Depuis plus de quarante ans (l'ouvrage paru en 1963 a été traduit en français qu'en 1974), Interaction of Colors a eu de très nombreux lecteurs, dont il a indéniablement modifié la vie, partout dans le monde. Il a amélioré la manière dont les couleurs sont utilisées et perçues dans l'art, l'architecture, le textile, l'architecture intérieure et les supports graphiques. Longtemps pourtant Albers, avec ses amis, a suscité la polémique, au Bauhaus, au Black Mountain College. Plus tard, en 1950, lorsqu'il commença son Homages to the Square, on se moqua de lui. Vingt ans après, quand il fut le premier artiste vivant auquel fut consacrée une exposition individuelle au Metropolitan Museum of Art, le travail que des critiques comme Clement Greenberg, avaient éreinté fut finalement reconnu en raison de son ingénuité, de son intégrité et de sa beauté globale. L'approche d'Albers était novatrice en ce sens qu'elle mettait en avant l'expérimentation. | |
À la manière de Vasarely, Agam ou Tinguely, Soto a exploré la question de l'implication du spectateur dans l'oeuvre, avec des réalisations qui modifient l'espace et la perception du visionneur. Une sélection d’oeuvres spectaculaires reçues récemment en dation par le Musée national d’art moderne est présentée pour la première fois au Centre Pompidou. Le catalogue accompagne l’exposition et se compose de 2 essais de Jean- Paul Ameline et Ariel Jiménez, d’une chronologie illustrée par Nathalie Ernoult, de notices des oeuvres de la collection du MNAM, d’une chronologie et d’une bibliographie. | |
Catalogue publié à l'occasion de l'exposition "Cadavre Exquis, Suite Méditerranéenne" qui s'est déroulé au musée Granet du 13 janvier au 13 avril 2013, dans le cadre de la saison Marseille-Provence 2013. En français et en anglais, il présente l'exposition et propose un glossaire dont les notules ont été confiées à une quarantaine d’auteurs : philosophes, historiens, psychanalystes, juristes, poètes, écrivains, artistes du pourtour de la Méditerranée. | |
Livre d'artiste. Une série de dessins sur papier, sur aluminium, ainsi que des dessins muraux de l'artiste suisse berlinois d'adoption, qui traite des spoliations d'oeuvres en France sous l'occupation. Le collectionneur est celui qui regroupe ce qui est dispersé, il crée ainsi son ordre dans l'univers qui l'entoure et assoit son pouvoir dans le contrôle et la réunion des objets qui lui appartiennent. Marc Bauer se focalise avec ce projet sur une période sombre de l'Histoire, la France sous l'occupation, et en particulier sur la spoliation des biens juifs par les nazis. Il reconstitue ces atmosphères d'appartements bourgeois parisiens quittés précipitamment, et les met en perspective avec d'autres collections. Dans un format qui rappelle autant les carnets d'artistes que le manuel de vocabulaire allemand Wir Sprechen Deutsch des années 1970, les dessins de Marc Bauer dégagent une atmosphère étrange à laquelle l'utilisation du crayon noir ne fait qu'ajouter une sensation inquiétante. | |
Cette quatrième édition entièrement mise à jour de la "bible" du reflex numérique tient compte des progrès technologiques les plus récents : nouveaux boîtiers, objectifs et accessoires, mais aussi nouvelles fonctions du reflex numérique telles que le stabilisateur d'image, la visée directe sur écran ou la vidéo. Elle intègre notamment la montée en puissance des appareils hybrides et s'enrichit d'un chapitre inédit sur les techniques de fusionnement d'expositions multiples (HDR, focus stacking, compositage). Photographes amateurs, experts ou professionnels et étudiants en photo trouveront ainsi dans ce livre indispensable toutes les informations concrètes et théoriques sur la pratique de leur art, de l'entretien du matériel au laboratoire numérique, en passant par l'exposition, l'optique, la mise au point ou la gestion des couleurs. | |
