Société des Amis de la Bibliothèque Forney




Nouvelles Acquisitions
de la Bibliothèque Forney - Juillet & Août 2013


 

Rappel des sigles ALP, CE, NP, NS.

- ALP : Livre empruntable
- CE   : Catalogue d'exposition en lecture sur place, ne peut être emprunté
- NP   : Sur demande, livre empruntable
- NS   : Lecture sur place, ne peut être emprunté



Baldelli, Bernadette - Bracelets & bijoux shamballa

Baldelli, Bernadette - Bracelets & bijoux shamballa (ALP 746.42 Bal)
Bernadette Baldelli vous propose une véritable bible de bordures à crocheter. Partez à la découverte des harmonies de couleurs des villes du monde, fil conducteur de ce livre. Jouez avec les matières : la soie, le coton, l'alpaga, la laine, choisissez la finesse de votre ouvrage et adaptez ces bordures à tous vos projets : couture, décoration, bijoux, à vous de créer ! 151 bordures originales, des bordures pour les tous les niveaux, de la débutante à l'experte, es explications rang par rang et en diagramme pour chaque bordure.

Bellet, Harry - Les aventures extravagantes de Jean Jambecreuse, artiste et bourgeois de Bâle - Assez gros fabliau

Bellet, Harry - Les aventures extravagantes de Jean Jambecreuse, artiste et bourgeois de Bâle - Assez gros fabliau (NP 40224)
1515 : pendant que Français, Italiens et Suisses s'étripent à Marignan, que le pape Léon X s'acharne à embellir Saint-Pierre de Rome, qu'Henry VIII d'Angleterre n'a encore qu'une épouse - celle de son frère - et que le prince turc Suleïman se prépare à devenir Soliman le Magnifique, le jeune Jean Jambecreuse, peintre comme son père et son frère aîné, quitte sa ville natale d'Augsbourg pour parfaire son apprentissage à Bâle, ville alors en plein essor. Jean veut connaître le latin, la langue internationale de l'époque, celle qui, il le pressent, lui permettra de passer de l'ancien statut d'artisan à ce nouvel état dont on commence à parler en Italie et qui rapproche le peintre du poète : celui d'artiste. Il va alors se frotter aux plus grands penseurs de son temps : Erasme, pour lequel il illustre les marges de l'Eloge de la folie, mais aussi Léonard de Vinci, qu'il suit jusqu'à Amboise où le vieil homme termine ses jours, et auquel il dérobera certains papiers compromettants. De surcroît, par-delà l'apprentissage de son art, il va faire celui de la vie, laquelle - en ce siècle qui est également celui de Rabelais - est faite de bruit, de paillardise et de fureur. Le personnage de Jean Jambecreuse est inspiré de celui du peintre Hans Holbein (1497-1543). Cet ouvrage a la saveur d'un fabliau moderne : brillant, succulent et drôle, il joue avec finesse des genres et du langage.

Bois et dérivés, Sculptures, dessins et textes de Nicolas Alquin

Bois et dérivés, Sculptures, dessins et textes de Nicolas Alquin (CE 29927)
Le sculpteur-tailleur qu’est Nicolas Alquin n’a pas peur des grands formats ni même des monuments, il manie la hache et la tronçonneuse, il va chercher ses arbres au Gabon et sa voie intérieure au Japon, il fait fondre ses bronzes en Italie, et médite dans son atelier de la banlieue parisienne en modelant de la cire d’abeille ou en dessinant au pinceau sur du papier de Chine. Tout cela ne l’empêche pas de ciseler des petits textes incisifs où la profondeur de la pensée se cache derrière la fantaisie, avec une élégante sensibilité. Alquin est un poète, en somme. Il habite un univers singulier dont ce livre, voulu par lui jusque dans les menus détails, est la carte détaillée.

Bolin, Liu

Bolin, Liu (ALP 770.4 Bol)
"Liu Bolin, star chinoise de l'art contemporain" Suite au succès du premier volume publié par les Éditions Galerie Paris-Beijing, voici une nouvelle édition d un livre présentant la série Hiding in the City réalisée par cet artiste chinois incontournable. En novembre 2005, Liu Bolin, artiste engagé, voit le village où se trouvait son atelier entièrement détruit par les autorités pour un prétexte immobilier. Choqué par son impuissance à manifester sa révolte, il décide de réagir en se faisant peindre par des assistants jusqu à disparaître devant les décombres de son atelier détruit. Une photo immortalise la performance. C est le début d une longue série photographique qu il intitulera Hiding in the City. L artiste interroge sur le sens caché des décors qu il s ingénie à employer, apportant des réflexions sur le thème de la politique, du consumérisme, de l environnement, du mariage ou encore de l alimentation. L ouvrage présente l intégralité de ses photo-performances.

Brutsch, Françoise - Serge Poliakoff

Brutsch, Françoise - Serge Poliakoff (NS 90127)
Plus de quarante ans après sa disparition, le parcours de Serge Poliakoff – une trajectoire marquée par les rencontres qu’il a faites de Delaunay, Freundlich et Kandinsky comme par le souvenir des icônes russes de son enfance – reste toujours aussi étonnant et exemplaire, tandis que son oeuvre continue à rayonner. A la faveur du temps écoulé, il a semblé nécessaire de faire le point sur les étapes de cette quête intéressante d’un art que Poliakoff voulait personnel, absolu, sur la lente élaboration de son oeuvre. Et ceci en prêtant une oreille attentive tant aux analyses de ses différents exégètes qu’à ce que l’artiste lui-même a bien voulu nous dévoiler, dans ses « Cahiers", de son travail et sa vision de l’art. "Il n’a pas du tout l’apparence d’un peintre" écrit John Russel en 1963, "il ressemblait plutôt à un propriétaire terrien russe qui aurait survécu confortablement à la révolution et récupéré dis mille âcres dans le Berry ou la Beauce. On pourrait aussi le prendre pour un de ces gentlemen farmers anglais, s’habillant à Londres et possédant des chevaux. Même s’il n’a qu’une petite maison dans les Alpes-Maritimes achetée en 1962 et s’il est arrivé à Constantinople sans un sou à l’âge de 19 ans." En fait, sous ses dehors apparemment futiles, la vie de Poliakoff présente une très grande logique, une conséquence parfaite. Suivant avec fermeté et conviction la ligne qu’il s’est tracée, Poliakoff ne connaît pas la demi-mesure et quand la peinture est en jeu, il agit sans hésitation ni compromis.

