A l'occasion de son 25e anniversaire et conformément à la vocation qui est la sienne de faire connaître et de soutenir la création contemporaine, l'Institut du monde arabe a fait le choix de présenter à son public une grande exposition d'arts plastiques spécialement conçue pour cette célébration et consacrée à "Vingt-cinq ans de créativité" dans le monde arabe. Cette exposition occupera différents espaces à l'intérieur de l'IMA, ainsi que le Mobile art. | |
Dès son apparition sur la scène artistique autour de 2000, l’œuvre d’Adel Abdessemed a été perçue comme une réponse à la situation du monde contemporain avec tous les mouvements convulsifs qui le traversent, utilisant le langage de l’art pour exprimer toute l’énergie et la violence qui les marquent de leur empreinte. Avec les avions tressés de Telle mère tel fils (2008), les carcasses de voitures moulées et cuites au four de Practice ZERO TOLERANCE (2006), les rangs de fil de fer barbelé, ponctués de doubles lames tranchantes et de pointes aiguisées de Wall drawing (2006), l’artiste utilise différents médiums pour capter la rumeur des aléas de l’histoire et les contradictions du monde, et les changer en images puissantes. | |
Une découverte complète et intimiste du sculpteur Fils de Franz Courtens, peintre termontois pleinairiste renommé, Alfred Courtens s'est formé auprès des sculpteurs Charles Van der Stappen et Thomas Vinçotte. C'est par les statues équestres de nos rois, les portraits de nos reines et les bustes de personnalités, empreints de force et de grandeur, qu'il s'est surtout illustré. Ce livre se veut une découverte complète et intimiste de l'artiste en partant de ses dessins et de ses oeuvres de jeunesse. | |
Catalogue de l'exposition organisée par le Grand Palais en 2012 qui rend hommage à ce photographe qui révolutionna la photographie de mode et l'image de la femme. | |
Catalogue de l'exposition monographique consacrée à Anri Sala, au Centre Pompidou, Paris (3 mai - 6 août 2012). Anri Sala crée des œuvres mêlant image, son et architecture. L’installation inédite imaginée par l’artiste est une œuvre en soi, comme une symphonie, constituée de quatre films récents - activés selon une séquence temporelle précise, formant une boucle d’une heure - ainsi que d’objets et de photographies. | |
Un voyage à travers quelques collections privées remarquables, avec pour fil d'Ariane les grandes traditions qui ont accompagné l'art de la marionnette à travers le monde - de l'Inde au Japon, de la Chine à l'Afrique - et à toutes les époques - depuis les ombres projetées des temps préhistoriques jusqu'aux spectacles contemporains. Ces figures produites par des humains témoignent de la force des mythes, de l'état d'une civilisation, d'une image de l'homme. Le livre raconte l'histoire et la sociologie de la marionnette, ce mode d'expression populaire plusieurs fois millénaire encore très vivant. L'ouvrage est illustré de photographies qui rendent compte de l'esthétique de ces étranges personnages, de la finesse de stylisation, du raffinement de leur facture. | |
Catalogue de l'exposition L'Art en guerre, France 1938-1947, de Picasso à Dubuffet, cet ouvrage montre comment, dans un contexte de pénurie et d'oppression, les artistes ont proposé des réponses nouvelles qui modifieront en profondeur le contenu et la forme de l'art jusqu'à aujourd'hui. L'exposition replace au premier plan les points aveugles de l'histoire en les rendant visibles au même titre que le reste qui dominait: les grands " indépendants "(Matisse, Picasso, Léger, Derain) en 1938-1 940, et restituera l'atelier des Grands Augustins de Picasso où sont créés nombre de chefs d'oeuvre peints (L'Aubade, Grand Nu, Femme à l'artichaut, etc.), ou sculptés (Tête de mort, L'Homme au mouton, etc.). La partie de l'après-guerre (1944-1947) présentera les grands mouvements modernes, les uns assurant la Reconstruction, les autres empruntant une ligne de fuite radicale (lettrisme, tachisme, art brut ou récupération de déchets ou d'objets rejetés par la guerre), faisant de l'oeuvre la seule réponse à l'histoire. | |
