musée Cernuschi. L'exposition décline trois thèmes : L’empire des rites (les rites et les vases rituels, la restauration des cultes et des vases dans leur forme originelle), La couleur de l’antique (le rôle des lettrés et des livres archéologiques pour répertorier, classer, nommer, relever les imitations et contrefaçons des techniques antiques et des patines), Le passé pour l’éternité (objets de lettrés, ustensiles pour l’encens, vases à flèches, petite statuaire religieuse, bassins et plats d’offrande). | |
La création de bijoux en France est aujourd’hui une scène très active, foisonnante, remarquable par la diversité des pratiques artistiques comme par la variété de ses acteurs. Orfèvres-plasticiens indépendants, créateurs de bijoux de couture et de mode ou encore artisans de la haute joaillerie, au total plus d’une cinquantaine d’artistes ont été sélectionnés pour cet ouvrage : leur recherche à la frontière des genres, leur audace formelle, leur façon d’interroger le corps et la notion de préciosité renouvellent profondément la conception traditionnelle de la parure. | |
Günther Uecker et Enrico Castellani sont tous deux nés en 1930, le premier en Allemagne, le second en Italie. Ils appartiennent aux avant-gardes des années 1950-1960, une génération d’artistes questionnant l’Europe de l’après-guerre et ses nombreux bouleversements politiques, sociaux, économiques, scientifiques et artistiques. En corrélation avec la conquête de l’espace, le travail de ces artistes explore une dimension excédant la surface de l’œuvre et ne se limite plus à l’objet tableau ou sculpture. Ils sont les héritiers de la pensée de Lucio Fontana (1899-1968), qui ouvre l’œuvre par le geste radical d’entaille de la toile. L’œuvre peut devenir une installation, elle prend en compte le vide, l’espace, la lumière, le mouvement, le lieu, l’expérience du spectateur. Au lendemain du chaos de la guerre et du vacillement de l’idée d’humanité même, ces composants immatériels nous révèlent un rapport sensible et objectif au monde. | |
Pour "Rétro-Projective", chaque artiste de Corpus montrera deux pièces en perspective avec la collection Maciet, oeuvre titanesque initiée par Jules Maciet au XIXe. Une pièce déjà existante sera mise en rapport avec une parmi le million d’images présentes dans les quelques 5000 catalogues et une autre pièce sera directement mais très librement inspirée par la collection, formellement ou conceptuellement. A partir de la collection Maciet, encyclopédie d’un million d’images, conçue pour la Bibliothèque en 1887 comme source d’inspiration pour les artistes et les artisans, l’association Corpus mettra en perspective bijoux contemporains et images de la collection (rétro), ainsi que des créations nouvelles inspirées par ces documents (projective) | |
Courbet et Cézanne se sont construits à la fois dans un fort enracinement régional, la Franche-Comté pour Courbet, le pays d’Aix pour Cézanne, et dans une constante volonté de s’imposer à Paris comme référents d’une vision artistique nouvelle. Dans le souci d’une confrontation au réel, les deux peintres ont compris que la peinture devait rester enracinée dans un terroir. La beauté, comme idéal, n’est ainsi plus la raison d’être de la peinture, mais celle qui doit révéler la vérité face à la nature comme surgissement ou force ; Courbet parle de "réalisme", Cézanne de "réalisation". | |
Tony Cragg, artiste britannique né à Liverpool en 1949, fait partie du mouvement de la Nouvelle Sculpture anglaise des années 1980 avec entre autres Richard Deacon, Anish Kapoor et David Mach. Délaissant les fragments d’objets en plastique de ses débuts ("La lune bleue", 1980) pour des matériaux comme le bois, le marbre, l’acier poli ou le bronze fondu, chaque sculpture de Tony Cragg présentée ici introduit le motif de la variation sur le thème de la circularité et du mouvement. En effet, les sculptures de Tony Cragg proposent une sorte de parcours giratoire. "Le visiteur est invité à effectuer autour de chacune d’entre elles une rotation. Leur force d’attraction réside précisément en ce qu’elles ne renferment ni face, ni côté, ni dos. Chacune des œuvres ne se laisse pas appréhender comme on le ferait d’une statue traditionnelle, d’une figure verticale. Il faut leur tourner autour et tourner d’autant plus qu’elles sont toutes, peu ou prou, circulaires". | |