Chagall devant le miroir - Autoportraits, couples et apparitions

Chagall devant le miroir - Autoportraits, couples et apparitions (CE 29924)
À l’occasion du quarantième anniversaire du musée national Marc Chagall, une exposition entièrement dédiée à l’artiste, autour du thème de l’autoportrait, réunit près d’une centaine d’oeuvres, peintures et dessins, dont de nombreux inédits. Ce sujet a été le plus traité par Chagall au cours de sa très longue carrière. Il reflète, à la manière traditionnelle, ses préoccupations stylistiques et les interrogations sur son identité comme sur son rôle d’artiste, auxquelles Chagall apporte cependant des réponses nouvelles. D'abord simple affirmation de soi comme peintre, il devient vite, dès 1915-1917, le moyen de se présenter comme le passeur d'un message qui le dépasse. Le peintre réalise également une version écrite de son autoportrait avec sa biographie poétique, Ma Vie, rédigée dès 1922, alors qu’il est âgé seulement de trente-cinq ans, et publiée plus tard, en 1931. De 1907 à 1985, cette abondante production relève de tous les genres : le plus souvent autoportraits au chevalet, à la palette ou dans l’atelier, donc en artiste ; plus rarement autoportraits méditatifs d’homme se regardant ; et une étonnante série d'autoportraits en Christ dans les années 40 et 50. Mais aussi de nombreux doubles portraits où Chagall se représente avec sa femme, inspiratrice étroitement enlacée au créateur, et enfin, des autoportraits déguisés où l’artiste se montre sous une autre forme, souvent celle d’un animal. Il apparaît également dans ses autres peintures comme témoignant de son travail accompli.

Citroën et les arts

Citroën et les arts (CE 45579)
Cet ouvrage publié à l'occasion des expositions présentées à Cholet et à La Roche-sur-Yon étudie la réception du discours et de l'esthétique de la marque Citroën par le public et leur appropriation par les artistes à travers les arts plastiques, les dessins de presse, la bande déssinée, la publicité, le cinéma...

Claude Viallat

Claude Viallat (CE 29931)
L'exposition de Claude Viallat à Saint-Pierre-de-Varengeville et à Soissons est liée à la rencontre des responsables de la Matmut et du conservateur du musée de Soissons. Une collaboration fructueuse s'est établie autour du projet commun d'inviter Claude Viallat sous la forme d'une carte blanche offerte à l'artiste. Théoricien et membre fondateur du groupeSupport-Surface, qui marque la création contemporaine depuis le début des années 70, Claude Viallat est poète comme il est peintre et il est peintre avant tout. Il "explore sans arrêt les matériaux de l'art". Claude Viallat a réalisé à travers le monde de nombreuses expositions dans les lieux les plus prestigieux. En 1988, il s'est vu confier l'occupation du Pavillon français de la Biennale de Venise, consécration majeure pour un artiste français. Vingt-cinq ans plus tard, le projet de Claude Viallat "d'envahir l'espace par la peinture" va pouvoir se réaliser dans le château du XIXe siècle de Gaston Le Breton et dans l'Arsenal militaire du XIXe siècle de l'ancienne abbaye Saint-Jean-des-Vignes.

Collection David et Ezra Nahmad - Impressionnisme et audaces du XIXe siècle

Collection David et Ezra Nahmad - Impressionnisme et audaces du XIXe siècle (CE 29928)
Sa première présentation en France propose, au Musée Paul Valéry, un ensemble magnifiquement représentatif de la deuxième moitié du XIXe siècle, période sur laquelle s’est fixée la sélection opérée. Si les oeuvres de la collection Nahmad ont figuré au cours des dernières décennies dans des expositions organisées par les plus grands musées du monde, elles sont ici pour la première fois rassemblées avec de nombreuses autres, peu ou jamais exposées, pour proposer, à travers le regard d’un collectionneur, une vision d’ensemble sur les grandes audaces qui ont scandé la deuxième partie du XIXe siècle. Introduite par l’Ecole de Barbizon et le Réalisme, qui marquent dans l’histoire de l’art les débuts de la période moderne, cette exposition et ce catalogue réunissent un ensemble d’oeuvres illustrant tous les grands courants qui, des années 1850 au tournant des XIXe et XXe siècles, ont construit la modernité et ouvert la voie aux avant-gardes. Qu’il s’agisse de l’impressionnisme ou du post-impressionnisme, des expériences de Pont-Aven, de l’aventure nabie ou du symbolisme, chaque artiste est représenté par un ensemble d’oeuvres exceptionnel proposant une lecture particulièrement cohérente et généreusement offerte au public.

Daix, Pierre - Zao Wou-Ki

Daix, Pierre - Zao Wou-Ki (NS 90129)
Si différentes soient-elles, les toiles de Zao Wou-Ki, depuis qu’il s’est créé son langage personnel au début de la seconde moitié du XXe siècle, portent sa signature à chaque point de leur composition, la signature d’un art en étrange pays où se fondent les espaces venus du champ de la cosmologie et des signes de la Chine ancestrale avec les espaces nés de l’affranchissement moderne chez nous, de la perspective, de Cézanne à cette abstraction lyrique qui prit son essor après la seconde guerre mondiale ; en étrange durée donc puisque celle-ci semble ne jamais s’interrompre chez lui entre les premières manifestations de cette spécificité chinoise de faire passer dans l’art le souffle de l’univers et notre fin du XXe siècle. Il n’y a pas de progrès en art et Zao Wou-Ki le sait mieux que personne. Il faut l’entendre s’enthousiasmer devant des pots à vin tripodes, les plus anciens qui nous soient venus de l’âge de bronze en Chine, sortis des objets du néolithique, comme devant les peintres T’ang ou la calligraphie primitive, la plus spontanée. Mais s’il n’y a pas de progrès, l’artiste qui ne porte pas en lui la vision de son temps ne peut être qu’un épigone. La peinture de Wou-Ki s’inscrit dans la lignée immémoriale de l’art chinois parce qu’au lieu de la suivre, elle y apporte les interrogations sur le sens de l’art, plus exactement sur le sens de la peinture, nées de notre modernité occidentale, nées des révolutions opérées dans la peinture quand celle-ci s’est émancipée en France des chefs-d’oeuvre qu’on jugeait insurpassables de la Renaissance.