Au XIXe siècle, l'artiste devient une image ; il acquiert une dimension symbolique qui se décline sous la forme de différents avatars. Ces identités mouvantes conduisent à faire de l'artiste un type social nouveau. L'indétermination de la nature de l'artiste s'exprime dans la multiplicité des identifications qui servent à éclairer sa personnalité. Le mythe du Génie libre et souverain conduit à l'autonomie de l'art et à l'isolement social des artistes. L'artiste devient dès lors une énigme. Quelle est sa fonction, comment peut-on estimer ses productions, quel rang doit-il tenir dans la société ? Telles sont quelques-unes des questions qui s'imposent de façon de plus en plus insistante au XIXe siècle. Les modes de représentation des artistes se multiplient tout au long du siècle, afin de répondre à ces interrogations : l'artiste devient un héros littéraire, célébré dans une quantité presque indénombrable de romans, de nouvelles ou dans les livrets d'opéra ; il devient également le sujet d'un très grand nombre d'oeuvres d'art. | |
Dès le XVIIIe siècle, le champagne intrigue et fascine. Dans ses bulles se reflète un monde léger rempli de fêtes et d'excès. Autour de cet élixir sont réunis des artistes, écrivains, musiciens, cinéastes qui ont trouvé en lui une intarissable source d'inspiration, de poésie et d'extase. L'art sous toutes ses formes trouve dans son effervescence une énergie nouvelle et le champagne devient un ingrédient majeur à l'origine d'oeuvres d'art et d'architectures. Mais c'est aussi le savoir-faire de créateurs comme Lalique, Christofle ou Gallé qui sublime, de tout temps, cette boisson d'exception grâce au travail des matériaux les plus précieux. Porteur de mythes, le champagne est également le symbole d'un art de vivre à la française de renommée internationale. C'est ce célèbre breuvage que met à l'honneur cet ouvrage, à travers les oeuvres de Cézanne, Mucha, Picasso ou Lurçat. Révélant au fil du temps ses multiples facettes, le champagne et ses marques, emblèmes du luxe, deviennent symboles de la quête éperdue du bonheur. | |
Dès le XVIIIe siècle, le champagne intrigue et fascine. Dans ses bulles se reflète un monde léger rempli de fêtes et d'excès. Autour de cet élixir sont réunis des artistes, écrivains, musiciens, cinéastes qui ont trouvé en lui une intarissable source d'inspiration, de poésie et d'extase. L'art sous toutes ses formes trouve dans son effervescence une énergie nouvelle et le champagne devient un ingrédient majeur à l'origine d'oeuvres d'art et d'architectures. Mais c'est aussi le savoir-faire de créateurs comme Lalique, Christofle ou Gallé qui sublime, de tout temps, cette boisson d'exception grâce au travail des matériaux les plus précieux. Porteur de mythes, le champagne est également le symbole d'un art de vivre à la française de renommée internationale. C'est ce célèbre breuvage que met à l'honneur cet ouvrage, à travers les oeuvres de Cézanne, Mucha, Picasso ou Lurçat. Révélant au fil du temps ses multiples facettes, le champagne et ses marques, emblèmes du luxe, deviennent symboles de la quête éperdue du bonheur. | |
Cet ouvrage présente un florilège de lettres et d'alphabets qui sont, soit inspirés des recherches de l'auteur qui s'étendent du Xe au XVIe siècle, soit issus de sa propre imagination développée au fil de ses découvertes. Depuis la culture celtique jusqu'au XVIe siècle, les lettres de l'alphabet occidental ont été, pour moines et copistes, le prétexte à la création d'une multitude d'ornementations inspirées par la flore ou des bestiaires symboliques menaçants ou humoristiques. Empreints d'imagination ou de réalisme, les lettres et alphabets présentés dans cet ouvrage offrent au lecteur un univers de fantaisie qu'il aura plaisir à découvrir, adopter, voire dépasser. | |
Fondé en 1881, le cabaret du Chat Noir, premier des cabarets artistiques du Montmartre de la fin du XIXe siècle, devint vite le centre de l'avant-garde artistique et littéraire parisienne. Il fit éclater les frontières traditionnelles de l'art, annonçant des mouvements comme Dada et le surréalisme. Ce livre met en lumière la qualité du divertissement, la vivacité créative et l'énergie de ce lieu de contre-pouvoir où se croisent artistes montmartrois et public bourgeois. | |
Savez-vous jouer au backgammon, aux dames rabattues, au tourne case, à la chasse aux filles, aux échecs byzantins, au jeu du moulin, à la marelle de table, à l'alquerque, au bagha chal, à cerner le lièvre, à shut the box, au jeu du mariage, au palet anglais, au jeu des bâtonnets et aux jonchets ? Tous ces jeux et plusieurs autres se pratiquaient au Moyen Age ; leur histoire et leurs règles vous sont expliquées dans ce livre. Que vous soyez un mordu de cette époque ou une personne qui apprécie les jeux de table, vous y trouverez matière à vous amuser de longues heures. | |
Cette compilation du trésor iconographique occidental réunit l’essentiel du contenu des titres Symboles et Allégories et La Nature et ses symboles de la collection "Guides de arts". Les grands thèmes iconographiques y apparaissent sous les rubriques suivantes : le temps, l'homme, les allégories, l'espace, les plantes, les fleurs, les fruits, les animaux. | |
