Fluxus, plus qu'un mouvement en tant que tel, est un état d'esprit, un espace de liberté, de partage, d'amitié, dans lequel vont se reconnaître des dizaines d'artistes de toutes nationalités ; un mouvement très international est né autour de cette pratique iconoclaste et très ludique de promotion d'un non-art. Fluxus a des liens conceptuels étroits avec les mouvements qui l'ont précédé : le Futurisme et le manifeste de Filippo Tommaso Marinetti de février 1909, le Dadaïsme avec les manifestes Dada de Richard Huelsenbeck d'avril 1918 puis de Tristan Tzara de juillet 1918, et encore le manifeste cannibale Dada, celui de Francis Picabia de mars 1920. | |
L'enluminure insulaire, d'origine irlandaise et anglo-saxonne, illustrant des évangiles des VIIe et VIIIe siècles, est caractérisée par des pages-tapis et des pages d'initiales aux ornements abstraits, d'origine celtes, germaniques ou méditerranéens et au programme chrétien, croix, évangélistes et leurs symboles. A partir de l'analyse des enluminures de six manuscrits, tous des évangiles dits " de luxe ", ce travail étudie les conceptions du monde de la civilisation insulaire préchrétienne et leurs évolutions dues à la christianisation. Il entend aussi replacer l'enluminure dans le contexte du livre qu'elle illustre, l'Evangile. Il s'appuie pour cela sur l'analyse des textes, chrétiens ou non, et la comparaison entre les civilisations européennes (mythes, traditions et techniques), ainsi que sur l'exégèse et la liturgie chrétiennes. C'est ainsi que les anciennes conceptions celtes de l'espace clos sacré, régi par le roi qui l'ordonne face au chaos, rencontrent dans le programme d'enluminures des pages-tapis l'enseignement exégétique remontant au IVe siècle, qui met l'accent sur la royauté du Christ et sur les quatre évangélistes établissant l'Eglise universelle dans le monde. | |
Trois générations de Hannong ont produit à Strasbourg, de 1721 à 1784, des faïences et des porcelaines de prestige. C'est la première fois qu'une étude aussi détaillée sur les décors d'une manufacture est publiée : les principes d'élaboration de ces décors sont reconstitués et le système de production est expliqué. Le lecteur entre dans les secrets de la fabrication des manufactures des Hannong. | |
Fluxus, plus qu'un mouvement en tant que tel, est un état d'esprit, un espace de liberté, de partage, d'amitié, dans lequel vont se reconnaître des dizaines d'artistes de toutes nationalités ; un mouvement très international est né autour de cette pratique iconoclaste et très ludique de promotion d'un non-art. Fluxus a des liens conceptuels étroits avec les mouvements qui l'ont précédé : le Futurisme et le manifeste de Filippo Tommaso Marinetti de février 1909, le Dadaïsme avec les manifestes Dada de Richard Huelsenbeck d'avril 1918 puis de Tristan Tzara de juillet 1918, et encore le manifeste cannibale Dada, celui de Francis Picabia de mars 1920. | |
18 mars 1981. Assis sur des gradins dans le studio de la télévision belge en compagnie des autres invités, je regarde, en dessous de moi dans la lumière, Hergé, Tchang, Brétécher et les autres intervenants. On s'apprête à leur montrer le sujet "Ligne Claire", dont j'ai enregistré, l'après-midi même, le commentaire où je fais définitivement allégeance à ce style dont Hergé est l'initiateur. - Vous connaissez Ted Benoit ?, demande l'animateur. - Non. Ce livre leur dit tout. | |
Bill Brandt (1904-1983) est une figure fondatrice de la tradition moderniste de la photographie : son exploration visuelle de la société, du paysage et de la littérature de l'Angleterre est indispensable pour comprendre l'histoire de la photographie et, sans doute, la vie en Angleterre au milieu du XXº siècle. Pas aussi célèbre peut-être que certains de ses contemporains - Henri Cartier-Bresson et Walker Evans, par exemple -, il se situe néanmoins parmi les visionnaires qui, par la richesse de leur parcours, ont montré le potentiel créatif d'une photographie fondée sur l'observation du monde environnant. Brandt établit sa réputation de photographe avant la Seconde Guerre mondiale en publiant deux livres qui présentent la quintessence de ses premières études sur la vie britannique - The English at Home (1936) et A Night in London (1938) -, et, durant la guerre et dans les décennies qui suivent, il approfondit ce travail documentaire social en effectuant des reportages commandés par quelques-uns des plus grands magazines illustrés de son temps. | |
Quelles sont les caractéristiques de l'art chrétien africain ? Les chrétiens africains doivent-ils disposer d'un art sacré de facture locale ? Cet ouvrage inscrit l'art chrétien africain dans le débat actuel de l'inculturation du message chrétien en Afrique. | |
Ouvrage culte pour les urbanistes et les architectes, Walkscapes fait de la marche beaucoup plus qu'une simple promenade. Pour Francesco Careri, en effet, l'origine de l'architecture n'est pas à chercher dans les sociétés sédentaires mais dans le monde nomade. L'architecture est d'abord traversée des espaces : ce que Careri appelle parcours. Ainsi le menhir, point de repère dans l'espace, à la croisée des chemins. La marche est esthétique, comme la conçoit André Breton pour la place Dauphine. Elle révèle des recoins oubliés, des beautés cachées, la poésie des lieux délaissés. La marche est politique. En découvrant ces espaces qui sont à la marge et cependant peuplés, elle montre que les frontières spatiales sont aussi des frontières sociales. Careri s'évade de la ville-événement pour errer dans ce qu'il appelle la Zonzo (la zone, l'espace exclu, à l'abandon, à la marge, inexploré et pourtant vivant). En se laissant porter par la marche, on franchit des frontières invisibles, on recompose une ville nouvelle. Ce livre passionnera, au-delà des architectes et des plasticiens, ces flâneurs et ces explorateurs qui font de la ville leur terrain de chasse privé. | |