De l'impressionnisme à l'abstraction ; une immersion dans la peinture

De l'Impressionnisme à l'Abstraction ; une immersion dans la peinture (CE 29959)
La contemplation de la nature a constitué une source d'inspiration pour de nombreux peintres abstraits notamment de la Seconde école de Paris. A travers les oeuvres d'une vingtaine d'artistes, de Claude Monet à Olivier Debré, l'exposition et le catalogue évoquent ceux d'entre eux qui ont revisité et refondé leur rapport au paysage dans le sillage des impressionnistes. Ils en ont renouvelé la perception. L'exposition s'intéresse à ces expérimentations abstraites réalisées en communion avec la nature. L'eau comme motif, source ou thème a contribué à des inventions formelles par des moyens plastiques déjà mis en évidence par Monet et les néo-impressionnistes. Plus proche de nous, cette thématique a aussi été reprise par les artistes contemporains. Le catalogue comporte des études originales de Claire Maingon, Georges Roque, Lydia Harambourg, Hubert Godefroy et Alexandra Charvier.

De Véronèse à Casanova - Parcours italien dans les collections de Bretagne

De Véronèse à Casanova - Parcours italien dans les collections de Bretagne (CE 29910)
Des chefs d'oeuvres de la peinture italienne des XVI, XVII et XVIIIe siècle en Bretagne ? Véronèse, Tintoret, Gentileschi, Giordano, Guido Reni, est-ce possible ? Source d'inspiration des arts, à l'opéra comme dans la peinture (Pont-Aven, le Surréalisme), la Bretagne est aussi un très riche conservatoire du patrimoine international. Pour la première fois, la totalité des grands musées de la Région, Nantes incluse, s'est coordonnée pour restaurer, exposer et publier cette richesse méconnue. De longue date déjà, la plupart des musées avaient entrepris d'étudier ces collections insignes et mondialement connues des spécialistes, patiemment réunies par des collectionneurs devenus de généreux donateurs : François Cacault à Nantes et Jean-Marie de Silguy à Quimper. S'appuyant sur les travaux universitaires de Mylène Allano, ainsi que la contribution de l'institut national d'Histoire de l'Art à Paris, dont celle de Michel Laclotte, ancien directeur du musée du Louvre, l'exposition entend ainsi faire le point sur la dette séculaire de la culture française à l'égard de l'Italie.

Debomy, Pierre Louis - Tobacco Leaf and Pseudo - A tentative inventory

Debomy, Pierre Louis - Tobacco Leaf and Pseudo - A tentative inventory (NS 68182)
“Tobacco Leaf” and “Pseudo Tobacco Leaf” constitute a family of motifs that were created in China and, starting in 1765, were used for a century to decorate porcelains destined for export to Europe (mainly Portugal and probably England) and Brazil. The total number of Tobacco Leaf and Pseudo motifs in existence is unknown. This study, the only one on this subject currently in existence, looks at 38 of these motifs (10 Tobacco Leaf and Pseudo) as well as 21 variations on them (12 Tobacco Leaf and 9 Pseudo). After describing the various elements that make up the different families of motifs, the motifs themselves are then studied one by one with the aid of the 400 color photographs that illustrate the the work. To make the identification easier, the author uses a system of letters and numbers to denote the different patterns.

Des saints et des hommes : L'image des saints dans les Alpes occidentales à la fin du Moyen Age

Des Saints et des Hommes : L'image des saints dans les Alpes occidentales à la fin du Moyen Age (CE 45581)
Publié à l'occasion des 6 expositions Des Saints et des hommes, en Savoie, Italie et Suisse du 3 mai au 31 décembre 2013. Etude du culte des saints à travers l'art de la fin du Moyen Age, du XIIIe au XVIe siècle, dans l'ancien duché de Savoie. Ce livre, catalogue commun à diverses expositions présentées en France, en Italie et en Suisse, aborde les thèmes : la thaumaturgie, le culte de saints locaux, la traversée des Alpes, le rapport entre pouvoir et dévotion, les caractéristiques régionales du culte des saints.

Dufy, de Martigues à l’Estaque (1903-1925)

Dufy, de Martigues à l’Estaque (1903-1925) (CE 29963)
Dans le cadre de l’année Marseille Provence 2013 et autour de la grande exposition "le grand atelier du Midi" présentée conjointement au palais Longchamp de Marseille et au musée Granet d’Aix-en-Provence, le musée Ziem de Martigues propose, à travers son exposition d’été, présentée du 13 juin au 13 octobre 2013, un regard sur l’oeuvre de Raoul Dufy réalisée au fil de ses séjours dans le Midi. Ces étapes marquèrent le style et les motifs de l’artiste.

Femmes artistes en Bretagne (1850-1950)

Femmes artistes en Bretagne (1850-1950) (CE 29917)
La production artistique n'a jamais été réservée exclusivement au genre masculin. Depuis l'Antiquité, les oeuvres de femmes artistes jalonnent les siècles. Le Musée du Faouët présentera l'extraordinaire activité de femmes artistes entre 1850 et 1950 qui, loin d'être des amateurs, ont laissé des oeuvres exigeantes tant en qualité qu'en diversité. Certaines ont passé leur vie en Bretagne, d'autres y ont résidé quelques années, mais nombreuses sont celles qui, au cours d'un été, n'ont pas résisté au charme des paysages, de la lumière changeante et des traditions.