Et si les plantes étaient plus évoluées et mieux organisées que nous ? Comment communiquer alors avec le règne le plus mystérieux de la planète, si ce n'est par le langage des formes et des matières, le design ? L'architecte-designer Patrick Nadeau est l'instigateur d'un mouvement audacieux et visionnaire: le design végétal, qui entend créer des objets, meubles et habitats en osmose avec le vivant afin de recevoir de la "part verte du monde" les clés d'un environnement domestique poétique et sensible. A travers le portrait d'un créateur atypique et fécond, cet ouvrage retrace l'avènement de cette nouvelle discipline entraînant dans son élan écoles, étudiants, fabricants, éditeurs, spécialistes ou simples amateurs passionnés, et mettant en oeuvre de nouveaux outils technologiques et scientifiques liés à la botanique: cultures hors sol, physiologie, biotechnologies. Parallèlement à cette monographie largement illustrée, l'auteur, Thierry de Beaumont, revisite l'histoire de nos relations avec le monde végétal à l'échelle d'un intérieur, d'une ville, d'un site et nous conduit à reconsidérer les rapports intimes que nous entretenons avec les plantes, car, même dépourvues de cerveau et de langage, elles ont souvent le dernier mot, celui de la raison naturelle. | |
Les animaux ont toujours séduit les artistes. A partir de la Renaissance, cet intérêt s'accroît considérablement à la faveur des grandes explorations, qui introduisent en Europe des espèces "exotiques". Dans le sillage de Dürer, et sous l'impulsion des pionniers de la zoologie, artistes et savants éprouvent alors le besoin d'observer ces bêtes proches ou inconnues, et de traduire leur émerveillement. Ils prennent pour modèles les pensionnaires des premières ménageries, comme celle de Louis XIV à Versailles, ou bien des spécimens conservés dans les cabinets de curiosités. L'essor des zoos et des musées d'histoire naturelle au XIXe siècle élargit bientôt leur champ d'étude. Tout un bestiaire se constitue, mêlant le sauvage et le domestique, l'étrange et le familier, d'où émerge un genre nouveau : le portrait d'animal, représenté seul, pour lui-même, en majesté. Boel et Oudry en peinture, Barye et Pompon en sculpture ont fait de l'art animalier leur spécialité. D'autres artistes ont inscrit leurs créatures de prédilection dans notre mémoire, des oiseaux d'Audubon aux chevaux de Géricault, des éléphants de Rembrandt aux araignées de Louise Bourgeois. Tous ont magnifié l'animal et interrogé le mystère de sa présence. Aujourd'hui, c'est une galerie de portraits inédite qui s'ouvre au Grand Palais. | |
Depuis 1969, Bertrand Lavier déstabilise les codes et les catégories, avec un esprit et une virtuosité qui n'appartiennent qu'à lui. Le Centre Pompidou présente, en une cinquantaine de pièces, un parcours qui met en évidence sa méthode, la greffe, et les principaux thèmes qui structurent son art. Peintures figuratives "sur le motif", prenant leur sujet pour support, superpositions d'objets régies par des rapports formels, ours en peluche ou skate-board soclés comme dans les musées d'art primitif, répliques en bronze nickelé de statuettes africaines ou peintures et sculptures d'après Malt Disney, voilà quelques-unes des propositions analysées dans cet ouvrage de référence qui permet de comprendre la place essentielle que tient Lavier dans l'art d'aujourd'hui. | |
Filmée, chantée, dessinée et surtout versifiée, la bohème fait partie des mythes modernes qui inspirèrent de nombreuses générations d'artistes et d'écrivains au XIX siècle. Baudelaire, Rimbaud et bien d'autres, séduits par cette vie sans règles et sans attaches, désirable et dangereuse, érigèrent le bohémien en modèle de vie. Cheveux longs et paletot pour les imiter, voyages au gré du vent et des chemins pour s'en inspirer. En l'espace d'une génération, ces poètes bohèmes devinrent à leur tour, à l'instar de Verlaine, le symbole d'une liberté rêvée et fantasmée. Ils créèrent, vécurent et moururent au nom de cette muse ô combien capricieuse ! Dans cet album, un choix de poèmes, citations et lettres autographes dévoile le regard que portaient leurs auteurs sur ces êtres vivant aux marges de la société. | |
Ce n'est pas tous les jours que refait surface un manuscrit médiéval enluminé de l'importance du pontifical bolonais retrouvé il y a peu à l'évêché d'Autun. Discrètement conservé jusqu'alors, ce n'est qu'en 2008 que le précieux volume sort définitivement de l'ombre. Il s'agit d'un livre très particulier, un pontifical, livre par excellence de l'évêque, qui l'utilise pour les cérémonies propres à sa fonction. Son extraordinaire décor peint est l'oeuvre de plusieurs enlumineurs en activité dans le grand centre artistique qu'était Bologne au cours du second quart du XIVe siècle. | |