René-Yves Creston est, sans nul doute, un de nos artistes breton majeur du XXe siècle. Cofondateur du groupe Ar seiz breur, il a œuvré toute sa vie à la rénovation de la culture celto-bretonne. Artiste pluridisciplinaire, il dessine, peint, sculpte dans des domaines d’application aussi variés que la faïence ou le mobilier. Il sera aidé dans sa démarche, jusqu’en 1937, par son épouse, Suzanne Candré. | |
L’exposition, organisée par le musée des Avelines, a pour ambition de mettre en perspective l’œuvre de ce peintre de formation traditionnelle mais passionné comme tant d’autres par l’observation de la vie quotidienne. Intitulée "Édouard Dantan (1848-1897), peintre des ateliers, des figures et des rivages", cette rétrospective présente un large choix d’œuvres - une soixantaine de tableaux - provenant d’institutions publiques et de collections particulières et illustrant la variété du travail de l’artiste. Peintures, pastels, aquarelles et dessins témoignent d’une œuvre réaliste. L’artiste représente d’un trait vif et perspicace son environnement proche, de la gare de Saint-Cloud aux vues du parc. Il s’intéresse au labeur « des petites gens » de Saint-Cloud, de Villerville ou des bohémiens sans jamais procéder à une critique sociale. Portraitiste attentif à capter les expressions de ses proches, dont les modèles favoris sont sa femme et ses enfants, il produit des pastels délicats propres à rendre la carnation des visages et le soyeux des étoffes. Il est aussi le peintre des horizons clairs, des océans calmes ou déchaînés de Bretagne ou du Calvados qui l’inspirent lors de ses séjours en bord de mer. | |
Après Lille en 2004, Grenoble en 2007 et Strasbourg en 2010, c'est Nantes qui accueille la quatrième édition de la triennale De leur temps proposée par le musée des Beaux-arts en partenariat avec l'Adiaf (Association pour la Diffusion Internationale de l'Art Français). Plus de 100 collectionneurs privés y participent avec des œuvres acquises entre 2009 et 2012: peintures, sculptures, photos, vidéos, installations... L'occasion de découvrir quelque 141 artistes français et étrangers et 149 œuvres dont de nombreux représentants de la jeune création contemporaine. De leur temps 4 constitue un moment de dialogue entre deux univers dont les enjeux diffèrent, celui des collections privées et celui des collections publiques, mais qui partagent le même engagement en faveur de la création contemporaine. | |
Cette exposition a pour but de mettre en valeur deux parcours d’architectes qui ont exercé pendant deux époques successives avec chacun leur style propre. C’est aussi l’occasion d’évoquer le centenaire de la loi du 31 décembre 1913 relative à la protection des Monuments historiques du point de vue des architectes. Ce centenaire est le thème de la 30e édition des JEP. Architecte des bâtiments civils et des palais nationaux, Paul Tournon (1881-1964) est l’un des restaurateurs et reconstructeur de la France après la 1ère Guerre mondiale. Sa fille Marion Tournon-Branly, née en 1924, a restauré des bâtiments anciens ou construit des bâtiments modernes dans l’environnement de monuments historiques avec le souci de préserver le patrimoine. | |