Fergus, Jim - Chrysis, Portrait de l'Amour

Fergus, Jim - Chrysis, Portrait de l'Amour (NP 40225)
Paris, 1925. Gabrielle "Chrysis" Jungbluth, âgée de 18 ans, entre à L'Atelier de Peinture des Élèves Femmes de L'École des Beaux-Arts, pour travailler sous la direction de Jacques Ferdinand Humbert, qui fut le professeur de George Braque. Exigeant, colérique, cassant, Humbert, âgé de 83 ans, règne depuis un quart de siècle sur la seule école de peinture ouverte aux femmes. Mais malgré toute son expérience, il va vite se rendre compte que Chrysis n'est pas une élève comme les autres. Précoce, volontaire, passionnée et douée d'un véritable talent, cet esprit libre et rebelle bouscule son milieu privilégié et un monde de l'art où les hommes jouissent de tous les privilèges. Elle ne tardera pas à se perdre dans les plaisirs désinvoltes et à devenir l'une des grandes figures de la vie nocturne et émancipée du Montparnasse des années folles. C'est là qu'elle va rencontrer Bogey Lambert, un cow-boy américain sorti de la légion étrangère, avec qui elle va vivre une folle histoire d'amour.

Fiedler, Konrad - Aphorismes

Fiedler, Konrad - Aphorismes (1850-1950) (NP 20135)
La profondeur, la précision et la vivacité de l'écriture fiedlerienne se révèlent pleinement dans ces pensées toujours subtiles, parfois fulgurantes, qui reprennent et prolongent la réflexion conduite dans l'ouvrage Sur l'origine de l'activité artistique, édité par D Cohn dans la même collection. La pensée de Fiedler est plus qu'un moment majeur de l'esthétique néo-kantienne : elle élève l'art à la dignité d'une théorie de la connaissance. Son refus d'une esthétique vouée au bon goût, l'affirmation qu'un jugement artistique objectif est possible servent une conception de l'oeuvre comme révélation des conditions de la visibilité. L'art devient, avec lui et pour la modernité qui s'annonce, une exploration de la perception humaine en tant que telle. Aussi Fiedler est-il aujourd'hui redécouvert et son influence sur Georg Simmel ou Ernst Cassirer, autant que sur Wölfflin ou Panofsky réévaluée à sa juste mesure.

Folie textile : Mode et décoration sous le Second Empire

Folie textile : Mode et décoration sous le Second Empire (CE 29908)
Catalogue de l'exposition du Palais de Compiègne (Juin-Oct.2013) puis du Musée de l'Impression sur Etoffes de Mulhouse (Novembre 2013 - Octobrez 2014).L'exposition du Palais de Compiègne se propose d'explorer la richesse et la variété des textiles produits à l'époque du Second Empire (1852-1870). En tant que résidence impériale prisée par Napoléon III et Eugénie, le Palais de Compiègne a bénéficié d'un ameublement fastueux auquel participent les tissus par leurs couleurs chatoyantes et leurs matières raffinées. Les vêtements de la famille impériale et des hôtes du palais reflètent cette même recherche de faste et de mode, comme celle de la célèbre crinoline. Mais à côté de ces tissus d'apparat, la vie du palais s'est aussi organisée autour de tissus plus modestes, à l'usage fonctionnel ou intime: linge de table ou de lit, vêtements des domestiques, sous-vêtements des hôtes... La diversité des textiles du Second Empire, renouvelée par le développement de l'industrie et des premiers grands magasins parisiens, est telle que l'on peut parler d'une véritable "folie" textile. Alors que l'on sépare traditionnellement tissus d'ameublement d'un côté et tissus d'habillement de l'autre, l'exposition se propose de les mettre en regard et d'en étudier les similitudes et les disparités : majestueux rideaux de soie ou simples draps de lit, robes de bal ou uniformes de valet... les tissus que l'on montre ne sont pas ceux que l'on cache, l'ostentation s'oppose à l'intime, le faste au modeste.

Froment, Jean-Louis - Culture Chanel

Froment, Jean-Louis - Culture Chanel (CE 55030)
Cette exposition a été confiée à Jean-Louis Froment, commissaire des précédents volets de CULTURE CHANEL qui se sont tenus successivement à Moscou (Musée d’Etat des Beaux-Arts Pouchkine), Shanghai (Museum of Contemporary Art), Pékin (National Art Museum of China), et Canton (Opera House). Construite sur un jeu subtil de correspondances, N° 5 CULTURE CHANEL décrypte le parfum N° 5 en rendant visibles les liens qui le rattachent à son époque et aux courants d’avant-garde qui la traversent. Œuvres d’art, photographies, films, archives et objets exposés rendent compte des multiples inspirations qui ont nourri l’univers et l’imaginaire de Mademoiselle Chanel faisant écho à sa propre réflexion et donnant naissance à ce parfum unique et intemporel : qu’il s’agisse de ses lieux de prédilection ou des créations de ses amis artistes, poètes, musiciens, Cocteau, Picasso, Apollinaire, Stravinsky, Picabia. Centrée sur la permanence des liens entre CHANEL et les arts, N° 5 CULTURE CHANEL révèle l’essence artistique, intemporelle et iconique du parfum N° 5.

Le Grand Atelier du Midi

Le Grand Atelier du Midi (CE 29952)
Un "Grand Atelier du Midi", tels sont les termes utilisés par Vincent Van Gogh lorsqu'en 1888, aux côtés de Paul Gauguin, il rêve d'une communauté d'artistes unissant fraternellement leurs expériences sous la lumière du Midi. L'exposition du même nom, présentée dans le cadre de Marseille-Provence 2013, capitale européenne de la culture, réalise d'une certaine manière cette ambition inachevée. Organisé en deux volets complémentaires, le parcours retrace un siècle de bouillonnement artistique dans le sud de la France, de 1880 à 1960. De Van Gogh à Bonnard, au musée des Beaux-Arts, palais Longchamp, à Marseille, évoque l'exploration de la couleur par les artistes ; De Cézanne à Matisse, au musée Granet, à Aix-en-Provence, étudie plus spécifiquement l'évolution de la forme picturale. L'événement est surtout une occasion exceptionnelle de réunir deux cents chefs-d'oeuvre en terre provençale et de les faire, découvrir au grand public. Pans les tableaux de Monet, Cézanne, Picasso, Braque et Matisse pour ne citer qu'eux se succèdent bords de mer, vues de ports, scènes de pains, pinèdes et montagnes broussailleuses. Des paysages étrangement familiers pour les visiteurs de la région et pourtant étonnamment sublimés par le génie de leurs créateurs. A travers ces peintures, le midi de la France dévoile une dimension intemporelle, celle d'un berceau de la civilisation latine et de la peinture moderne, à la fois terre d'histoire et d'invention.