Le corset au fil du temps se révèle tout à la fois l'élément de toute garde-robe le plus naturel, le plus voluptueux et le plus mystérieux d'entre tous. Présent tout à la fois dans le secret des boudoirs comme dans les loges de théâtre ou d'opéra, il n'a eu en effet de cesse que de souligner ou d'affiner, de magnifier ou de sublimer la silhouette de toutes les femmes à tous les instants de leur vie. Il est ainsi inséparable d'une histoire du goût, de la beauté et de l'élégance dont l'apogée sera celle d'un XIXe siècle en pleine renaissance politique, économique, sociale mais aussi vestimentaire, culturelle et picturale. Il devient alors un objet de désir et de convoitise, de séduction et de ravissement sans égal dont les plus grands artistes se feront l'écho, en particulier les peintres impressionnistes, d'Edouard Manet à Claude Monet, de Pierre Auguste Renoir à Berthe Morisot, d'Edgar Degas à Mary Cassatt. A travers un choix exceptionnel de peintures, de pastels, de dessins et de gravures des plus grandes figures de l'art de la seconde moitié du XIXe siècle, cet ouvrage vous dévoile pour la première fois leur regard délicat et sensible, intime et sensuel, sur cet objet de mode en tout point singulier qu'est le corset. | |
Sophie Bramel et Patricia Poiré décryptent les mystères des tissus high-tech : les performances des matières mises au point à l'intention des sportifs de haut niveau et leur application grand public... Les prouesses des textiles qui rendent la garde-robe du XXIe siècle tellement pratique et intelligente... Les vertus réelles des étoffes dites écologiques... La magie des tissus du futur, à deux fils de quitter le registre de la science-fiction... | |
Symbole de la passion amoureuse ou de l'amour maternel, mais aussi de la transgression et de la mort, la représentation du baiser occupe une place très particulière dans l'histoire de l'art, à presque toutes les époques, depuis le décor antique jusqu'à la création contemporaine. Les Baisers illustrent les amours d'Éros et de Psyché, celles de Jupiter, celles de Paolo et Francesca et les confrontent aux mythes de l'Inde et du Japon pour tenter de comprendre pourquoi certaines cultures et certains artistes ont accordé une telle place à la figuration de lèvres qui s'unissent. L'ouvrage rassemble quelque 150 chefs-d'oeuvre, d'Hokusai à Cindy Sherman, de Jérôme Bosch à Roy Lichtenstein, de Giotto à Picasso, de Bronzino à Brancusi. Le texte érudit de Serge Bramly, à la fois analytique et évocateur, est nourri de descriptions et d'anecdotes poétiques. | |
Un guide de référence exhaustif qui vous permettra d'entreprendre avec confiance n'importe quel projet de tricot. La popularité du tricot ne cesse de grandir. Si vous êtes une tricoteuse débutante, ce livre vous entraînera pas à pas à la découverte de cet art. Si vous avez de l'expérience, il vous sera d'une aide inestimable pour peaufiner vos techniques et en découvrir de nouvelles. Dans ce guide, vous découvrirez : une présentation abondamment illustrée qui rend chaque aspect du tricot accessible aux personnes de tout âge et de tout niveau ; les techniques de base incluant le choix des bonnes aiguilles et du fil ainsi que la façon de monter des mailles ; les diverses techniques de tricotage incluant les secrets du bâti d'un tricot ainsi que les torsades, les croix, les torsions, les nopes et beaucoup d'autres ; des techniques pour donner du style à vos tricots les plus simples en ajoutant des perles et des paillettes, une broderie colorée, des pompons audacieux ou une frange élégante ; les points de crochet essentiels ainsi que les techniques décoratives pour élargir vos horizons en matière de tricot ; les techniques de finition professionnelles ; le savoir-faire nécessaire pour créer vos propres projets de A à Z ; une mine de ressources pour le tricot que vous allez adorer exploiter. | |
En 1881, le prince Georges Stirbey fait don à l'Ecole des Beaux-Arts de 696 dessins de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) réunis dans deux albums en maroquin rouge. Croquis extraits de différents carnets ou feuilles isolées de grand format, ces oeuvres traitent de sujets les plus divers dans des techniques très variées, allant de la pierre noire à la gouache sur des papiers colorés parfois très vifs. Couvrant toute sa carrière, ils témoignent de la culture et du bagage culturel de l'artiste, sensible dans ses copies à l'art de grands maîtres, notamment Michel-Ange, Watteau, Rubens, Géricault et Delacroix. Ils rendent compte aussi de son insatiable curiosité et de son sens de l'observation, croquant des scènes de la vie quotidienne ou des portraits. Enfin certaines études correspondent à des premiers projets pour des scultpures comme la Danse de l'Opéra Garnier. | |