De Baudelaire à Zola, en passant par d'autres écrivains contemporains d'Eugène Boudin, ce livre réunit un florilège de textes critiques, poétiques et littéraires consacrés à l'oeuvre de celui que Corot surnomma " le roi des ciels ", et dont Monet disait : " Je dois tout à Boudin ". A l'occasion de l'exposition rétrospective Eugène Boudin aufil de ses voyages, à Paris, qui montre à travers peintures, pastels et aquarelles toute la palette de celui qui se voua entièrement à l'étude inlassable des ciels et des rivages, des bateaux et des ondes, et qui chercha en Belgique, en Hollande, sur les côtes normandes, flamandes ou picardes, à Bordeaux, dans le Midi et à Venise, l'infinie variation de la beauté atmosphérique. Des notes de voyage, prises par Boudin lui-même lors d'un voyage en Bretagne, donnent à voir comment l'artiste se confronte au paysage et aux hommes qui l'animent. Né à Honfleur, mort à Deauville, Eugène Boudin (1824-1898) célèbre pour ses représentations des élégances du Second Empire sur les plages normandes, fut surtout ce peintre de la mer et du ciel dont la lumière et la couleur annonçaient un pionnier de l'Impressionnisme. | |
Cette publication, accompagnant l'exposition permanente du château de Prangins, propose au lecteur de découvrir l'atmosphère d'un temps passé. Construit au début du siècle des Lumières, le château de Prangins a connu une riche histoire au cours de laquelle il a notamment servi de résidence à Voltaire et à Joseph Bonaparte. La période plus connue coïncide avec la présence du baron Louis-François Guiguer. C'est sur la base de son journal, dans lequel le baron relate ses activités et ses préoccupations de noble éclairé et de père de famille, complété par un inventaire de biens établi à son décès, que le décor des salles de réception du château a été restitué : salle à manger, grand salon, bibliothèque et vestibule de marbre retrouvent ainsi leur ancienne apparence. La couleur d'origine des boiseries, les tentures murales et le mobilier d'époque contribuent à redonner à ces salles leur faste d'autrefois. | |
Le nom et l'oeuvre du Douarneniste Louis Le Breton (1818-1866) sont associées à celui des estampes maritimes, dont la précision et la finesse ont été reconnues de son vivant. Marin et chirurgien, puis dessinateur, peintre, journaliste et lithographe, il a surtout été un formidable pourvoyeur d'images, soucieux de proposer à un public toujours plus large les vues d'un monde aux frontières mouvantes. Cette vocation est née lors de son premier voyage autour du monde, qu'il effectue à bord de l'Astrolabe, entre 1837 et 1840, sous le commandement du célèbre Jules Dumont d'Urville. De ce périple vers les mers australes et l'Antarctique, le jeune chirurgien a rapporté un étonnant carnet de croquis, ici présenté pour la première fois. Conservé par les bibliothèques municipales de Saint-Brieuc, ce document exceptionnel donne à voir les premières images des terres antarctiques françaises. | |
Né en 1970 à Tanger, Mounir Fatmi vit et travaille entre Paris et Tanger. Son travail a été présenté au sein de nombreuses expositions personnelles, au Migros Museum für Gegenarskunst, Zürich, au Musée Picasso, la guerre et la paix, Vallauris, au FRAC Alsace, Sélestat, au centre d’art contemporain le Parvis, à la Fondazione Collegio San Carlo, Modena. Il a participé à plusieurs expositions collectives au Centre Georges Pompidou, Paris, Brooklyn Museum, New York, Museum Kunst Palast, Düsseldorf, Mori Art Museum, Tokyo, Museum on the Seam, Jerusalem, Moscow Museum of modern art, Moscou, Mathaf, Arab Museum of Modern Art, Doha, ainsi qu’à la Hayward Gallery, Londres. | |
Georges Braque a peint plus de soixante tableaux ayant pour sujet des barques entre 1928 (date à laquelle il se fait construire un atelier en Normandie et reprend la peinture de paysage abandonnée dix-sept ans plus tôt) et 1960, trois ans avant sa mort. Ce thème va initier une nouvelle série dans son oeuvre, une série "à part", tant par sa diversité et sa richesse que par son rythme et sa durée. Braque représente ses barques hors de toute présence< humaine, le plus souvent échouées au pied des falaises crayeuses de la Côte d'Albâtre, devant des mers sombres et sous des ciels d'orage. | |
Apprenez à identifier 30 styles de mobilier différents, du Moyen Age aux années 1970. Chaque meuble est illustré de façon précise et les points clés de chaque style sont mis en valeur afin de vous permettre de le reconnaître en un coup d'oeil ! | |