Quatre femmes artistes se sont distinguées par la force de leur lien à la vallée de l’Yerres. Virginie Demont-Breton à Montgeron, Alice Dubois à Brunoy, Jeanne Eliot à Epinay-sous-Sénart et la baronne Gourgaud à Yerres, manifestèrent, chacune dans son genre, de l’attachement pour leur résidence qui fut autant un lieu de travail qu’un lieu de détente et de loisir. L’exposition, en partenariat avec le musée du château de Dourdan et le musée d’Etampes qui présentent simultanément leur propre accrochage sur ce thème, est l’occasion de présenter des œuvres inédites d’artistes méconnues. Des succès publics de Virginie Demont-Breton à la séduisante pratique amateur de la baronne Gourgaud, les carrières diverses des quatre peintres représentées dans l’exposition permettent de faire le point sur le statut des artistes femmes à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. | |
La vie est, comme on dit, bien trop courte et le monde bien trop vaste – et tant de choses sont à voir. L’art est un interrogatoire étrange, sorte de confrontation interrogative. Ces trois clichés sur la vie, le monde et l’art nous aident à voir dans l’œuvre d’Hervé Di Rosa une sorte de story-board qui se déroulerait sous nos yeux, un roman d’apprentissage à partager avec chacun ! Nous sommes, avec Di Rosa, face à une production prolifique – prolixe diront certains ! Mais l’amplitude et l’ouverture de son œuvre doivent être entendues comme le fondement de sa vision artistique, et plus fondamentalement encore de sa vision de la vie, qu’il envisage clairement comme une aventure. | |
Soixante œuvres sont exceptionnellement sorties des réserves : 40 dessins et 20 estampes. Fragiles et anciennes, ces œuvres sont rarement exposées aux yeux du public pour des raisons de conservation. Quelques grands noms sont à découvrir : Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Antoine Watteau ou encore Théodore Géricault. À voir également des feuilles réalisées par des artistes ornais : Pierre-François Godard ou Jean-Jacques Monanteuil. | |
L’ouvrage présente vingt animaux éclairés accompagnés de poèmes et de courtes fables... Historien d’Art, Patrick Hourcade a travaillé de nombreuses années à la direction artistique de Vogue et est aujourd’hui un scénographe recconnu. Il a publié "La Puissance d’aimer" aux éditions Michel de Maule (2012). | |
Située en bordure de la mer du Japon, Kanazawa était la capitale du fief de Kaga. Ce fief, le plus grand du Japon, était depuis le milieu du XVIe siècle celui du puissant clan Maeda qui y encouragea l’épanouissement des arts. Les seigneurs Maeda favorisèrent le développement de la cérémonie du thé et du théâtre nô, éléments incontournables de la diplomatie entre guerriers, et accueillirent les plus grands maîtres artisans d’Edo (actuel Tôkyô) et de Kyôto. Alors que le Japon traversait une longue période de paix, les samouraïs de Kanazawa établirent avec succès leur propre culture, distincte de celle d’Edo, siège du gouvernement du shôgun. Cette exposition présente bien sûr des armures, sabres et casques de guerriers. Elle fera cependant la part belle aux arts liés à la cérémonie du thé (céramique, calligraphie…) ainsi qu’au théâtre nô avec de splendides masques et kimonos. Une vaste sélection de luxueuses pièces d’artisanat d’art (étoffes teintes, laques maki-e, pièces d’orfèvrerie, céramiques) sera également exposée. | |
La Bibliothèque de Versailles, où l'on aime se perdre dans les allées du savoir, est le lieu rêvé pour présenter une exposition consacrée au thème du Labyrinthe, et plus particulièrement à celui de Versailles. Ses sources d'inspiration multiples, sa place singulière dans l'histoire des jardins, son influence, en font bien plus qu'un simple bosquet, presque un mythe. Les variations sur le thème du labyrinthe entraînent ainsi visiteur et lecteur dans un parcours à travers toutes les formes d'art, des origines de la pensée humaine au XXIe siècle, des jardins aux jeux vidéo, de la spiritualité à la littérature, du mythe au jeu. | |