Peut-on encore rire de tout ? C'est la question à laquelle répond le dessinateur Cabu en plus de 100 dessins et caricatures, dont de nombreux inédits regroupés dans un livre éponyme paru aux éditions du Cherche-Midi. Johnny Hallyday, Mireille Mathieu, les intégristes religieux, les traders, internet, les avocats, la campagne présidentielle, Carla Bruni-Sarkozy.... Quelle que soit la cible, le dessinateur, qui collabore habituellement aux journaux satiriques Le Canard Enchaîné et Charlie Hebdo, répond "oui". "Il n'y a pas de limites à l'humour qui est au service de la liberté d'expression car, là où l'humour s'arrête, bien souvent, la place est laissée à la censure ou à l'autocensure", dit Cabu. | |
Ce catalogue a été édité à l'occasion de l'exposition Le Cercle de l’art moderne - Collectionneurs d’avant-garde au Havre, musée du Luxembourg du 19 septembre 2012 au 6 janvier 2013. Au milieu du XIXème siècle, Le Havre connaît un formidable essor. Le port se modernise et les importations de matières premières font la prospérité de la « Porte Océane ». Des entrepreneurs-négociants bâtissent des fortunes dans le coton, le café et les bois précieux, qu’ils consacrent à l’art. Installés depuis peu au Havre,, ces hommes d’affaires font preuve d’innovation tant au sein de leur entreprise que dans la constitution de leur collection. Leurs affaires florissantes influencent très directement la vie culturelle locale Eugène Boudin résumera l’équation en une formule lapidaire : "Pas de coton, pas de tableaux". | |
Catalogue officiel de l’exposition Chaïm Soutine, l’ordre et le chaos du 2 octobre 2012 au 21 janvier 2013 au Musée de l’Orangerie / Orsay. Le musée de l'Orangerie de Paris possède la plus importante collection de peintures de Soutine de toute l'Europe. L'exposition permettra de remettre ce patrimoine sur le devant de la scène. Cette exposition est monographique et présente en particulier une étude des séries dans l’œuvre. | |
La peinture traditionnelle japonaise nihon-ga, très décorative, permet de peindre sur tous supports : papier, bois, soie, toile de coton et de chanvre. Elle utilise essentiellement des pigments naturels, ce qui donne aux oeuvres des couleurs remarquables. Ses techniques sont très différentes de celles de la peinture occidentale ou des autres peintures orientales. Entourée de maîtres japonais, Chen Yiching raconte l'histoire du nihon-ga à travers les siècles, sa rencontre avec l'Occident qui fut une véritable renaissance, et les courants contemporains. Puis elle présente les matériaux, les supports et les pinceaux, avant d'expliquer les techniques en 18 leçons détaillées en pas à pas, de la préparation de la colle et des pigments jusqu'à la réalisation d'un tableau tout en finesse. | |
Au croisement de l'anthropologie, de l'histoire de l'art ancien et contemporain, de la mode et des moeurs, l'exposition propose diverses mises en scène et mises en œuvre sur le thème universel des cheveux. Abordant l'idée que chacun donne de sa personnalité par la coiffure, elle se présente tout d'abord sous l'angle de la frivolité, des compétitions entre blonds/blondes, rousses et bruns, lisses et crépus... Comparant les coquetteries des Papous des Hautes Terres de Nouvelle-Guinée ou des belles citadines africaines ou des "Merveilleuses" du Directoire, l'exposition avance vers l'idée du matériau humain à modeler, à sculpter, support à la fois de savoir-faire, de la relativité de la beauté, mais aussi objet de perte (par l'âge ou la violence), symbole du temps qui passe et de la mort. Par leur usage nostalgique, les cheveux sont des supports de mémoire. Restes humains, reliques, ils conservent un peu de l'aura et de l'énergie de leur propriétaire. Une large partie de l'exposition est consacrée à ces mana (pouvoir sacré des ancêtres) qui ont donné naissance, dans le monde, à de multiples objets dits "magiques" ou pour le moins dotés de pouvoirs que l'on s'approprie. La question du reste et du trophée est ainsi posée et plus largement du statut de certains "objets" campés aux frontières de l'horripilant et de l'insoutenable, interrogeant nos catégories à partir d'une expérience universelle. | |