Han-Magomedov, Selim Omarovic - L'InKhouk, naissance du constructivisme

Han-Magomedov, Selim Omarovic - L'InKhouk, naissance du constructivisme (NS 70526)
L'Inkhouk (Institut de la Culture artistique) fut en 1920 l'héritier du Soviet des artistes. Ses membres avaient pour mission d'élaborer les théories et les méthodes nouvelles de création formelle. Il fut dirigé d'abord par Kandinsky puis par Rodtchenko. Cet ouvrage montre que l'Inkhouk fut, de 1920 à 1922, le creuset où s'élabora le Constructivisme, dans le feu des discussions. Mais la popularité même du terme "Constructivisme" a gommé la définition précise des limites de ce mouvement, et il n'est pas inutile de les voir ici redessinées. Cette mise en perspective historique s'accompagne d'une très riche documentation photographique, qui nous permet de constater à quel point les oeuvres originales des constructivistes des années vingt restent fraîches et neuves. A la fois livre d'histoire et document : un regard nouveau, original, vivant, sur une période dramatique de l'histoire russe et sur le foisonnement artistique et intellectuel qui l'a accompagnée.

Han-Magomedov, Selim Omarovic - L'InKhouK, naissance du constructivisme

Harambourg, Lydia - Georges Mathieue (NS 90128)
Georges Mathieu, décédé en 2012, était né en 1921 à Boulogne-sur-Mer. Il fut l’un des maîtres de la peinture du XXe siècle, créateur de l’Abstraction lyrique. Son esthétique est indissociable d’une éthique et d’une métaphysique qui remettent en cause le système de pensée, de Platon à Heidegger, sur lequel repose le monde occidental. Le combat qu’il mène depuis plus d’un demi-siècle contre l’humanisme cartésien se traduit picturalement par la primauté du geste sur la pensée. Inventeur de signes, ceux-ci précèdent le sens pour une inversion sémantique qui bouleverse notre vision millénaire de la peinture. Sa dialectique picturale postule l’improvisation, la spontanéité, la vitesse requises au nom de l’imaginaire, de l’inconnu et du risque qui ont pour conséquence immédiate sa pratique, novatrice, de peindre en public des toiles gigantesques dans un temps record. Mathieu renoue avec la démarche des grands mystiques (Saint-Jean de la Croix) comme avec celle des peintres orientaux.

Hooghe, Christine - Bracelets & bijoux shamballa

Hooghe, Christine - Bracelets & bijoux shamballa (ALP 372.52 Hoo)
Le shamballa combine noeuds plats, perles et fermoir coulissant. Sur ce principe, on peut créer une infinie variété de bijoux ! Laissez-vous guider étape par étape pour maîtriser les bases : passage des fils, placements des perles, finitions. Vous pourrez alors réaliser les 50 modèles expliqués dans ce livre : une profusion de bracelets mais aussi quelques autres bijoux dans l'air du temps pour séduire toutes celles qui suivent de près les tendances du moment. Un répertoire des noeuds et des techniques complète cet ouvrage ; il constitue un aide - mémoire précieux pour toutes les créatrices. Le shamballa a conquis la planète Mode... n'attendez plus pour vous lancer !

In Fine Style: The Art of Tudor and Stuart Fashion

In Fine Style: The Art of Tudor and Stuart Fashion (CE 29995)
Une grande exposition à la Queen's Gallery de Londres (Mai-Octobre 2013) dévoile la mode et l'art du costume au temps des Tudor et des Stuart. Les tableaux de maîtres comme Holbein, Van Dyck et Rembrandt font pendant aux rares costumes d'époques conservés.

Keith Haring - The Political Line. 19 avril-18 août 2013

Keith Haring - The Political Line. 19 avril-18 août 2013 (CE 29919)
De Keith Haring (1958 - 1990), on se souvient de l'icône pop, des figures dansantes, des tableaux et des affiches aux couleurs vives, des T-shirts et des objets dérivés vendus partout dans le monde. Aujourd'hui encore, son style incomparable et ses signes emblématiques - ses chiens aboyants, ses personnages rayonnants... - sont reconnaissables de tous. Mais jamais jusqu'ici l'attention n'a été portée sur la dimension politique de l'oeuvre de Keith Haring. Très attentif aux enfants, il a lutté contre L'illettrisme, le sida, la drogue. Il a défendu les droits des homosexuels. II s'est mobilisé contre le racisme et contre toute forme d'oppression. II a dénoncé énergiquement la menace nucléaire, la destruction de l'environnement... L'influence de Haring sur les artistes de sa génération et des suivantes est profonde et durable. Les messages politiques qu'il a transmis au travers de son oeuvre constituent une part de son héritage, mais aussi de celui de l'histoire de l'art et de l'humanité.

Luxury for Fashion

Luxury for Fashion (CE 29961)
With its exclusive London boutiques, the family-run business of Fior was, for decades, the number-one address for costume jewellery and luxury accessories of the highest order. Apart from stars of the stage and screen, such as Elizabeth Taylor, Ava Gardner and Grace Kelly, the international jet-set also numbered among its customers, as did members of several European royal families. Lawrence Feldman started collecting for the Fior Collection as early as the 1950s, by setting aside some of the most dazzling items from each season’s collection in his range of jewellery. Most of the objects in this unique collection, which stem from leading international manufacturers such as Trifari, Marcel Boucher and Louis Rousselet, are remarkable for displaying a great proximity in style and craftsmanship to 'real’ jewellery of gold, silver, and gemstones. Particularly noteworthy in this regard are the ensembles produced by the German Pforzheim-based company Henkel & Grosse and Mitchel Maer of London, created exclusively for the French couturier Christian Dior and which rank among the finest and most elaborate costume jewellery articles ever made. The Fior Collection of London frequently features manifold sets which impressively demonstrate the different design varieties for necklace, bracelet, brooch and clip earrings. In the exhibition the approximately 290 selected jewellery items on display are accompanied by some 120 original fashion photographs from the Lipperheide Costume Library, which depict the fashion trends of each decade from 1950 to 1990.