Chagall (1887-1985) est l'un des rares artistes du XXe siècle à avoir été à la fois un peintre témoin de son temps et le bâtisseur d'un monde hors du monde, fait de rêve et de fantaisie. L'exposition présente ces deux aspects de l'oeuvre. 1914 : Chagall quitte Paris après y avoir passé trois années. Les tableaux qu'il produit alors deviennent plus documentaires. Il semble renoncer aux audaces formelles et évoque l'univers de sa ville natale. Il est mobilisé. S'Il ne voit pas le front, la guerre est présente ; ses oeuvres marquent une réelle compassion et sont empreintes de tristesse. Premier exil de Chagall : il s'installe en France en 1922 et donne une nouvelle orientation à sa peinture. Une nostalgie de la Russie le pousse à renouer avec le judaïsme : il illustre la Bible et visite en 1931 la Palestine. Lors d'un voyage en Lituanie, le monde juif lui menacé par la montée de l'antisémitisme. La guerre : contraint une nouvelle fois à l'exil, Chagall réside aux Etats-Unis. | |
Le style Art déco fut érigé sur les cendres d'un monde dévasté par la Première Guerre mondiale. S'oubliant dans le tourbillon du Jazz Age et de l'ivresse des années folles, la mince Garçonne reflète le style architectural de l'Art déco : aux sinusoïdes généreuses sont désormais préférées la simplicité et la sobriété de la droite androgyne... Architecture, peinture, mobilier et sculpture, analysés ici par l'auteur, revendiquent leur préférence pour les lignes incisives et arbitraires, les angles cassés et volontaires. Bien qu'éphémère, l'Art déco continue encore d'influencer le design contemporain. | |
Le Moyen Age est très bavard sur l'animal, porteur de symboles à vocation moralisante et source de nombreux mystères, quant à sa biologie. L'auteur s'attache ici à étudier les animaux familiers (ours, loup, cochon, chien, chat, oiseaux, abeilles, insectes...), leurs représentations allégoriques et leur rôle dans la vie de tous les jours (chasse, nourriture, peurs...). Son travail éclaire les mentalités du Moyen Age mais aussi le quotidien d'hommes à la fois très proches et très éloignés de nous. | |
Peintre et graveur, Hieronymus Cock (Anvers 1518-1570) fut un des premiers artistes du nord de l'Europe à créer, avec son épouse Volcxken Diericx, une maison d'édition d'estampes. Dès 1548, Aux Quatre Vents publia des centaines d'eaux-fortes et de gravures. Inspirées des fresques et des tableaux de Raphaël et de Bronzino, des ruines classiques et des sculptures antiques, mais aussi des dessins d'artistes septentrionaux comme Maarten van Heemskerck et Frans Floris, elles furent diffusées dans toute l'Europe, où elles contribuèrent à répandre les idéaux de beauté de la Renaissance. Ayant discerné le talent de Pieter Bruegel, Cock lui commanda une soixantaine de planches. De sa propre initiative, il réalisa également des gravures à partir des compositions monumentales et débordantes d'imagination de Jérôme Bosch. Les auteurs veulent rendre justice à l'esprit d'entreprise des protagonistes, tout en sensibilisant le lecteur au rôle capital joué par l'éditeur d'estampes dans l'histoire de l'art. | |
L'art colon n'est ni un art de rupture, ni un art qui a dégénéré à force de contamination. Il représente la partie de l'art africain qui s'est adaptée pour assurer la survie du monde traditionnel... | |
Les tags, signatures exécutées dans l'instant, sont souvent incompris et considérés comme une simple dégradation. Ils sont pourtant l'origine même du graffiti, et relèvent dans certains cas d'une virtuosité digne des plus grands calligraphes. Ce sujet photographique d'une grande richesse se focalise sur trois scènes mondiales de la discipline : Paris, New York et Sao Paulo. Par nature éphémères, les tags sont ici archivés, sauvegardant un patrimoine voué à disparaître. Au-delà des centaines de photographies qui offrent un regard unique sur cette production, ce livre contient également les témoignages exclusifs d'une quarantaine de tagueurs renommés. Anecdotes, détails techniques, expériences vécues, confessions sans faux semblant permettent de découvrir ce mouvement de l'intérieur. En fin de livre, de nombreux encadrés proposent des outils de compréhension et de lecture des tags, pour rendre enfin accessibles au grand public ces graphies énigmatiques. | |
Sébastien Le Prestre, marquis de Vauban (1633-1707), ingénieur militaire de génie, apparaît comme l'un des premiers auteurs de la notion d' "inviolabilité" du territoire. Il édifie sous Louis XIV plus de 200 places fortes aux frontières de la France, jusque-là très vulnérables face aux incursions ennemies, il n'aura de cesse de construire une véritable "ceinture de fer", pour faire de la France un "pré carré", selon son expression. Plus vaste que la ligne Maginot, ce système défensif hors du commun constitue encore aujourd'hui un patrimoine sans équivalent dans le monde, si ce n'est la grande muraille de Chine... | |
Les Cugnet? Quatre générations et cinq bâtisseurs en campagne vaudoise, une dynastie dont les membres se sont progressivement élevés du rang de charpentier à celui d'architecte, entre les XVIIIe et XIXe siècles. Durant plus de cent cinquante années, ils ont participé à la construction de tout ou partie de nombreux édifices : églises, maisons de communes, écoles, mais aussi bâtiments privés, agricoles et commerciaux de la Côte à la Broye, en passant par le Pied du Jura et Lausanne. Entrepreneurs de modeste envergure, ils incarnent néanmoins d'authentiques témoins de la réalité évolutive du domaine de la construction sur la longue durée. Ce livre, première étude fondamentale sur une dynastie d'architectes, apporte un éclairage inédit sur l'activité de plusieurs générations de bâtisseurs. En renouvelant les méthodes d'approche en matière d'histoire des professions et d'histoire de l'architecture, il décrit les carrières diversifiées et les chantiers aussi bien modestes que prestigieux de Louis Cugnet I (1729-1801), Louis Cugnet II (1765-1835), Louis Cugnet III (1798-1854), Alfred Cugnet (1830-1874), et Louis Cugnet IV (1838-1888). En retraçant l'oeuvre et la trajectoire professionnelle de cinq architectes, l'auteur met en perspective un véritable cas d'école explicitant, en partie, les enjeux du domaine de la construction et du métier d'architecte sur deux siècles. | |