Christian Lacroix, grand couturier devenu costumier de théâtre, d'opéra et de ballet, a récemment créé les somptueux costumes du ballet La Source, donné à l'Opéra de Paris à l'automne 2011. Ce ballet romantique, disparu du répertoire de l'opéra à la fin du XIXe siècle, raconte l'histoire du sacrifice de Naïla, esprit de la source, pour l'amour du chasseur Djemil et de sa belle Nouredda. Ces costumes, d'inspiration épurée et de style néo-classique pour les rôles fantastiques, teintés d'orientalisme et de couleurs chatoyantes pour les personnages folkloriques, témoignent de l'univers onirique de Christian Lacroix. Le ballet est une succession de nymphes aux tutus romantiques en organza japonais, l'un des tissus les plus légers au monde, d'odalisques drapées de tuniques et de sarouels confectionnés à partir de saris anciens, de Caucasiennes revêtues de robes ethniques, de Caucasiens aux manteaux inspirés des vêtements traditionnels mais recolorés par la palette de Christian Lacroix, de costumes et de diadèmes ornés de cristaux Swarovski... | |
Fils d'Éloi Monod, fondateur de la célèbre Verrerie de Biot, Claude Monod (1944-1990) compte avec sa femme Isabelle Monod (née à Genève en 1945) parmi les artistes verriers qui ont marqué le renouveau des ateliers indépendants en Europe. L'Atelier du Touron, créé en 1976 dans l'arrière-pays niçois, devient un lieu d'échanges et de création reconnu sur la scène internationale. Claude et Isabelle développent une recherche artistique exigeante qui s'attache d'emblée aux effets de matière et de texture. Claude Monod révèle toute la magie et la richesse du verre. Il prête à ses pièces l'apparence ambiguë d'urnes de pierre polie et l'aspect raffiné de sculptures aux lignes épurées. De la profondeur de la matière surgissent des décors abstraits qui se parent alors de puissants effets picturaux. Isabelle Monod s'affranchit de cette virtuosité technique pour engager une réflexion originale sur la mémoire et l'instabilité du monde. | |
Durant plusieurs décennies, Art Spiegelman a donné un sens nouveau au terme "artiste de bande dessinée" - ou, peut-être, serait-il plus pertinent de dire que Spiegelman a donné un sens nouveau aux termes "bande dessinée" et "artiste". La tension entre l'avant-garde marginale et le grand public façonne toute l'entreprise de Spiegelman. Elle est présente dans son travail lorsqu'il est artiste graphique dans le domaine des «beaux»- arts, lorsqu'il crée des cartes à échanger pour une marque de chewing-gum, lorsqu'il participe au mouvement underground de la bande dessinée de l'ère de la contre-culture, lorsqu'il cofonde deux magazines à l'influence déterminante (l'américain Arcade et le plus international RAIN), lorsqu'il dessine des jaquettes de livres ou des pochettes de disques, lorsqu'il est illustrateur ou dessinateur de couvertures pour le New Yorker, lorsqu'il réalise des gravures, lorsqu'il est auteur, lorsqu'il est spécialiste de formes obsolètes de la culture de masse, et lorsqu'il, comment dire ?, compose un essai autobiographique sous forme de bande dessinée sans précédent, romanesque mais cependant criant de vérité. | |
Michael Werner(né en 1939) est une des plus importantes figures du monde de l'art de ces cinquante dernières années. Installée à Berlin, puis à Cologne, sa galerie contribue, dès 1962, à faire connaître de nombreux artistes allemands (Georg Baselitz, Markus Lûpertz, Sigmar Polke, Jôrg Immendorif, A. R. Penck, Joseph Beuys, Eugen Schônebeck...) ou d'autres nationalités (Marcel Broodthaers, James Lee Byars, Peter Doig, Per Kirkeby, Eugène Leroy...), autant d'artistes aujourd'hui internationalement reconnus. Acette vision de la peinture contemporaine européenne s'ajoute également, avec l'ouverture d'une deuxième galerie à New York, la présentation de plusieurs maîtres de l'art moderne, comme Jean Fautrier, André Derain, Henri Michaux, Francis Picabia ou encore Gaston Chaissac. Constituée dès les années soixante, la collection personnelle de Michael Werner témoigne d'une approche différente de la lecture conventionnelle de l'art de ces cinquante dernières années que proposent généralement les institutions muséales. Rassemblant des oeuvres très diverses et en apparence éloignées, elle fait naître des significations nouvelles et donne à voir les relations subtiles et inédites que les oeuvres peuvent alors tisser entre elles. Ce catalogue présente pour la première fois l'intégralité de cette incomparable collection: plus de huit cents oeuvres d'une quarantaine d'artistes qui permettent de porter un regard rétrospectif et non conformiste sur la production picturale du XXe siècle en Europe. | |