Aujourd'hui que notre propension à fabriquer de l'information dépasse de loin notre capacité à la comprendre, trouver des motifs et des liens explicites - et utiles - au sein de réseaux de données complexes est devenu l'un des plus grands défis du vingt et unième siècle. Designers, chercheurs et scientifiques ont ainsi recours à l'interactivité et à des combinaisons de couleurs, symboles, graphiques et algorithmes pour clarifier, et souvent embellir, ce qui ne serait sinon qu'un amas de données. Parce que la visualisation des réseaux est le langage de la représentation à l'époque de la société de l'information, cet ouvrage explore et révèle l'importance et l'impact de ces illustrations dans l'exposition et la transmission des idées complexes. De la représentation de réseaux de followers sur Twitter aux interconnexions entre les membres de cellules d'Al Qaïda, en passant par les interactions entre protéines, Manuel Lima a rassemblé dans ce livre près de trois cents exemples fascinants de design de l'information. Il consacre également plusieurs chapitres introductifs à la longue tradition de la représentation des réseaux complexes et en offre ainsi une première histoire exhaustive et passionnante. | |
Issu d’une famille d’artistes nantais, Henry-Pierre Picou (1824-1895), peintre et dessinateur, rencontre dans l’atelier parisien de Charles Gleyre – l’un des plus célèbres professeurs de l’époque – et auprès de son cercle artistique, ceux qui deviendront ses proches amis : Jean-Léon Gérôme, Auguste Toulmouche, Jean-Louis Hamon, Gustave Boulanger. Autour de Gérôme, ils forment un groupe animé d’une nouvelle envie de peindre : les « Néo-Grecs ». Soutenus par la critique, en particulier par Théophile Gautier, les Néo-Grecs développent, à partir de thèmes antiques, de sujets d’histoire et de scènes de genre une esthétique raffinée, qui prône une place élevée de l’artiste dans la société, chantre d’un art revenant aux classiques. L’"art pour l’art" de Gautier incarne leur idéal. Cette peinture, très décriée par les avant-gardes de l’époque, connut un grand succès, notamment par le biais de la gravure et de la photographie. | |
Dans son ouvrage Manière de Montrer les jardins de Versailles, Louis XIV nous guide à travers les bosquets et bassins de son château. Six versions sont rédigées entre 1689 et 1705, dont quelques unes écrites de sa plume. Plus qu'un véritable guide, c'est un itinéraire de promenade dans les jardins du château de Versailles que Louis XIV a fixé dans sa Manière de montrer les jardins de Versailles en 1704. Les historiens continuent de s'interroger quant à l’usage de ce "manuel", qui n’était pas destiné à la publication. Etait-il destiné à des réceptions officielles ? Pour les fontainiers afin qu'ils sachent quelles fontaines mettre en eaux ? Pour lui-même lorsque, perclus de goutte-maladie qui provoque d’intenses douleurs des articulations, il se faisait tirer dans une "roulette" ? Car la rédaction des manuscrits est assez tardive. Il en existe six versions qui s'échelonnent entre 1689 et 1705, conservées à la Bibliothèque nationale de France ; certaines écrites de la main même du Roi, d'autres par un de ses secrétaires et simplement corrigées par lui. | |
Ce livre souligne l’importance de la peinture dans notre société d’image. Il retrace également les activités de la galerie, expose ses choix pendant ses vingt premières années et illustre ses relations étroites avec les artistes et les collectionneurs. ... Très engagé dans le monde de l’économie, de la finance et de la communication jusqu’à 42 ans, j’avais toujours eu une passion, l’art: la littérature, la musique et surtout la peinture. J’ai très tôt pris conscience de l’importance de son énigme dans les paysages alpins de mes vacances. En 1990, j’ai tout quitté pour ouvrir une galerie trois ans plus tard. Dans ce livre, je parle de mon métier, de mes choix, des relations avec les artistes et de la gestion d’une galerie. La peinture reste plus que jamais essentielle pour enrichir notre vie, lui donner de la densité et résister aux dérives d’une société d’images.... | |