En 1905, la Ville de Paris acquiert le fonds d'atelier d'Aimé Jules Dalou (1848-1902), sculpteur majeur du dernier tiers du XIXe siècle, alors aussi célèbre que son contemporain Rodin, et fort apprécié en Angleterre (où il a vécu et enseigné) et aux Etats-Unis. Régulièrement complété par des dons et achats, aucun musée ne possède aujourd'hui de fonds comparable, même si le musée d'Orsay et le Victoria & Albert Museum s'efforcent d'enrichir également les leurs. Si les oeuvres originales entrèrent dans les collections du Petit Palais l'héritière de Dalou, sa fille Georgette, puis l'orphelinat des Arts, qui hérita de Georgette, en éditèrent de nombreuses fontes posthumes. Ces fontes - de Susse, Houdebine, Hébrard... -,ainsi que quelques éditions en grès et en marbre, participent encore de la diffusion de l'oeuvre du sculpteur, fréquemment reproduites dans la Gazette de l'Hôtel Drouot. A l'intérêt des marchands et des collectionneurs s'ajoute celui des historiens d'art: la majorité des chercheurs que reçoit le département des sculptures vient consulter ce fonds et de nombreux étudiants consacrent leur travail de recherche au sculpteur, en France mais aussi à l'étranger. Il s'agit de publier pour la première fois le catalogue raisonné de ce fonds de renommée internationale. Outil d'identification des oeuvres de Dalou indispensable au marché de l'art, publication de référence attendue par les historiens d'art, cet ouvrage scientifique présentera les 368 oeuvres du fonds, accompagnées de documents inédits - dessins et archives (contrats d'édition, photographies anciennes...) issus d'une collection privée découverte récemment -,qui permettent un nouvel éclairage du travail de Dalou. | |
L'ambition de cet ouvrage et de l'exposition (riche de plus de deux cents ouvres) qu'il accompagne, est d'abord de proposer une réflexion autour des grands thèmes qui structurent la pensée allemande de 1800 à 1939. Nous est ainsi offert, pour la première fois en France, un panorama de la création artistique allemande sur une durée relativement longue - plus d'un siècle. Les courants artistiques, du classicisme weimarien, des Nazaréens à Otto Dix, en passant par Hans von Marées, Adolf von Hildebrand ou Franz von Stuck, mais aussi du romantisme d'un Caspar David Friedrich à la "nouvelle objectivité", seront ainsi replacées dans le contexte intellectuel de leur création et confrontés aux écrits des grands penseurs au premier rang desquels Goethe. Cette approche est importante pour le public français qui connaît peu l'art allemand. Elle permet de saisir comment l'art a joué un rôle déterminant dans le développement du concept allemand de "Kultur", à un moment historique capital où l'Allemagne cherche à construire son unité et son identité nationale. La notion de "Kultur", concept hérité de la philosophie des Lumières, est apparue comme la plus susceptible de constituer le terreau sur lequel inventer une tradition allemande moderne. | |
Dans l’ouvrage "Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (1912-1930)", l’avant-garde historique belge des environs de 1920 est pour la première fois située dans une perspective européenne plus large. Non seulement des protagonistes comme Jules Schmalzigaug, Georges Vantongerloo et Marthe Donas ont directement adhéré au futurisme italien, au néo-plasticisme et au postcubisme. Mais à partir de 1920, Karel Maes, Jozef Peeters et Victor Servranckx allaient occuper une place importante dans le constructivisme européen. L’aspiration à un art communautaire ne resta pas limitée aux arts plastiques, puisqu’on en retrouve des traces dans l’architecture et les arts appliqués, ainsi que dans la littérature, la musique et les arts de la scène. La photographie belge et le cinéma ont également reflété le modernisme international. Un ouvrage qui explore la spécificité du modernisme belge. | |
Il peut paraître paradoxal pour un coloriste aussi constant et subtil que le fut Olivier Debré de parler de peintures noires. Pourtant, le jeune peintre, dont les premières approches de l’abstraction datent de 1943, va de la libération de Paris jusqu’à la fin de 1947 utiliser presque uniquement le noir et le blanc, avec leurs nuances de gris pour dire le deuil d’une civilisation qui, avec la Libération, vient de découvrir l’horreur des camps de concentration et de la « solution finale ». Deux facteurs furent déterminants pour orienter ainsi le travail du jeune peintre : une famille pleinement impliquée dans la résistance et la rencontre de Picasso – dont il avait découvert Guernica lors de l’exposition universelle de 1937 – qui l’invitera à venir voir ses œuvres récentes dans l’atelier de la rue des Grands-Augustins. | |
Bien connu pour ses objets d’art en pâte de verre et ses vitraux présents dans les églises euroises, François Décorchemont (1880-1971) l’est beaucoup moins pour sa peinture. Pourtant, tout au long de sa vie, cet artiste conchois a peint des paysages, des natures mortes et des portraits qui laissent souvent apparaître, comme dans ses verreries, sa sensibilité pour la lumière et les couleurs. Dans le cadre de la seconde édition du Festival Normandie Impressionniste, le Musée du Pays de Conches présente une sélection de quarante tableaux représentant la campagne normande, le canal du nivernais et les cours d’eau de l’Eure. | |