Max Liebermann und Frankreich

Max Liebermann und Frankreich (CE 29930)
La France fut pour Max Liebermann source d'inspiration et exemple et c'est à Paris où il a connu ses premiers succès artistiques. La peinture française inspirait profondément l'artiste berlinois. Au Salon de Paris, Liebermann admira les premiers tableaux de Millet, Courbet et Ribot. Sous leur influence, il visita Barbizon où il découvre les motifs de la vie quotidienne à la campagne. Mais ce qui devrait devenir le déclic, c'était l'impressionnisme, qui lui a ouvert les yeux sur les phénomènes de la lumière. En tant que peintre, il se tourna maintenant vers les thèmes de promeneurs à la plage, joueurs de polos ou encore vers l'atmosphère estivale des guinguettes. En tant que collectionneur, il réunissait une des plus grandes collections impressionnistes à Berlin. Il fut grand admirateur d'Honoré Daumier qu'il qualifia de "monstrueux". Grâce à Liebermann, Monet, Manet et consorts ont été très tôt connus en Allemagne, bien avant d'acquérir une notoriété en France. À compter de 1900, Liebermann joue un rôle essentiel dans les échanges artistiques franco-allemands. Il contribue à faire apprécier le travail des impressionnistes français.

La mécanique des dessous - Une histoire indiscrète de la silhouette

La Mécanique des dessous - Une histoire indiscrète de la silhouette (CE 29923)
Du XIVe siècle à aujourd'hui, les stratagèmes utilisés par les femmes et par les hommes pour façonner leur silhouette sont d'une inventivité remarquable. Selon les époques et suivant les exigences que la mode établit, les pièces dissimulées sous les vêtements prennent la forme de corps à baleines, panier, corset, crinoline, faux-cul, pouf, amplificateur de mollet ou ceinture d'estomac et, plus récemment, de push-up ou de shapewear. Pendant des siècles, jusqu'aux combats du XXe siècle pour son émancipation, le corps, considéré comme le reflet de l'âme, a été maintenu ou comprimé pour en exprimer la rectitude. Fanons de baleine, cerceaux en métal pourvus de sangles et de ressorts, coussins en crin, matériaux synthétiques l'ont parfois modelé à l'extrême. La mode contemporaine, de Jean Paul Gaultier à Comme des Garçons, s'est naturellement emparée de ces codes, entre hommage et détournement. Artificiels et sophistiqués, ces échafaudages vestimentaires témoignent des rapports complexes qu'entretient le vêtement avec le corps.

Michaud, Jean-Marc - Henry d'Estienne - 1872-1949

Michaud, Jean-Marc - Henry d'Estienne - 1872-1949 (CE 29955)
Natif d'un village de l'Aude, près de Carcassonne, Henry d'Estienne présente la singularité d'être à la fois un peintre orientaliste et un peintre de la Bretagne. Ces deux inspirations se trouvent en effet mêlées au sein de son œuvre, dans des proportions à peu près égales. S'y ajoute une pratique du portrait, qui recoupe parfois les deux veines précédentes. Sous diverses latitudes, Henry d'Estienne traite des sujets très variés, aussi bien des portraits, des scènes de genre que des paysages. Il en ressort une grande diversité, même si le dénominateur commun, l'intention première est la volonté de témoigner, en particulier, en Bretagne et en Algérie, sur l'originalité de civilisations et de modes de vie que l'artiste sait fragiles au regard de l'uniformisation latente, de la menace que représente le progrès. À ce souci documentaire s'ajoutent à l'évidence des préoccupations esthétiques, liées à la formation que le peintre a reçue durant ses jeunes années

Murooka, Akiko - Jolie déco en kirigami

Murooka, Akiko - Jolie déco en kirigami (ALP 372.51 Mur)
Pliez un morceau de papier, hasardez un coup de ciseaux par-ci, rectifiez d’un autre par-là. Ouvrez alors le papier et là, c’est une forme inattendue qui se révèle à vous ! Qui ne s’est pas essayé un jour à ce jeu qu’est le kirigami ? Cette excitation au moment d’ouvrir le papier... La beauté de la symétrie... Ce livre rassemble des modèles symétriques ou en “accordéon” qui se réalisent juste en pliant du papier ! Vous réaliserez les modèles les plus faciles en trois coups de ciseaux alors qu’il vous faudra un peu plus de temps pour les modèles plus compliqués. Plus de 150 motifs, animaux, personnages, fleurs… vous sont proposés pour une déco en papier originale.

Mythes et mystères - Le symbolisme et les artistes suisses

Mythes et mystères - Le symbolisme et les artistes suisses (CE 29926)
Le symbolisme naît à la fin du XIXe siècle : ce n'est pas un mouvement, mais plutôt un état d'esprit et une constellation d'artistes qui vont embraser toute l'Europe pendant plus de deux décennies. Le symbolisme rassemble certains des plus grands créateurs de cette période : Ferdinand Hodler, Arnold Böcklin et Carlos Schwabe en Suisse, Giovanni Segantini en Italie et en Suisse, Odilon Redon en France, Gustav Klimt en Autriche, Fernand Khnopff en Belgique... Tous proclament farouchement leur croyance en l'idéal, au mystère, à la spiritualité, à l'exploration de l'inconscient et à l'unité des arts. Les frontières entre musique et arts plastiques s'estompent, ouvrant ainsi la voie aux grands courants du XXe siècle : le surréalisme, l'expressionisme, l'abstraction. L'importante exposition Mythes et mystères. Le symbolisme et les artistes suisses, conçue par Valentina Anker pour le Kunstmuseum Bern, le Museo Cantonale d'Arte et le Museo d'Arte de Lugano, se reflète dans ce catalogue qui les plus passionnants du symbolisme suisse et européen et où les chefs - d'oeuvre de grands collectionneurs internationaux côtoient ceux des plus prestigieux musées suisses et étrangers.