"Croyez-vous aux fantômes ? - Non, mais j'en ai peur". Ainsi répondait Madame Du Deffand à son ami Horace Walpole, auteur du premier roman noir, Le Château d'Otrante. Ce mot d'esprit si "libertin", où l'incroyance se mêle à la superstition, l'effroi au plaisir, la distance ironique à la libération des sens, peut être le sésame permettant de saisir toute la complexité du romantisme noir. Loin de se résumer en un simple mouvement de réaction irrationnelle aux Lumières, il se révèle en être l'enfant terrible, poussant à l'extrême une liberté nouvellement acquise, bousculant les conventions du XVIIIe siècle. Qu'il agisse sur le mode de la cruauté grotesque, du sublime terrifiant ou de "l'inquiétante étrangeté", le romantisme noir est avant tout un mouvement qui aime semer le doute, donne corps à l'impensable, exige la perte de contrôle de la raison et la prise de pouvoir par l'imaginaire. A travers les oeuvres de Goya, Friedrich, Füssli, Delacroix, Hugo, Redon, Stuck, Munch, Klee, Ernst, Dali..., on mesure mieux la fécondité de ce mouvement dans l'art occidental et son ombre portée sur tout le XIXe siècle, jusqu'au surréalisme et au cinéma du XXe siècle. | |
Depuis les premières marines peintes avec une vigueur et une liberté impressionnistes jusqu'aux amples architectures portuaires aux couleurs quasi fluorescentes d'après-guerre, la description de l'eau et du ciel offrirent à Paul Signac (1863-1935) un inépuisable prétexte à multiplier les variations chromatiques. Comme Monet, Signac a en effet trouvé une source d'inspiration constante dans l'évocation de l'eau et de ses couleurs. La réflexion de la lumière à la surface du fleuve et de la mer y fragmente le réel, et l'artiste, ardent défenseur de la couleur pure, trouva dans ce motif une illustration naturelle de la théorie néo-impressionniste de la division des tons. Épris de plein air, Signac fut aussi un marin averti. Il sut conférer au genre de la marine une rigoureuse modernité formelle sans renoncer à sa force d'évocation. | |
San Francisco's Fine Arts Museums are home to an astonishing collection of graphic arts, including a vibrant holding of essential masterworks by Rembrandt--arguably his generation's most influential artist. This stunning book places Rembrandt's achievements in context, setting the stage primarily with prints and drawings from the turn of the 17th century and tracing the impact he had on his many followers. In a series of thematic sections, author James A. Ganz explores the rich print culture of the era, focusing on representations of artists and their world, portraiture, natural history, scenes of daily life, landscape, and subjects drawn from mythology and religion. This visually compelling survey balances the contributions of painter-printmakers like Rembrandt, Ostade. | |
Jockum Nordström (*1963 in Stockholm) is one of the most renowned Swedish artists of his generation. He is inspired by music, poetry, and architecture–particularly the Stockholm suburb he grew up in and which both his drawings and his sculptures are referring to. Other important influences are Swedish academic and pop culture, as well as American folk art, Art Brut or Surrealist collages. LaM in Lille presents the first museum show of Jockum Nordström in France. The exhibition includes close to eighty works, and traces a comprehensive panorama of the artist’s work, from his pencil drawings realized between 1995 and 2010 up to his most recent collages, as well as the sculptures and photographic collages he did since 2006. | |
L'image d'une pomme désigne le fruit mais peut aussi, dans certains cas, évoquer une alimentation saine ou symboliser la beauté, car les signes ont le pouvoir de signifier tout autre chose que ce qu'ils semblent montrer. Leur signification dépend des éléments qui servent à les mettre en forme ainsi que du contexte dans lequel ils sont perçus. Alphabet morse, panneaux de signalisation, publicités, héraldique, musique, peinture, photographie, poésie, cinéma, design et architecture, gestes et expressions du visage, symptômes, vêtements ou rituels : les signes sont d'une extraordinaire diversité et ne cessent d'enrichir le champ des significations qui nous entourent. | |