A travers les oeuvres de cent quarante-deux artistes exécutées depuis 1913, cet ouvrage présente un panorama des courants de la création artistique qui ont privilégié la lumière et le mouvement dans le cadre de l'abstraction. Outre des études sur quelques-uns des principaux sujets historiques et thématiques abordés dans l'exposition " Dynamo. Un siècle de lumière et de mouvement dans l'art. 1913-2013 ", organisée par Serge Lemoine avec la collaboration de Matthieu Poirier, Marianne Le Pommeré et Domitille d'Orgeval, il comporte les reproductions des oeuvres exposées au Grand Palais, ainsi qu'une importante documentation sous la forme de dossiers. Le sujet est abordé de manière inédite grâce au rapprochement des formes éminemment variées adoptées par les artistes au cours d'un siècle de recherches plastiques privilégiant les phénomènes de la vision et le traitement de l'espace. | |
Depuis l'époque classique, la question du reflet est au coeur des interrogations artistiques. Le miroir de l'eau est le révélateur inversé de la beauté du monde, une beauté sereine, ordonnée, immuable. Au XIXe siècle, les impressionnistes vont bouleverser cette image en transcrivant sur leurs toiles une réalité nouvelle, changeante, en perpétuel devenir. La peinture devient l'expression d'une nature saisie dans son mouvement. Le motif de l'eau, cette surface mobile où se réfléchissent les arbres, le ciel, les voiles des bateaux, traverse toute l'histoire de l'impressionnisme. S'attacher au jeu aléatoire du reflet, c'est pour Monet, Renoir ou Sisley proclamer la vérité de l'instant - et vibrer à l'unisson d'un monde en pleine métamorphose. Les côtes normandes vont, avec la Seine, jouer un rôle essentiel dans cette révolution picturale. A travers plus d'une centaine d'oeuvres provenant de grandes collections françaises et étrangères, complétée par une remarquable sélection des premiers chefs-d'œuvre de la photographie, l'exposition présentée au musée des Beaux-Arts de Rouen analyse les enjeux esthétiques du reflet, lieu de l'invention et de l'expérimentation. C'est là, dans cet espace de liberté, que les artistes expriment leur plus grande audace : celle de créer un monde de lumière, de matière et de couleurs. Dans ces Eblouissants reflets se trouve, en somme, le berceau de l'art moderne. | |
Le lin et le chanvre ont autrefois contribué à la prospérité de la Bretagne, marquant l'histoire et le patrimoine culturel de la région. Actuellement au coeur de recherches innovantes sur les matériaux composites, notamment dans le nautisme, ces plantes pourraient bientôt jouer à nouveau un rôle prépondérant D'hier à aujourd'hui, cet ouvrage tisse des regards croisés où botanique, histoire, géographie, technique, environnement et création artistique s'entremêlent. | |
Les Indiens de la côte Est de l’Amérique du Nord sont les premiers peuples à être entrés en contact avec les Européens dès la fin du XVe siècle. On associe bien souvent, et à tort, ces peuples aux images de tipi, de totem et de plumes. Contrairement à cette vision d’Épinal réductrice et généraliste, les cultures amérindiennes sont plurielles. L’exposition du Musée du Nouveau Monde de La Rochelle a pour objectif de mettre à mal ces idées reçues en dévoilant les spécificités culturelles de cette grande aire géographique qui va des Grands lacs au Mississipi. Réunissant une centaine d’objets issus de collections françaises privées et publiques, cette exposition permet d’appréhender leurs habitats, leurs pratiques alimentaires et vestimentaires de ces tribus, leur spiritualité, ou encore les relations qu’elles entretenaient entre elles ou avec les Européens. « Les fils de l’oiseau-tonnerre : les Indiens de la côte Est » inaugure un cycle de cinq expositions sur les peuples autochtones d’Amérique du Nord qui se déroulera au musée du Nouveau Monde dans les prochaines années. Ce cycle permettra de parcourir l’ensemble du continent et entrera en écho avec les collections du musée du Nouveau Monde et plus largement avec l’histoire de La Rochelle et son port d’où sont partis de nombreux explorateurs français, débarqués sur les côtes de l’actuel Canada dans l’espoir d’y fonder une "Nouvelle France". | |
L’histoire de Pucci est une épopée moderne qui puise ses racines dans la Renaissance italienne: le créateur de la marque, Marchese Emilio Pucci di Barsento, était un aristocrate charismatique hors du commun, dont la généalogie remonte au XIVe siècle. C’est l’histoire d’une évolution, où comment une entreprise familiale installée dans une minuscule boutique se transforma en marque internationale établie dans 50 boutiques du monde entier (et présente dans 300 autres magasins). C’est aussi une leçon d’innovation, car Pucci a été une des premières marques à arborer son propre logo et à diversifier ses activités dans l’habitat, les vêtements de sport et les accessoires. Des tissus légers, aériens, des motifs puisés dans le pop art et une nouvelle palette de couleurs apparurent dans la mode féminine, tandis que les techniques de tissage et d’impression étaient constamment perfectionnées. | |
Avec 200 auteurs de BD et 400 pages, cet ouvrage rend hommage à l'univers de Spirou et aux héros célèbres nés dans le Journal de Spirou, de Gaston Lagaffe aux Schtroumpfs en passant par Lucky Luke. Cet ouvrage constitue un véritable florilège des auteurs essentiels de la bande dessinée franco-belge. Chacun d'eux a exprimé en une planche l'émotion, l'amour, la surprise, le délice, la réflexion que leur ont apportés le plus célèbre groom de la bande dessinée, son journal et ses héros. Chacune des planches est accompagnée d'un entretien avec son auteur et de ses références bibliographiques. Un must pour les 75 ans de Spirou et un phare pour tout lecteur de BD. | |