De son enfance bordelaise, Albert Marquet conserva toute sa vie une attirance pour l’eau. Quand, dans les premières années du XXe siècle, des galeries le prennent sous contrat, il se lance dans d’innombrables voyages. Les ports, les côtes, les cours d’eau constituent son univers pictural, des lumières vives de la Méditerranée et de l’Atlantique aux gris argentés des berges de la Seine. Issu du fauvisme, doué d’un sens inné de l’espace, Marquet s’inscrit dans la continuité des grands paysagistes français. L’impermanence de toute chose, qui se traduit chez lui par sa position d’éternel observateur, rejoint l’essence de son art, comme de son caractère, dans ce qu’ils ont de plus intimement indissociable : la fluidité du temps qui s’écoule et la fluidité de sa technique picturale. | |
"La liberté n'est pas donnée, on doit la prendre", aimait à dire cette femme, décrite par ses proches comme indépendante, née à Berlin le 6 octobre 1913 et morte à Bâle, en Suisse, le 15 novembre 1985. Et c'est en effet son peu de cas pour les conventions qui se dégage des 200 oeuvres, présentées à Berlin, de cette écrivaine, peintre et plasticienne, amie des surréalistes à Paris dans les années 1930 et modèle du photographe américain Man Ray, pour qui elle posa nue. Née d'une mère suisse et d'un père juif allemand, médecin qui se réfugia en Suisse pour fuir Hitler, Meret Oppenheim ne cessa de travailler toute sa vie. | |
Encore méconnue, l'histoire de la mode enfantine révèle bien des surprises sur l'évolution de nos sociétés et de l'éducation de ces adultes en devenir. C'est depuis le milieu du XIXe siècle que la mode enfantine s'égaie d'imprimés qui se distinguent de ceux utilisés dans le vestiaire des adultes : qu'ils soient abstraits et associés exclusivement à cette période de la vie ; qu'ils soient narratifs et fassent, par leur technique ou leur thème, référence à l'univers de représentation associé à l'enfance ; sensoriels, descriptifs ou simples indicateurs, ces " motifs d'enfance " jouent un rôle important dans l'éducation de l'enfant, l'accompagnent dans sa socialisation et dans son apprentissage des usages vestimentaires. Ce catalogue d'exposition propose une plongée inédite dans les garde-robes enfantines passées et présentes à la découverte d'imprimés moins naïfs qu'il n'y paraît ! | |
Cette exposition présente une sélection de 125 chefs-d'oeuvre qui ornaient les palais de Napoléon sous le Premier Empire français (1804-1815). Il présente des meubles, des tapisseries, chandeliers, lustres et pendules, entre autres trésors, tels que le trône impérial, qui a été conservé au Sénat français en France, qui sont affichés ensemble pour la première fois. La variété des objets illustrent comment Napoléon impose ses sensibilités esthétiques sur de nombreux aspects de la vie au cours de cette période et comment le style empire, est devenu l'un des plus grandioses et les plus somptueux de l'histoire des beaux-arts et arts décoratifs. | |
N'importe qui est capable de monter et régler ces horloges délicates, mais y arriver rapidement et correctement n'est possible qu'avec la connaissance de leur fonctionnement et l'ordre dans lequel effectuer les changements. Mervyn Passmore explique dans un langage simplifié que faire, comment le faire, et à quel moment. En 1976 il co-fonda une entreprise d'importance mondiale de fournitures pour horlogers, et mit à contribution la vaste expérience qu'il a acquise en conseil et soutien technique à ses clients dans ce livre. Une échelle d'aplomb détachable très pratique est comprise à l'arrière du livre, ainsi que des copies du dépliant d'ajustement et de réglage, très utilisé dans le commerce de réparations d'horloges. | |
La proximité de la capitale parisienne où la plupart d’entre eux confortent leur apprentissage, la beauté des sites naturels environnants, la présence d’une population de marins aux traditions fortes, sont autant de facteurs qui concourent à l’attractivité du lieu. Si l’engouement pour les ports de la mer du Nord, Étaples ou Boulogne-sur-Mer notamment, plus tardif parfois que l’intérêt pour les côtes normandes et bretonnes qui voient essaimer les colonies d’artistes, répond à des attentes similaires, il donne lieu à une production picturale d’une grande richesse placée sous la bannière du réalisme. | |