The colour and shade of dyed textiles were once as much an indicator of social class or position as the fabric itself and for centuries the recipes used by dyers were closely guarded secrets. The arrival of synthetic dyestuffs in the middle of the nineteenth century opened up a whole rainbow of options and within 50 years modern dyes had completely overturned the dyeing industry. From pre-history to the current day, the story of dyed textiles in Western Europe brings together the worlds of politics, money, the church, law, taxation, international trade and exploration, fashion, serendipity and science. | |
A l'image d'un professeur qui serait à votre disposition 24 heures sur 24, cet ouvrage vous donnera toutes les informations nécessaires pour vous lancer dans la pratique du dessin et de l'esquisse et enrichir votre expérience jour après jour. Utilisez cet ouvrage détaillé pour explorer le monde ` du dessin et ses multiples facettes. Les différentes techniques illustrées étape par étape, présentées par ordre de difficulté croissante, des solutions rapides aux problèmes les plus fréquents et de multiples conseils. | |
Depuis sa petite maison natale, ne contenant ni tableau ni sculpture, rien ne prédisposait le jeune Napoléon Bonaparte à devenir le réformateur des Arts de la France du xixe siècle, à faire du Louvre le plus grand musée du monde, à créer les musées des Beaux-Arts de province et enfin, à promouvoir un « style Empire » pour sa propre gloire. C’est lors de la première campagne d’Italie (1796-1797) que le général Bonaparte s’ouvre véritablement aux arts. Il perpétue la tradition, initiée durant la Convention, des confiscations d’oeuvres dans les zones conquises afin d’enrichir les collections françaises. […] Les collections d’oeuvres du Second Empire conservées au palais Fesch et au musée du Salon napoléonien de l’hôtel de ville ont pour origine le dépôt d’un portrait de Napoléon III d’après Winterhalter en 1861. | |
Quiconque voit dans une église (un musée, un livre, une image) un ange avec un jeune garçon un poisson à la main et un chien à ses côtés, peut dire qu’il est en présence de l’histoire de Tobie répandue à travers le monde dès les débuts de la chrétienté jusqu’à nos jours : Tobie est dans les catacombes, les églises et les cathédrales, les châteaux, les musées, les Bibles manuscrites et imprimées, les peintures, gravures et dessins, les sculptures, les tapisseries, les images religieuses envoyées au-delà des océans chez le Grand Moghol, chez les Indiens d’Amérique du Sud par les missionnaires jésuites et franciscains. Les quatorze tableaux de Pierre Parrocel qui ont orné à Saint-Germain-en-Laye, la galerie d’Adrien, duc de Noailles, sont comme l’Arlésienne : tout le monde en parle, mais personne ne les a vus et pourtant, dans toutes les biographies de Pierre Parrocel et récemment dans le carnet d’étude consacré à la dynastie de cette famille de peintres par l’Ecole des Beaux-Arts, on peut lire que ce fut une de ses oeuvres les plus prestigieuses. | |
L’autre tour de force de Jean-Paul Monery, ce conservateur dissident, découvreur et transgresseur, est d’avoir entièrement monté sa rétrospective en puisant dans le fonds de collectionneurs privés ou en faisant appel aux galeries d’art de la région, pratique toujours impie et inavouable alors qu’elle constitue la règle admise en matière d’art contemporain. Contrairement aux usages établis, aucun musée n’a été sollicité pour prêter ses trésors. C’est en quoi cette exposition réclame notre attention et suscite notre intérêt : nous n’y trouverons que des œuvres inédites, ces toiles élues par des amateurs éclairés, dont la plupart, grâce à des donations, achèvent leur trajectoire sur les cimaises de nos musées. | |