Pour la première fois, le costume de cirque s'expose sous toutes ses coutures ! Dolmans, léotards, sacs, trousses et souquenilles quittent la piste pour les cimaises du musée et racontent en formes et en couleurs la merveilleuse histoire du cirque. Monsieur Loyal, l'écuyère, le dompteur, le clown et l'auguste, la trapéziste et le jongleur, parés de broderies, enveloppés de soie, de tulle, de velours, de métal ou de plastique composent la plus belle des parades et accompagnent une étonnante ménagerie ! Le Centre national du costume de scène dresse son chapiteau et accueille l'univers chatoyant du cirque, du plus classique au plus contemporain. Prêtés par les plus célèbres dynasties, conservés dans les collections de la Bibliothèque nationale de France, issus de collections privées, plus d'une centaine de costumes vont transformer les espaces du musée en une fresque vibrante où paillettes et élégance vont rimer avec allure et savoir faire. D'un insecte aux ailes irisées du Cirque du Soleil aux chats brodés sur un sac de François Fratellini, de la sobriété d'un frac rouge à l'exubérance d'un boléro scintillant, c'est tout un monde qui s'offre à la curiosité des visiteurs et des lecteurs. | |
Il existe, à la racine du Cap-Matin, un lieu singulier pour celui qui s'intéresse à l'art, au design et à l'architecture. Il fut façonné autour de trois personnalités aux parcours individuels distincts mais que l'Histoire a liées indéfectiblement : Eileen Gray, Thomas Rebutato et Le Corbusier. En 1927, la créatrice de mobilier irlandaise Eileen Gray, à l'aube d'une nouvelle pratique de l'architecture, y achète une parcelle de terrain où elle construira, avec Jean Badovici, sa maison de vacances dénommée "E-1027". Vingt ans plus tard, en 1949, Thomas Rebutato, artisan-plombier niçois, s'installe sur la parcelle de terrain qui jouxte la maison. Il y ouvre un modeste bar-restaurant à l'enseigne de L'Etoile de mer. L'un de ses premiers clients se nomme La Corbusier, un familier de Badovici. Très vite, le célèbre architecte devient un hôte attitré du restaurant - il peindra même un tableau mural sur l'une des façades. | |
La broderie est une des plus anciennes traditions de la Suède, tandis que les broderies n'ont jamais été aussi modernes que ce qu’elles sont aujourd’hui. Karin broderie est un livre inspirant avec des motifs de broderie pour l'intérieur ainsi que pour les vêtements et accessoires. Les projets sont simples et peuvent être adaptés pour faire des achats plus personnels, broder des vêtements que vous avez déjà dans votre garde-robe, ou pour embellir des objets trouvés au marché aux puces. Karin Holmberg met en avant un grand nombre de points de la broderie suédoise traditionnelle en les utilisant dans des combinaisons nouvelles et passionnantes. Enfin, il y a une section avec des instructions techniques, les matériaux nécessaires, des trucs et astuces, et les descriptions des différents points. | |
Curata da don Alessio Geretti, incaricato dal Pontificio Consiglio per la Promozione della Nuova Evangelizzazione – il soggetto della Santa Sede che ha la regia dei principali eventi dell’Anno della Fede destinati alla Chiesa universale – la mostra “Il Cammino di Pietro”, a Castel Sant’Angelo, dal 7 febbraio al 1 maggio 2013 è realizzata in coproduzione dal friulano Comitato di San Floriano di Illegio e dalla Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma. | |
André Robillard, né le 27 octobre 1931 près de Gien, est un des incontournables représentants de l'art brut, notion définie par le peintre, sculpteur et plasticien Jean Dubuffet (1901-1985) qui désignait par là un art spontané, pratiqué par des malades mentaux ou des autodidactes en dehors des circuits culturels. C'est Dubuffet lui-même qui a reconnu André Robillard comme un artiste d'art brut, lorsque le psychiatre Paul Renard lui a présenté un fusil de son patient, confectionné, en mars 1964, à partir d'objets de récupération. André Robillard était alors ouvrier à l'hôpital psychiatrique de Fleury-les-Aubrais, dans la banlieue d'Orléans, où il avait été soigné. Pour André Robillard, l'art a "tué la misère", selon sa propre expression, puisqu'il lui a permis de surmonter son mal-être et de devenir un homme heureux de créer dans l'enceinte du centre hospitalier qu'il n'a jamais quitté. Ses fusils ont aujourd'hui fait le tour du monde et son activité artistique s'est diversifiée (dessin, musique, théâtre). | |
Retiré au village de Rothéneuf (Saibnt-Malo) après avoir été prêtre dans plusieurs paroisses, l'abbé Fouré va développer une étonnante oeuvre sculptée. Travaillant aussi bien le bois que la pierre, il installe ses sculptures dans le jardin de son ermitage et investit plusieurs sites, dont celui dit "les Rochers sculptés", une pointe qui donne directement sur la mer, où il réalise un important ensemble de personnages. Joëlle Jouneau retrace le parcours de cet homme qui, oeuvrant pour les pauvres, est aujourd'hui considéré comme un artiste majeur de l'art brut, au même titre que le facteur Cheval.. | |
Rien n'exprime mieux la perfection moderniste que le design des Eames. Bien qu'il soit essentiellement connu pour son mobilier, ce célèbre duo mari et femme, composé de Charles et Ray Eames (respectivement 1907 - 78 et 1912 - 88), fut également précurseur en matière d'architecture, de dessin industriel, de photographie ou encore de cinéma. Cet ouvrage couvre tous les aspects de leur carrière prestigieuse, de leurs premières expériences de mobilier et de leurs modèles en contreplaqué moulé à leurs " Case Study Houses ", en passant par leurs créations pour Herman Miller ou leurs films, comme le court - métrage Powers of Ten qui inspira bien des artistes. | |