Concevoir, produire, mettre en espace, communiquer, accueillir... De l'idée initiale au vernissage, ce guide vous invite à découvrir les étapes et les savoir-faire qui permettent de monter une exposition. Comment naissent les projets ? Avec quels outils et méthodes les met-on en oeuvre ? Quels sont les moments clés ? Autant de questions auxquelles cet ouvrage répond, à travers la présentation des différents intervenants d'une exposition : commissaire, chargé de production, scénographe, graphiste, éditeur, régisseur, chargé de communication, chargé de l'accueil des publics. Les auteurs, qui travaillent avec les plus grands musées français, présentent ici leur pratique quotidienne et leur vision du métier. Elles proposent ainsi une approche vivante et professionnelle de la genèse d'une exposition : chaque chapitre présente concrètement une étape et un métier de l'exposition ; des fiches-métiers détaillent les qualités requises, les pistes de formation, les associations professionnelles existantes ; des entretiens avec des professionnels apportent un éclairage différent sur la pratique du métier, ou une ouverture sur des professions connexes ; un cahier couleur illustre en images les différentes étapes de réalisation d'une exposition. | |
1960/2010 : ce livre entend décrire et éclairer un demi-siècle dont on postule qu’il a vu, au plan mondial, des transformations profondes des pratiques artistiques et des rapports que les contemporains peuvent entretenir avec les formes de création qui leurs sont contemporaines. Il est aisé de mesurer l’étendue des changements si l’on songe que vers 1960, peu de temps après la mort de Matisse et Léger et alors que Picasso, Braque, Ernst, Miró, Dalí ou Villon sont encore actifs, l’art paraît dominé, d’un part, par ces survivants des grandes avant-gardes de la première moitié du siècle, qui jouissent enfin de la reconnaissance générale qui leur a été refusée des décennies durant ; et d’autre part, par les différentes manières de l’abstraction, qui semblent avoir trouvé à New York leur meilleur centre et s’incarnent, après la disparition spectaculaire de Pollock, en De Kooning, Rothko ou Newman. À l’inverse l’importance de Duchamp n’est saisie que par un très petit nombre et l’histoire de Dada n’est pas véritablement constituée. Ce qui apparaît comme les groupes les plus rénovateurs du moment sont loin de jouir de la reconnaissance : si Johns, Rauschenberg et Twombly pointent à New York, il n’en est pas de même à Paris pour les Nouveaux Réalistes. Or, autour de 1960 apparaissent à la fois les premiers happenings de Kaprow, Vostell, ou Oldenburg, Fluxus, les premières manipulations de Nam June Paik. Aujourd’hui, ces évènements appartiennent au récit « autorisé ». Schématiquement, une époque s’achève, sans que l’on s’en aperçoive ; et une autre commence, que l’on ne sait pas alors définir et que l’on s’efforcera de comprendre et d’analyser. Ces grandes étapes sont précédées d’une première partie qui identifie les nouveaux cadres de fonctionnement de l’art : l’éclatement des pratiques et des critères, la disparition progressive des centres au profit d’une pratique nomade du contact avec l’art, à travers le phénomène des foires ou biennales et celui du poids du marché, sans oublier le phénomène de mondialisation. Une chronologie détaillée replace les faits, manifestes, expositions, foires, biennales, œuvres repères dans leur temps social, politique et culturel. | |
Le Centre Pompidou rend hommage à l'une des figures magistrales les plus complexes et prolifiques de l'art du 20e siècle, Salvador Dalí, plus de trente ans après la rétrospective que l'institution lui avait consacrée en 1979-1980. Souvent dénoncé pour son cabotinage, son goût de l'argent et ses prises de positions politiques provocatrices, Dalí est à la fois l'un des artistes les plus controversés et les plus populaires. C'est toute la force de son œuvre et toute la part qu'y tient sa personnalité, dans ses traits de génie comme dans ses outrances, que cette exposition sans précédent veut aussi éclairer. | |