Le noir et le bleu - Un rêve méditerranéen

Le Noir et le Bleu - Un rêve méditerranéen (CE 29951)
L’ouverture du MUCEM (Musée des Civilisations de l’Europe et de la Méditerranée) en juin est le moment phare de la saison Marseille - Provence 2013, capitale européenne de la culture. Ce livre est le catalogue de l’exposition inaugurale « Le Noir et le Bleu, un rêve méditerranéen… ». Le rêve méditerranéen a longtemps été un rêve unilatéral, le rêve d’artistes, de conquérants, de voyageurs venus d’une seule rive, européenne, qui s’accomplit à travers un projet de civilisation. Mais quels furent en même temps les rêves de l’autre rive ? Renverser les regards, saisir d’autres récits et d’autres histoires : une démarche inédite pour cette exposition. Ce livre, offre une double lecture du rêve méditerranéen : un parcours parmi les œuvres du XVIIIe siècle jusqu’au contemporain. Mais aussi un récit sous la forme d’un abécédaire, avec plus de quarante entrées, parmi lesquelles des notions, des idées et des fragments qui composent une vision plurielle de la Méditerranée.

Penone Versailles

Penone Versailles (CE 29981)
Giuseppe Penone, né en 1947 dans un village du Piémont en Italie, est l'un des plus importants sculpteurs de sa génération. Il réalise ses premiers travaux à la fin des années soixante en intervenant directement sur des arbres dans la forêt, ajoutant son action à celle de la nature. Il est alors associé au mouvement de l'Arte Pavera. L'arbre est l'un des motifs principaux de son oeuvre. Penone y voit " un être qui a la capacité de penser et qui a la mémoire de son vécu ". A partir du modèle végétal existant, la sculpture va être un travail de modification et de réassemblage pour aboutir à des formes surprenantes, où les arbres de bronze sont associés à des pierres ou même à des végétaux vivants. L'arbre symbolise ainsi la rencontre de la nature et de la culture. Invité à intervenir à Versailles, Giuseppe Penone s'aventure sur les terres d'André Le Nôtre... Les oeuvres s'installent avec une remarquable sérénité dans les figures du paysagiste français.

Pissarro dans les ports - Rouen, Dieppe, Le Havre

Pissarro dans les ports - Rouen, Dieppe, Le Havre (CE 29925)
Au XIXe siècle, le développement des villes portuaires fascine les artistes. Bassins, docks, hangars, grues transforment le paysage. C'est la naissance des grands ports industriels, où voiliers, vapeurs et transatlantiques se côtoient, où sur les quais se mêlent débardeurs, promeneurs, passagers et marchandises. Avec le célèbre Impression, soleil levant de Claude Monet, le port fait une entrée fracassante dans la peinture moderne. Mais c'est Camille Pissarro qui, peu après, va donner toute sa dimension au thème portuaire avec une importante série d'oeuvres peintes durant vingt ans à Rouen, à Dieppe et au Havre. Il y observe, depuis le même point de vue, des paysages aux atmosphères changeantes, travaille la lumière, tout en témoignant avec une rigueur presque photographique d'une modernité en pleine effervescence. Le musée du Havre fut le premier, en 1903, à acheter des tableaux à Pissarro. Aujourd'hui, il présente une quarantaine de ses oeuvres provenant de grandes collections nationales et étrangères. Des toiles d'Eugène Boudin et de Maxime Maufra complètent cet ensemble. Mais tandis que Pissarro achève sa série, de jeunes artistes qui ont pour nom Raoul Dufy, Othon Friesz, Albert Marquet marchent dans les pas de leurs aînés impressionnistes, et s'aventurent dans d'autres directions : la tentation de la couleur l'emporte, avant de trouver son accomplissement avec les premières oeuvres fauves peintes au Havre et sur la côte normande.

Rodin - La lumière de l'Antique

Rodin - La lumière de l'Antique (CE 29903)
Rodin voulait ancrer sa pratique de la sculpture dans la continuité de l'art grec fondateur, parfois revisité par les filtres des copies romaines et de la Renaissance. Reformulant les archétypes de l'Antiquité, allant jusqu'à intégrer par assemblage ses propres figurines à un vase grec, une colonne, une urne., son art fait écho, par la perfection plastique et l'expressivité de ses formes, à l'idéal grec. Les chefs-d'ouvre de l'Antiquité, qui sont arrivés jusqu'à notre époque le plus souvent sous forme de fragments, de sculptures mutilées, trouvent aussi un parallèle formel dans la façon même qu'avait Rodin de travailler : ôtant le superflu pour donner à ses ouvres une puissance brute, essentielle, mutilant ses statues, il usait de l'assemblage, du fragment, de la recomposition, de l'inachevé. Rodin ne se rendit jamais en Grèce, mais collecta quelque 2 500 ouvres ou répliques grecques, en une sorte de Panthéon, son propre musée.

Takashi, Amélie - 250 torsades au tricot

Takashi, Amélie - 250 torsades au tricot (ALP 746.41 Tak)
Destiné aux tricoteuses, débutantes comme expertes, ce recueil de points torsade deviendra vite un outil indispensable. Les torsades classiques y côtoient les doubles torsades, les motifs torsadés, les torsades bicolores, les torsades dentelles, etc. 250 torsades expliquées pas-à-pas à adapter à vos créations. Différentes types de torsades pour des resultats originaux. Des torsades pour tous les niveaux.