Affichiste, illustrateur de livres pour la jeunesse, Alain Gauthier appartient à cette grande famille d'artistes qui firent, de Toulouse-Lautrec à Mucha, Cappiello, Auriac, Colin, Savignac, Chéret, Villemot ou Loupot, chanter les murs de nos villes en nous présentant des œuvres d'art destinées à vanter des produits de consommation courante. Alain Gauthier, naïf, voire enfantin à la façon d'un Jacques Prévert, a marqué de sa fraîcheur et de sa joie de vivre la période des Trente glorieuses. Que l'on se souvienne de la grâce insouciante des élégantes chaussées par Bally. Michel Loude l'a rencontré quand il rédigeait la biographie de Marcel Teppaz, l'inventeur lyonnais de l'électrophone portatif dont la campagne commerciale avait été confiée à l'affichiste. Une amitié est née de cette rencontre et a favorisé l'écriture de ce livre, abondamment illustré d'affiches, illustrations et oeuvres personnelles d'Alain Gauthier. | |
Florence, années 1860. Un groupe de jeunes peintres révoltés, en lutte contre l'académisme, se réunit au Cafre Michelangiolo, théâtre de vibrants débats politiques, artistiques et philosophiques. Les macchiaioli, littéralement les " tachistes " - désignation employée péjorativement dans la presse en 1862, puis finalement adoptée par les artistes eux-mêmes -, proposent une conception originale de l'espace panoramique, travaillant sur des formats parfois hors norme qui " frisent la miniature ". Par la présence de touches apparentes traitées comme des taches et l'importance accordée à la lumière, ils opèrent une véritable révolution esthétique. Scènes de la vie paysanne, paysages toscans, scènes de genre sont autant de sujets privilégiés par ces peintres qui, combattants pour l'Unité italienne, ont aussi traduit sur leurs toiles leur vision du Risorgimento. Cet ouvrage se propose de retracer le parcours de ces artistes méconnus du public français, et aujourd'hui considérés comme les initiateurs de la peinture moderne italienne. | |
Portrait d’une époque particulièrement féconde de l’art américain, portrait d’un combat et d’un renouveau incessants, portrait d’un artiste hors pair aux idéaux exceptionnels, L’Art de Charles Pollock de Terence Maloon est aussi une méditation – d’une élégance et d’une érudition peu communes – sur la fonction et le destin de l’art pictural dans une société chaque jour davantage hébétée par les vulgaires démesures du mercantilisme. Cette émouvante monographie, la première en son genre par la rigueur de son approche, par l’attention qu’elle déploie dans l’exploration des enjeux presque tragiques de la création artistique, par l’abondance de son iconographie, permet de plonger jusqu’au plus profond de l’exigence picturale telle que sut en témoigner sans relâche un peintre d’exception, soucieux (comme le démontre la très complète chronologie, puisant dans la correspondance nourrie et les notes personnelles de Charles Pollock, qui clôt le volume) de ne jamais déroger aux implacables nécessités de la "douce raison". | |
Ce texte prestigieux, écrit de la main de louis XIV lui - même, nous invite à suivre l'itinéraire préféré du roi - soleil à travers les parterres et les bosquets du plus beau jardin du monde. | |
Matta ne voulait pas "être", son utopie consistait à vouloir supprimer tout ce qui pouvait entraver son mouvement, son devenir permanent, et à sa manière il tâchait de s'inventer une vie où cela fût possible. Il voulait détruire tout ce qui était stable, tout mettre sens dessus dessous, faire en sorte que tout soit autrement, pulvériser les conventions, les préjugés, les idées préconçues, il voulait secouer tout ce qui lui semblait figé. Naturellement, il n'y est pas parvenu aussi bien qu'il le souhaitait, car, comme tous les hommes, il était lui-même et ses circonstances. Or une partie très importante de celles-ci reposait sur son lien avec ce coin du monde. Ainsi, le lecteur de ces conversations pourra vivre au moins deux expériences : être témoin quasi direct de l'existence d'un artiste en acte, de l'exercice spontané de son génie créatif et vérifier comment cette créativité est liée à quelque chose de profond qui plonge ses racines dans notre terre ingrate. | |
Jeune artiste en mal de reconnaissance, Bourdelle traverse, dans les années 1880, une période noire au cours de laquelle drames et déceptions privées, ambitions de carrière artistique et littéraire, nourrissent une production graphique mélancolique et spectaculaire jalonnée de visions cauchemardesques et de poèmes aux accents baudelairiens. Cet ouvrage sera l'occasion de découvrir une époque de recherche de style, entre symbolisme, naturalisme et expressionisme. | |
Qui êtes-vous vraiment monsieur Riquet ? un bâtisseur ? un meneur d'hommes ? un manipulateur ? un financier de haut vol ? un courtisan ? un homme de bon sens, pragmatique, rusé, opportuniste ? un surhomme ? un père soucieux de ses enfants et de leur avenir, proche de sa famille, de ses amis ? un homme à l'écoute de Dieu ? A toutes ces questions et à bien d'autres, Mireille Oblin-Brière apporte des réponses à partir des milliers de pièces qu'elle a consultées aux Archives du canal du Midi et aux Archives départementales de la Haute-Garonne. Son étude très documentée s'appuie sur une recherche fouillée. Cette biographie inédite met en lumière une personnalité peu connue du grand public, et est illustrée de plans, cartes et portraits. | |
Depuis 2009, le musée des Beaux-Arts Hyacinthe Rigaud initie une ambitieuse politique d’expositions temporaires. Outils de décryptage de la Catalogne du Nord…, elles sont également les vecteurs indispensables de la mise en valeur des collections. Après « Rigau(d) íntim(e) » (été 2009) et « La Belle Époque de(l)s Bardou » (été 2011), l’exposition 2013 invite au voyage : "Paris · Perpignan · Barcelone. l’Appel de la modernité | París · Perpinyà · Barcelona. La Crida de la modernitat (1889-1925)". Plus d’une centaine d’oeuvres, occupant l’intégralité des salles du musée, l’exposition retrace la naissance de la modernité sur ce territoire. Cette exposition a pour ambition de redonner sa juste place à la Catalogne du Nord : une tête de pont de la modernité. | |