Le peuple romain, une notion fondamentale dans l'histoire du monde antique, est en quelque sorte une idée neuve en Europe au XIXe siècle. Célébré par Goethe et Chateaubriand, chanté par Berlioz ou Puccini, peint par Pinelli, Géricault ou Hébert, il est devenu au me siècle un mythe qui a joué un rôle actif en Europe entre Napoléon I et l'achèvement de l'Unité italienne en 1870. Par ses représentations visuelles, il a peuplé les parois des salons parisiens avec des tableaux de Vernet et Léopold Robert ; concept politique, il a été un des fondements du Risorgimento, de Verdi à Mazzini. Par la force de l'imaginaire qu'il suscite, il a enchanté le monde, des opéras de Wagner aux touristes et artistes américains venant admirer Rome et son peuple. Cet ouvrage est à la fois le récit de son histoire, construit comme un opéra, et la première synthèse sur la mythologie du peuple romain durant le siècle des Révolutions. | |
Le LaM, Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut, propose, du 28 septembre 2013 au 12 janvier 2014, une exposition intitulée Picasso, Léger, Masson : Daniel-Henry Kahnweiler et ses peintres. À l’occasion de son trentième anniversaire, le musée retracera dans un parcours exceptionnel l’histoire de la galerie fondée par le marchand d’art Daniel-Henry Kahnweiler au tout début du XXe siècle. Lieu de naissance du cubisme, la petite galerie fondée à Paris par un juif allemand vit en première ligne les soubresauts de l’avant-garde et de l’Histoire. Devenue Galerie Simon pendant la Première Guerre mondiale, puis Galerie Louise Leiris pendant la Seconde, elle reste envers et contre tout entre les mains de son fondateur pendant plusieurs décennies. Pablo Picasso, Georges Braque, Henri Laurens, Fernand Léger, André Masson s’y rencontrent et assurent le succès d’une galerie fidèle à ses artistes et ses principes esthétiques. Le catalogue reconstituera, vingt-cinq ans après la biographie du marchand par Pierre Assouline, l’histoire de la galerie et de ses acteurs : Kahnweiler bien sûr, son associée Louise Leiris, son époux Michel Leiris, et leurs amis à tous : les artistes. Plusieurs essais renouvelleront l’approche historique en approfondissant certaines thématiques comme le primitivisme, le portrait de collectionneur, ou le motif de la tauromachie cher à Michel Leiris. | |
Le musée présente la première exposition monographique sur l’artiste Camille Pissaro (1830-1903) en Espagne. Cette figure-clé de l’impressionnisme fut quelque peu écrasée par l’énorme popularité de ses amis, en particulier par Monet. En réunissant plus de 70 de ses œuvres, l’exposition tente de restaurer la réputation de Pissarro et de le présenter comme l’un des pionniers de l’art moderne. | |
Exposition présentée à Bruxelles, Villa Empain du 27 sept. 2013 au 9 fév. 2014. Le propos de cette exposition est de suivre les traces de l'ancienne Route de la Soie à travers la couleur bleue qui, depuis de nombreux siècles, inspire artistes, artisans et poètes d'Orient et d'Occident. De la Méditerranée à la Chine, ce voyage imaginaire évoque l'indigo des textiles, les céramiques bleues de l'Empire ottoman et de l'Asie centrale, les bijoux en lapis-lazuli et en turquoise, pour atteindre le fameux bleu de Chine. L'exposition invite donc à un itinéraire à travers le temps et l'espace, les cultures et les arts déclinés sous toutes leurs formes d'expression. | |
Richement illustré de photographies de l’exposition, de photographies d’archives, ses textes ont été écrits par Louis Deledicq, commissaire de l’exposition, Dominique Viéville, conservateur général du patrimoine et ancien conservateur du musée Rodin et du musée des beaux-arts de Calais, Paul Louis Rinuy, professeur des universités Paris 8, Lydia Harambourg, critique d’art et auteur, Christian Evrard, Président de l’association des Amis de Jean Roulland, Germain Hirselj, historien de l’art et Barbara Forest, directrice du musée des beaux-arts de Calais. | |