Igor Moukhin est un des plus grands représentants russes du photoreportage. Il n’avait pas encore publié en France de monographie retraçant son parcours photographique. Aussi, cet ouvrage reprend en une soixantaine d’images reproduites en doubles pages, la traversée du photographe dans les grandes mutations de la Russie. Né dans les années 1960, il a vécu les bouleversements importants de ce pays : de l’ère Kroutchev et la fin du régime soviétique à la Perestroïka et la mise en place de nouveaux codes sociétaux. Une partie de son travail retrouve dans la société actuelle des signes et figures qui ont émaillé la période soviétique : statues, effigie, monuments d’une ère révolue croisent des scènes où le réel ne se donne jamais à voir mais se trouve souvent mis à distance, par la présence de matières ou d’objets qui font écran. Ses photographies en noir et blanc s’inscrivent entre une certaine tradition d’une école humaniste française et celle d’une école de la rue tout américaine. | |
Das Werk von Hilma af Klint (1862–1944) ist einer breiten Öffentlichkeit immer noch viel zu wenig bekannt: Bereits 1906 wandte sich die Künstlerin von der Gegenständlichkeit ab und schuf bis 1915 fast 200 abstrakte Gemälde, davon einige in großen Formaten. Wie Wassily Kandinsky, Piet Mondrian oder Kasimir Malewitsch, die man bisher als Pioniere der Abstraktion betrachtet hat, wurde auch sie von den zeitgenössischen spirituellen Bewegungen wie Spiritismus, Theosophie und später der Anthroposophie beeinflusst. Ihre vielgestaltige Bilderwelt versucht Einblicke in andere Dimensionen der Existenz zu geben, in denen sich Mikro- und Makrokosmos ineinander spiegeln. Hilma af Klint hinterließ mehr als 1000 Gemälde, Aquarelle und Skizzen. Die Publikation stellt Hilma af Klints bedeutendste abstrakte Werke sowie weitere Bilder und Papierarbeiten vor, die hier teilweise zum ersten Mal gezeigt werden. | |
Ce livre retrace l'aventure exceptionnelle d'une femme, architecte, pionnière de la modernité, proche de Le Corbusier, Fernand Léger et Juan Miro, qui au milieu du XXe siècle a su établir un trait d'union encore vivace, aujourd'hui entre l'Europe et le Japon. De Charlotte Perriand, Sôri Yanagi pensait : "De tous les occidentaux qui ont travaillé au Japon, c'est probablement elle qui a eu la plus grande influence sur le monde du design japonais." | |
Cet ouvrage au format maniable se veut un outil pour tout visiteur et lui permettra à la fois de préparer sa visite au musée, de l'accompagner dans les salles grâce à des notices brèves mais denses et claires, puis d'être rapporté comme un souvenir des découvertes effectuées. On y trouve des indications iconographiques (qui sont les personnages représentés et que font-ils ?), des repères stylistiques et chronologiques, ainsi que des pistes de comparaison avec d'autres chefs-d'œuvre du musée. | |
Paradoxalement, on voit beaucoup d'hommes dans le recueil Le Monde sans hommes d'Helmut Newton. Mais ils se contentent d'observer ou d'admirer les femmes au coeur de ces photos. Elles y occupent une place si essentielle qu on les entend presque revendiquer: «Nous n'avons pas besoin des hommes, ce sont eux qui ont besoin de nous». Cette sélection de clichés de mode pris entre le milieu des années 1960 et le début des années 1980 permet de saisir l'évolution du style photographique de Newton sur près de vingt ans. Les photos sont enrichies d entrées écrites dans l'esprit d'un journal intime, qui décrivent les circonstances de chaque prise et révèlent des anecdotes à leur sujet. Sur chaque page, la vision révolutionnaire de Newton saute aux yeux et rappelle à quel point il influence encore les pages des plus grands magazines de mode. | |
S'adressant aux professionnels qui souhaitent acquérir une approche raisonnée de leur pratique et aux étudiants se spécialisant dans le graphisme, Recherche visuelle fait la part belle aux méthodologies et aux théories qui gravitent autour de la communication visuelle. Depuis l'identification d'un problème de recherche jusqu'à la synthèse finale, toutes les étapes du processus graphique sont décrites et expliquées en détail. L'ouvrage mêle les explications théoriques aux études de cas concrètes et aux exercices. Ainsi, le lecteur peut se familiariser avec les notions conceptuelles et s'approprier les méthodologies de recherche nécessaires à la résolution d'un problème graphique. Clair et très complet, Recherche visuelle réussit un véritable tour de force : il transmet des notions complexes dans un langage simple, et conserve au fil de ses chapitres une exigence intellectuelle tout en restant accessible et pédagogique. | |