Depuis 1973 le musée de Brest n'avait pas édité un catalogue sur son fonds, d'autant plus que celui-ci est quasi inédit. De nombreuses oeuvres y sont présentées sur ce catalogue élégant et complet. Les peintres de Pont-Aven du musée de Brest du 29 mai 2013 au 5 janvier 2014 Le musée de Brest conserve un ensemble inédit de peintures, dessins, estampes ainsi qu’une sculpture, de peintres de l’École de Pont-Aven et des Nabis. Cette exposition, alimentée par des œuvres sorties des réserves, montre la place qu’elles tiennent dans les approches nouvelles de l’histoire de l’art. L’ensemble s’attache ainsi à montrer l’évolution des artistes concernés par l’influence de Paul Gauguin et d’Émile Bernard, par les théorisations de Maurice Denis et de Paul Sérusier. Il rend aussi compte des récentes recherches plaçant Émile Bernard, dont le musée conserve 12 œuvres, au centre de la naissance de l’esthétique de Pont-Aven, jusqu’alors attribuée exclusivement à Gauguin. Il affiche ce que les formes synthétiques cernées d’un contour, les aplats de couleurs pures, les cadrages atypiques de leurs œuvres doivent à Paul Sérusier, à Émile Bernard, à Georges Lacombe, dont le musée conserve une sculpture monumentale étonnante, à Armand Seguin, à Charles Filiger, sans oublier le méconnu Henri-Gabriel Ibels dit le « Nabi journaliste » et Maxime Maufra, qui occupent une place de choix dans l’exposition. Le parcours se prolonge par un cabinet de dessins avec des pastels de Claude-Émile Schuffenecker, des études d’Henry Moret, une gouache de Jan Verkade et un portrait de Charles Filiger. | |
Ce très bel ouvrage est consacré aux arts des Philippines pré-coloniales. Il est publié à l'occasion d'une exposition qui ouvrira ses portes au musée du quai Branly au mois d'avril 2013, première grande manifestation en France dédiée au sujet au cours des vingt dernières années. Si des contributions de spécialistes internationaux s'attachent à révéler la richesse des échanges matériels et immatériels qui traversent l'archipel depuis l'histoire de leur peuplement par les Austronésiens, le catalogue est illustré d'un matériel iconographique de tout premier ordre : oeuvres historiques sélectionnées dans les collections publiques philippines, américaines, européennes, ainsi que dans les collections privées : objets archéologiques, bijoux en or, parures, objets rituels, armes, textiles... | |
Née en même temps que leur histoire d'amour en 1976, la collaboration artistique de Pierre et Gilles n'a cessé depuis plus de trente ans de mettre en commun leurs émotions et leur créativité au service d'une oeuvre unique. Reflets intimes de leur univers quotidien, leurs créations se déploient, tel un vaste album de famille, mettant en scène leurs amis anonymes ou célèbres. Elles sont conçues sous la forme de photographies peintes, à travers un processus créatif précis. À partir d'un dessin de leur projet commun, ils créent eux-mêmes le décor de leur mise en scène, usant d'artifices divers et d'accessoires rapportés d'un peu partout. Pierre photographie ensuite la scène. Puis Gilles retouche un tirage unique par couches successives de peinture. L'oeuvre n'est achevée qu'une fois le cadre trouvé, celui-ci étant aussi conçu par les artistes. Pierre et Gilles, couple et duo d'artistes, ont d'abord mis leurs talents conjugués de photographe et de peintre au service de la presse avant d'investir les musées et galeries du monde entier. | |
Sculpture, dessin, gravure, céramique : l'oeuvre de Roger Plin est multiple. Cette première monographie qui lui est consacrée expose ses thèmes de prédilection (les nus, les paysages, les compositions) et dresse le portrait d'un artiste profondément humaniste et complet, doublé de celui d'un enseignant attentif et exigeant. | |
Charpentes traditionnelles en bois. Rôles principaux Solutions de structure porteuse de la couverture Dimensions courantes des bois de charpentes Fermes à entrait retroussé ou relevé : utilisation et mise en oeuvre. Eléments constitutifs. Vue en perspective avec la terminologie Charpente en combles habitables et isolation Pignons : réservations, rampants, souches Réalisations diverses sur chantiers en construction Fiches techniques : choix d'une panne de la charpente. Effets de la neige sur les toitures. Caissons chevronnés et mise en oeuvre Détails : faîtages, rives d'égout, conduit de fumée Recommandations et règles professionnelles Technique d'assemblage des pannes sur les arbalétriers Fiche technique : sabots de pannes, étriers Composants de charpente et dispositions constructives Conception de la charpente Recherche du type de charpente pour un projet Exemples : charpentes traditionnelles Charpentes avec fermettes Définition d'une fermette Constitution de la charpente Types de fermes ou de fermettes Fonctionnement d'une ferme ou d'une fermette Dispositifs stabilisateurs : dispositif antiflambement. | |
Christelle Riebel, biologiste de formation, passionnée par les plantes et le travail du papier, réunit ici ses deux passions. En utilisant des techniques toutes simples, des matières premières à la portée de tous et du papier de récupération de toutes sortes (papier kraft, papier coloré, emballages divers, carton, boîtes d'oeufs...), elle vous propose 40 modèles de fruits et légumes. Que ce soit pour la décoration ou pour réaliser une dînette c'est une activité amusante réunira petits et grands. | |