Il n'est ni une histoire du bijou ni un dictionnaire, mais une promenade dans l'histoire de France du Ve siècle à la fin des années 1930, pour choisir des bijoux, étudier leurs formes, leur élaboration, leur fabrication, leur succès. 150 illustrations légendées viennent appuyer le texte. Les bijoux représentés sont marqués par une grande diversité, tant par ceux qui les portent (des princes aux simples gens) que par les sources utilisées : littéraires (les ferrets de la reine des Trois mousquetaires de Dumas), picturales (musées, manuscrits), textiles (La Dame à la licorne), collections publiques et privées, sans oublier les bijoux portés. Certains sont non seulement hors pair mais emblématiques, comme le talisman de Charlemagne, passé à l'impératrice Joséphine puis à Napoléon III, aujourd'hui au Palais du Tau à Reims. Ou comme le fameux collier de la reine Marie-Antoinette qui, par le scandale qu'il causa, contribua à discréditer un peu plus la monarchie finissante. L'approche choisie valorise l'objet bijou : celui qui l'a fabriqué, comment il l'a fabriqué. Elle s'attache également à retracer l'évolution de la clientèle : d'abord réservé aux princes et aux prélats, le port du bijou se diffuse dans toute la société et se féminise. | |
"La terre lituanienne et le vent polonais" - voici comment l'artiste japonais, Ikko Tanaka a décrit Stasys. L'artiste, lui-même, parle de son œuvre ainsi : "C'est une histoire très personnelle. Cet homme de bois, c'est moi – inadapté au XXIème siècle, se tenant à l’écart, loin de la foule, qui avait appris à se réjouir des choses les plus simples." Artiste universel, considéré comme l'un des plus grands affichistes et illustrateurs du monde, encore une fois, expose ses oeuvres dans la capitale de la France. | |
nvestie du poids de l'histoire et de la renommée d'un personnage à la destinée hors du commun, la chape de saint Louis d'Anjou reçut l'onction d'un classement au titre des monuments historiques le 31 mai 1897. Ce tissu brodé aura eu les honneurs de cinq expositions de renom, entre 1867 à Paris, lors de l'Exposition Universelle, et 2012 quand il se confronta au parement d'autel des Cordeliers de Toulouse, antependium de semblable facture. Ménageant son aura de relique, elle a certes cessé d'être honorée en tant que telle, mais, par le truchement d'une vénérabilité de plus de sept siècles, elle y a graduellement surajouté la dimension de trésor d'histoire et d'art. | |
L’exposition, montre comment, à partir du fil, matériau primaire et commun à toutes les civilisations, chaque artiste tisse un récit singulier en s’emparant de cet élément traditionnel pour l’inscrire au coeur de sa création. Qu’il soit souple, tendu, tissé, ou transformé, le fil est employé comme n’importe quel autre médium artistique. Autrefois associé au canevas de la toile, il devient aujourd’hui un vecteur de transgression, un moyen de repenser la peinture, l’espace, la matière, et la couleur. A la fois fragile et résistant, précieux et sensuel, il forme ici le support ou le sujet de l’oeuvre d’art...Toutes très différentes dans leur conception et leurs sujets, les diverses réalisations visibles filent toutes des métaphores avec le mythe de Pénélope, tisserande de l’utopie. Certaines des oeuvres présentées seront issues des collections publiques, mais la plupart des artistes invités ont le désir de jouer la carte de la création in situ. Ainsi chaque artiste a réalisé dans un salon qui lui était dévolu, des pièces originales créées pour le lieu et en relation avec la thématique de Pénélope. | |