Apparus au cours des années 80, les joypads sont devenus l'interface de prédilection pour jouer à la console du fait de leur flexibilité et de leur confort manuel. Suivant les marques, les générations de produits et les types de jeux proposés, des centaines de modèles ont vu le jour. A l'heure de la rupture due aux interfaces gestuelles, ce livre retrace l'évolution des joypads dans le temps. En s'appuyant sur des documents historiques, des interviews de designers et sur l'exploration de la filiation entre manettes elles-mêmes, l'ouvrage décrit les principaux facteurs qui ont influencé leur conception. | |
The artist May Ray (1890–1976) initially taught himself photography in order to reproduce his own works of art, but it became one of his preferred mediums. As a contributor to the Dada and Surrealist movements in Paris during the 1920s, Man Ray was perfectly placed to make defining images of his avant-garde contemporaries, including Jean Cocteau, Peggy Guggenheim, and Gertrude Stein. Man Ray also photographed his friends and lovers, among them Kiki de Montparnasse (Alice Prin), Lee Miller, who helped him discover the solarization printing process, and Ady Fidelin. Man Ray continued to take portrait photographs throughout his career, including little-known images from 1940s Hollywood, and of stars such as Ava Gardner and Catherine Deneuve taken during the 1950s and 1960s. | |
Le Midas, une œuvre de jeunesse de Poussin (1594-1665) peinte à Rome vers 1626, compte sans nul doute parmi les chefs-d' œuvre du musée Fesch. Si l'on ignore à ce jour les conditions dans lesquelles le cardinal put entrer en possession du tableau, on en sait en revanche bien plus sur son sujet et ses propriétaires successifs. Il appartint d'abord à un marchand de tableaux génois, Giovanni Stefano Roccatagliata, puis à un noble escroc palermitain, Fabrizio Valguarnera. Celui-ci échangeait des diamants qu'il avait volés en Espagne contre des tableaux parmi lesquels notre Midas. Dénoncé, Valguarnera fit l'objet en 1631 d'un procès retentissant. Il devait, dès 1632, mourir en prison dans des conditions obscures. Tout ce qu'il toucherait se transformerait en or, tel est le vœu formulé par le roi Midas. Son souhait est exaucé mais, bientôt manquant mourir de faim et de soif, il exprime une seconde requête : être démis du pouvoir maléfique qui lui avait été accordé. | |
Fortifié et militaire, à l'image de la féodalité dont il est volontiers le reflet, le château est aussi une demeure de plaisance, une résidence aux champs, où la noblesse, quittant les villes parfois surpeuplées, trouvait un repos souhaité, des espaces propices aux jeux et aux amusements. Cette fonction domaniale, résidentielle, récréative, est confortée, à l'aube de la Renaissance, par une croyance émergente selon laquelle l'air de la campagne, investi de vertus prophylactiques, est meilleur que celui, vicié, de la ville. Vivre au château participe des modes d'être et de paraître dans le cadre d'espaces aménagés selon des critères variés : fonctionnalité, confort, mais aussi cérémonial, dans le cadre de bâtiments et de pièces d'époques et de natures souvent diverses. Tours maîtresses ou corps de logis des châteaux, manoirs ou simples maisons des champs, ces demeures aristocratiques rurales bénéficient, dans les dernières décennies du Moyen Age, d'une adaptation aux fonctions qui sont les leurs. | |