Au-delà des éléments techniques de la prise de vue, la photographie créative a pour intention ultime de transmettre, de raconter, de dénoncer parfois. Contexte et narration se penche sur les procédés et techniques qui permettent de faire d'un simple cliché le jalon d'un discours visuel. A travers de multiples exemples de réalisations classiques ou modernes, l'ouvrage invite les étudiants et tous les amateurs de photographie à découvrir la valeur que peut prendre une image, ou une série d'images, lorsqu'elle sait jouer de son contexte et mettre en scène un récit éloquent. Des études de cas et des exercices ponctuent ce parcours créatif. Les essentiels photographie créative : Cette collection aborde le champ de la photographie créative à travers une série de guides thématiques. Elle explore les différents stades du processus de conception et constitue une référence inestimable pour les étudiants en photographie, mais aussi pour tous ceux qui s'intéressent au milieu prolifique de la création. | |
Le monochrome blanc trouve son origine dans le travail de Lucio Fontana avant de devenir un thème de recherche du groupe AZIMUTH et de la scène culturelle milanaise, puis des artistes de l’ARTE POVERA. Cette expérience originale s’est affirmée comme un langage fondamental dans l’histoire de l’art du XXe siècle. Les artistes vont travailler différents matériaux : toile, marbre, sel, kaolin, cotton, néon, glace, avec le blanc comme référentiel commun. A travers une soixantaine d’œuvres,la nouvelle exposition "Bianco Italia" de Tornabuoni Art, démontre combien l’expérimentation de cette "non couleur", née en Italie à la fin des années 50, a conditionné le travail de toute une génération d’artistes de l’avant-garde italienne, actifs dans le monde entier. | |
Parmi les grandes mutations de la fin du XIXe siècle, l'essor des villégiatures balnéaires et des loisirs de plein air trouve son écho dans l'apparition d'un nouveau langage pictural : l'impressionnisme. En même temps que les estivants partent à la conquête des plages et des rivières, l'atelier du peintre quitte la ville et se transpose au coeur de la nature. Les côtes normandes vont prendre une part essentielle dans cette évolution. Les vacanciers, nouvelles figures de la modernité, deviennent pour Monet ou Renoir emblématiques de cet art de vivre inédit. La Normandie s'affirme, avec la Provence, comme un nouvel " atelier " pour les artistes captivés par la lumière. Les traditionnelles marines laissent place aux élégantes scènes de plage piquetées d'ombrelles légères, aux horizons peuplés de voiliers blancs. Baigneurs et baigneuses s'inscrivent dans le paysage pour former un sujet à part entière, qui va métamorphoser le nu académique. | |
Rien ne prédestinait les Hays à devenir des collectionneurs. Issus de familles modestes, éduqués loin des musées et autodidactes en histoire de l'art, ils commencent par acheter des tableaux au début des années 1970 pour décorer leur maison de Nashville. A l'instar de nombre de leurs compatriotes, ils s'intéressent dans un premier temps à l'art américain. Puis vient la passion, cet aiguillon qui bouleverse leur vie. Au début des années 1980, ils se lient avec des historiens de l'art, des conservateurs de musées et des galeristes. Ces rencontres bouleversent leurs habitudes de collectionneurs. Ils orientent alors leurs choix vers les Nabis, une peinture pleine de mystère et de rêve. Pour faire partager leur passion de l'art et de la culture française, les Hays ont accepté d'ouvrir leurs portes à New York comme à Nashville, nous laissant découvrir des chefs-d'oeuvre de Vuillard, Bonnard, Redon, Maillol, Maurice Denis, Caillebotte, présentés parfois pour la première fois en France. | |
Durant un siècle, entre 1150 et 1250, les régions de la France du Nord, de la Flandre à la Champagne, et les pays mosans connaissent une intense activité intellectuelle et artistique, sans précédent depuis les renaissances carolingienne et ottonienne. Cette effervescence entraîne un développement fécond des arts figurés et l'émergence d'un style nouveau. La circulation des modèles et des artistes, la collaboration des ateliers, les grands chantiers de construction favorisent entre les régions septentrionales du royaume de France et les marches occidentales de l'Empire germanique des échanges intenses et des transferts artistiques à l'origine de cet essor. Dans ces territoires, les lignes stylisées de l'art roman laissent peu à peu la place, à partir du milieu du XIIe siècle, à un goût pour les formes assouplies, privilégiant un certain naturalisme, dans un subtil mélange de réminiscences antiques, d'inspiration byzantine, et d'observation du réel. Quelque cent soixante pièces, orfèvrerie, émaillerie, sceaux, statuettes, mais aussi enluminures et vitraux, sont présentées dans ce catalogue, en un ensemble inédit. | |
A la cour de Versailles, cruauté et pouvoir absolu se conjuguent avec l'éclat d'une vie de plaisirs dispendieuse. À travers les témoignages de nobles étrangers de passage, les mémoires du temps, le théâtre, les aphorismes ou les pamphlets littéraires, ce recueil dépeint la brillante vie de cour de Louis XIV marquée par les fêtes et les divertissements, mais aussi par les intrigues, les disgrâces ou les jeux d'alliance. | |
Cet ouvrage offre un panorama des plus belles voitures des années 1910 à nos jours. Richement documenté et très pratique grâce à son classement par marque et par ordre alphabétique, il vous offre une mine d'informations et d'anecdotes sur les modèles de luxe qui ont marqué l'histoire de l'automobile. De la magnifique Rolls Royce New Phantom à la Cadillac Fletwood 75, sans oublier les Bugatti et les Lincoln, vous redécouvrirez des modèles qui font rêver aujourd'hui plus d'un collectionneur. Les cotes de chaque voiture sur le marché de la collection y sont indiquées , à vous de découvrir s'il est encore possible de faire des affaires |
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