Cette troisième édition de la triennale propose les créations de 37 artistes verriers et céramistes. Lors de chaque triennale, deux pays européens sont invités à se joindre à la Belgique. Cette année, la France et la Norvègenous honorent de leur participation. Ce dialogue entre artistes donnera au public une image à la fois globale et détaillée de la création dans chacun des pays présentés. Dans chaque pays invité, le WCC-BF travaille avec une association-partenaire et un commissaire qui établit un premier choix d'artistes. La sélection finale comprend les œuvres de trente à quarante créateurs, au total, qui sont choisis, sur base de dossiers, par un comité composé des commissaires des trois pays concernés. | |
Un guide pratique de mode, d’allure et d’élégance "à la française", avec des conseils pour revisiter son dressing et cultiver son style personnel. Dans un monde qui s’est affranchi des conventions il n’est pas toujours facile de trouver l’harmonie entre ses vêtements et sa vraie personnalité. Heureusement ce n’est ni une question d’âge, ni d’argent, juste une envie et un état d’esprit à exercer. Ludique et vivant, le livre s’inspire directement de l’expérience professionnelle des auteures et de leurs blogs respectifs de mode. Organisé en 15 chapitres thématiques, le guide répond aux questions d’une femme urbaine, avide de conseils pour suivre les tendances sans ressembler à tout le monde, jouer avec la mode et se faire plaisir. En fin d’ouvrage, les auteures nous livrent leurs adresses coups de coeur pour un shopping plaisir dans Paris. | |
Mission Céramique est un ouvrage qui présente la collection de céramiques françaises des années 40, 50 et 60 de Jean Jacques et Bénédicte Wattel. L’ouvrage est divisé en trois parties : - la première partie, historique, retrace le parcours artistique des céramistes collectionnés. L’approche privilégiée consiste en une étude des productions selon les époques plutôt que selon les artistes. Ainsi sont dégagées les tendances et aspirations artistiques de chaque décennie. - la seconde partie, plus personnelle, aborde la manière dont a été réunie cette collection à travers les motivations et les états d’âme des intervenants. - enfin, la troisième partie, sorte d’abécédaire, montre une œuvre de chacun des céramistes importants de la période. Cette collection regroupe principalement des œuvres de La Borne, Paris et Vallauris à travers des artistes emblématiques tels que Lerat, Jouve, Madoura, Innocenti et Derval, mais aussi d’artistes moins connus tels que Tessier, Rozay, Guillot ou Coustère. | |
Une première pour Mathieu Werchowski qui, pendant trois ans, a été pris d’une passion dévorante pour les collages. Le pari a été pris avec Sonia Gaja, qui dirige le lieu, d’installer ses travaux alors que celle-ci lui assurait le grand jeu : Un catalogue d’exposition de grande qualité et deux mois d’accrochage, avec vernissage et petite fête pour le décrochage. Comme quoi, ça bouge au centre de l’affiche, et c’est tant mieux ! En effet, il nous avait plutôt habitués à nous retourner vers le passé pour revisiter l’histoire des affiches et de la communication visuelle. Ce qui est loin d’être négligeable, bien entendu. Mais cette ouverture vers le présent et l’art contemporain offre des perspectives nouvelles à ce lieu culturel et pédagogique. Mathieu Werchowski, mis en avant pour cette exposition, est violoniste. Il est venu jouer lors d’un vernissage et a visité le centre avec Sonia Gaja. C’est en tombant sur des vieux numéros de Paris-Match qu’il a évoqué sa passion pour les collages. Ce qui a amusé Sonia Gaja qui souligne : "Ces images que nous collectons, classons et conservons précieusement depuis plus de trente ans, Mathieu les découpe, les dissèque et les associe, leur faisant prendre une nouvelle forme, celle d’une œuvre d’art." L’artiste qui aime expérimenter, évolue dans la musique contemporaine, la composition instantanée, l’improvisation. Et il décline sa démarche sur différents médias. Ses collages revendiquent un message, quelque fois trash, érotique mais jamais dénué d’humour. |