The Albertina museum in Vienna owns one of the world's most important collections of Dutch drawings from the period 1430-1650. Their unrivaled collection offers a scope and quality that makes it the one of the few museums in a position to present Dutch drawing in all of its thematic, technical and stylistic diversity. Bosch, Bruegel, Rubens, Rembrandt presents over 150 of the best of these works, and includes outstanding individual specimens from the circles around Jan van Eyck, Petrus Christus and Dirk Bouts. Works by Hieronymus Bosch and Pieter Bruegel the Elder form one of the first highlights of this astounding collection. The rest of the sixteenth century is represented by drawings from artists such as Jan Gossaert, Maarten van Heemskerck and Hendrick Goltzius. The focus of the collection, however, is Holland's "Golden Age," the seventeenth century, with important works by Rembrandt van Rijn and his school. The southern Netherlands, once dominated by the House of Hapsburg, is represented by the most famous Flemish masters of the age: Peter Paul Rubens, Anton van Dyck and Jacob Jordaens. Ranging from preparatory drawings for larger works of painting, stained glass, engravings or altars to "autonomous" works that stand alone, this catalogue offers a full spectrum of landscapes, seascapes, topographical views, portraits, rural genre scenes and still lifes. | |
La méthode, basée sur la copie de modèles, initie : aux traits de base fondamentaux pour chacune de ces langues ; aux 3 styles principaux chinois (kaishu, xingshu, coashu) ; aux systèmes d'écriture japonais (kanji et kana) les plus utilisés par les calligraphes. En plus de l'approche artistique de différents syllabaires, vous apprendrez toutes les subtilités liées au maniement du pinceau (position, respiration, concentration et relaxation) qui vous rendront zen le temps d'une page d'écriture... | |
Points de tapisserie et points fantaisie s'entremêlent pour les brodeuses enthousiastes dans ce livre dédié au point compté. Les 71 carreaux que Dominique Siegler-Lathrop et Jeannette Mougenot ont imaginés pour vous sont pleins de délicatesse et d'élégance : l'harmonie des couleurs et des formes vous invite à la création... Brodez et mariez ensemble les carreaux proposés : à vous d'adapter ces broderies à vos envies ! | |
En s’attachant à représenter dans ses oeuvres le Paris de son temps, Edouard Manet (1832-1883) a pu y saisir la scène urbaine au dix- neuvième siècle, accordant à la « vie moderne » une légitimité en tant que sujet artistique. Son regard détaché, franc, et son traitement subversif tant de la peinture elle-même que du sujet ont choqué ses contemporains et ont fait de lui le père de la peinture moderne. Ce remarquable ouvrage explore l’oeuvre de Manet en tant que portraitiste, aspect important mais souvent négligé de sa production, et couvre l’ensemble de la carrière du peintre. L’évolution stylistique de l’artiste y est envisagée de façon approfondie grâce aux contributions d’éminents spécialistes qui abordent l’influence des maîtres hollandais du dix-septième siècle, ou établissent des parallèles avec l’oeuvre de Renoir et des liens avec les débuts de la photographie. | |
Né en Inde en 1934, Raj Rewal est un des architectes les plus importants d'Asie du Sud-Est. Il a construit des bâtiments parmi les plus significatifs à la fois sur le plan architectural, typologique, technique et symbolique. Son travail est unanimement reconnu sur le plan international, en particulier pour la qualité de ses quartiers d'habitation et pour ses centres de recherche dans lesquels est mené un travail à la pointe de la science, mais aussi pour l'attention que cet architecte accorde aux questions climatiques et énergétiques, sans oublier les approfondissements techniques et structurels, complétés par une attention soutenue quant au choix des matériaux et à leur mise en oeuvre. | |
Rétrospective du travail avant-gardiste d'Alexander McQueen, et hommage à son monde merveilleux, cet ouvrage retrace l'ascension du designer londonien disparu en 2010, devenu l'un des plus grands couturiers au monde. Il donne vie au milieu artistique foisonnant dans lequel son talent s'est épanoui, à travers des témoignages des membres de son cercle, le modiste Philip Treacy, le créateur de bijoux Shaun Leane, la styliste Katy England, et offre une vue privilégiée sur sa vie marquée par des amitiés célèbres, notamment celles d'Isabella Blow, de Daphne Guinness ou encore de Kate Moss. |
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