Le théoreme de Néfertiti - Itinéraire de l'oeuvre d'art : la création des icônes

Le Théoreme de Néfertiti - Itinéraire de l'oeuvre d'art : la création des icônes (CE 29949)
L’Institut du monde arabe accueille Le Théorème de Néfertiti. Cette exposition est le reflet de la volonté de ses deux commissaires, Sam Bardaouil et Till Fellrath, d’interroger, voire de contester les méthodes de présentation avec lesquelles les œuvres d’art sont traditionnellement montrées. Incitant le public à devenir plus critique dans sa façon de regarder les expositions en général, ils l’invitent à réfléchir sur le processus de décontextualisation que subit une œuvre d’art déplacée à travers le temps et l’espace et à questionner l’appropriation dont celle-ci peut faire l’objet. En d’autres termes, il s’agit-là d’une exposition à la thématique ambitieuse et conceptuelle, susceptible de passionner les connaisseurs comme aussi d’attirer le public beaucoup plus vaste des amateurs d’art, en général. En effet, l’exposition opère moult va-et-vient entre culture ancienne et contemporaine – de Ptolémée à Giacometti, de Van Dongen aux polychromies égyptiennes, en faisant un détour par Gilbert et George – et s’intéresse aux relations complexes qui existent entre l’œuvre, l’artiste et l’institution.

Titus-Carmel - écarts / tracés

Titus-Carmel - écarts / tracés (CE 29906)
Gérard Titus-Carmel est peintre, dessinateur, graveur et poète. Artiste de passion, il travaille dans un style très personnel, entre abstraction et figuration, l’ensemble de ses talents pour atteindre ce qui est l’objet de sa recherche : perfection du geste et création. Un cheminement coloré où chaque oeuvre est émotion et équilibre entre travail et sensibilité. Gérard Titus-Carmel a illustré de nombreux ouvrages de poètes et d’écrivains et a lui-même publié à ce jour une cinquantaine de livres, dont une vingtaine de recueils de poésie et des essais sur l’art et la littérature. Le Centre d’art contemporain de Saint-Pierre-de-Varengeville (76) accueille une grande exposition Gérard Titus-Carmel et présente – du 29 juin au 29 septembre 2013 – plus d’une centaine d’oeuvres dont les plus récentes et certaines des plus connues.

Barthélémy Toguo - Print Shock

Barthélémy Toguo - Print Shock (CE 45577)
L’exposition Print Shock est comme un manifeste à parcourir. Elle dévoile de façon inédite les tampons géants marqués de messages livrant son sentiment du monde, pour traduire ou dénoncer en un ou deux mots les relations qui unissent ou désunissent les peuples. Chaque message encré en noir, frappé sur une feuille blanche, est un argument choc sur l’état des relations entre les peuples. Où l’artiste s’étonne toujours que les biens et les marchandises circulent plus facilement que les personnes. Où l’on constate que la frontière est une muraille qui s’érige avant tout dans les esprits. L’artiste s’inscrit ainsi dans la tradition séculaire de l’estampe. L’estampe a l’avantage de résister au temps et de circuler facilement. Barthélémy Toguo charge fortement ses tampons d’une encre lithographique grasse, de manière à déposer une empreinte, presque une croûte, à la surface du papier. Il y a là le désir de marquer son temps autant que le désir de laisser une trace pour les générations qui suivent.

Ursula Morley-Price

Ursula Morley-Price (CE 29909)
A l'occasion de la rétrospective consacrée à l'artiste céramiste-sculpteur Ursula Morley-Price présentée au musée d'Art moderne de Troyes, la Galerie de l'Ancienne Poste (Toucy-Yonne), dédiée à la céramique contemporaine, publie le catalogue de l'exposition. 156 pages, plus de 80 œuvres reproduites emblématiques du parcours de l'artiste.

Vlaminck - Les années décisives (1900-1914)

Vlaminck - Les années décisives (1900-1914) (CE 29958)
Vlaminck est avec Derain et Matisse un des trois artistes phares du fauvisme mais le grand public connaît sans doute mieux ses dernières oeuvres que celles de sa période fauve et cézannienne. La période fauve commence à la fin de 1904 lorsque Derain revient de l'armée. Les deux amis vont travailler de conserve. Les années 1905 et 1906 sont flamboyantes pour Vlaminck, elle relève d'une relation spontanée, instinctive à la couleur : Rue à Port-Marly, 1905 Vlaminck, sous l'influence de Van Gogh qu'il déclarait aimer mieux que son père, utilise une technique violente, caractérisée par l'emploi arbitraire des couleurs pures : "Je voulais brûler, avec mes cobalts et mes vermillons, l'Ecole des Beaux-Arts et je voulais traduire mes sentiments sans songer à ce qui avait été peint... Quand j'ai de la couleur dans les mains, la peinture des autres je m'en fous : la vie et moi, moi et la vie. En art, chaque génération doit tout recommencer". Aucun autre fauve ne rejette autant que lui toute tradition, tout enseignement, toute influence.

Xavier Josso, un artiste combattant dans la Grande Guerre

Xavier Josso, un artiste combattant dans la Grande Guerre (CE 29932)
Xavier Josso (1894-1983) est un peintre-illustrateur qui propose une oeuvre personnelle et intimiste hors des modes et des grands courants artistiques. Après ses études à l'Ecole des arts décoratifs, âgé de 20 ans, il est mobilisé en septembre 1914. Pendant cinq ans, il va connaître l'enfer du front tout en ne cessant de pratiquer le dessin. Croquis sur le vif ou dessins à la mine de plomb, à la plume, à l'encre violette, ou aquarelles, il réalise pendant la Grande Guerre près de 300 oeuvres d'une grande diversité. S'il dessine et peint les paysages, parfois meurtris, qu'il traverse, les nombreux portraits qu'il nous livre constituent un témoignage du quotidien et de la solidarité des hommes en guerre. Peintre et écrivain de la mémoire de guerre, il réemploie, la paix venue, ses croquis et aquarelles pour illustrer livres, menus, galas, chansons et bulletins d'amicales d'anciens combattants. Cet ouvrage présente pour la première fois un très grand nombre d'oeuvres de l'artiste confiées par sa famille au musée de la Grande Guerre du Pays de Meaux. Il est enrichi de photographies et de points de vue sur son travail, restituant l'histoire et le parcours d'un artiste combattant de la Première Guerre mondiale.