L'or est-il le premier métal que l'homme ait découvert et utilisé ? Les avis divergent, mais tout le monde s'accorde à dire que cette découverte date au moins du cinquième millénaire avant notre ère. Dès cette période l'or est un matériau rare, donc précieux, divin, réservé au culte et aux emblèmes de richesse. L'or a d'abord servi à fabriquer des objets ornementaux ou culturels, et ce n'est pas par hasard que les premiers objets découverts en Bulgarie dans les nécropoles de Vilna et de Durankalak accompagnaient les défunts dans leurs tombes. Mais quand a-t-on eu l'idée d'appliquer des feuilles ou des décors en or sur les objets pour les décorer ou imiter l'apparence d'objets massifs ? Inaltérable, ductile, précieux, l'or a en effet les qualités idéales pour être transformé en feuilles et sublimer la matière qu'il recouvre ou qu'il décore, lui donner un caractère divin et éternel. C'est à cet aspect, la dorure, obtention d'une surface dorée par application d'une feuille ou d'un revêtement, qui inclut les procédés dits de placage, qu'est consacré cet ouvrage. Destiné à un large lectorat, il n'a pas pour but de dresser un tableau exhaustif du sujet ; plutôt d'encourager le lecteur intéressé à se plonger dans la bibliographie jointe pour explorer plus en détail les domaines qui le passionneront. | |
Cinquante créateurs de mode tels que Kenzo ou Blaak sont présentés avec pour chaque maison des croquis, des photographies, des patrons et des modèles permettant de comprendre les étapes du travail du styliste. | |
Plongez dans la planète Shadoks et la lutte constante entre ces drôles d’oiseaux et leurs ennemis jurés, les Gibis. Cet ouvrage, riche de plus de 500 documents d’archives pour la plupart inédits (dessins, illustrations, story-boards, bandes d’animation, affiches, bandes-dessinées…), retrace l’extraordinaire créativité de Jacques Rouxel dont il a fait preuve dans l’ensemble de son prolifique travail. Il nous laisse à travers ses personnages devenus cultes et ses inimitables séries animées un héritage artistique hors du commun, empreint d’un esprit gentiment absurde mais redoutablement intelligent qui traverse les âges et les générations. Dans cet album, Marcelle Ponti-Rouxel et Thierry Dejean, son épouse et son assistant, retracent l’histoire de ce son travail et rendent hommage à cet immense illustrateur et réalisateur et à ces créatures qui, depuis 1968, ont tenu en haleine les téléspectateurs de la télévision française, qu’ils soient des passionnés ou des détracteurs de ces oiseaux de peu de cervelle. | |
Karin Delaunay-Delfs découvre la tapisserie d'art en 1971. Insatisfaite des laines qu'elle trouve dans le commerce, elle se met à teindre elle-même toutes sortes de fibres : laine, soie, coton, lin, chanvre, abaca, raphia... Mais les teintures chimiques la déçoivent également. Elle consulte l'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert, se familiarise avec les directives de Colbert, se plonge dans d'anciens manuels : la découverte des teintures naturelles est pour elle une révélation. Elle ne cesse depuis d'expérimenter, toujours curieuse de connaître et d'échanger des recettes avec des teinturiers du monde entier. Sa formation initiale de biochimiste lui permet de comprendre, et de faire comprendre, les processus en jeu, de mieux choisir ses plantes tinctoriales, de préparer ses fibres et ses bains, puis de teindre et nuancer ses couleurs... Elle enseigne la tapisserie et la teinture à des élèves de tous horizons, notamment au Conservatoire des Ocres et de la Couleur en Provence, ainsi qu'à Toulouse et Paris. Grâce à sa formation, son exigence et son expérience, à sa passion d'échanger et de transmettre, Karin Delaunay-Delfs offre au lecteur un ouvrage généreux où les amateurs de teintures naturelles pourront puiser pour faire leurs propres expérimentations. | |
De nombreuses peintures, sculptures ou pierreries de grande valeur ont été volées, pillées, perdues, détruites, ou même utilisées comme support pour de nouvelles créations. Ces oeuvres remarquables, qui demeurent introuvables à ce jour, réapparaissent dans ce livre unique, qui vous fait voyager à travers des siècles de création artistique. Le Musée impossible vous permet d'admirer 40 de ces chefs-d'oeuvre perdus, impossibles à contempler dans nos musées ! | |
Cet ouvrage rassemble toutes les connaissances disponibles sur le célèbre créateur des entrées du métro parisien. L'approche encyclopédique éclaire les différents aspects historiques, techniques et culturels d'un art formidablement inventif. Retraçant toute l'histoire de la collaboration de l'artiste avec la Compagnie du Métropolitain de Paris, ancêtre de l'actuelle RATP, les auteurs proposent également un inventaire photographique impressionnant de l'ensemble des entourages, édicules et pavillons qui égayaient les rues de Paris en 1900. Au fil des images, des croquis et des dessins, surgissent toute l'audace et l'ingéniosité du concept mis au point par l'architecte. Et si l'on regardait autrement ces bouches de métro aux formes végétales et animales, ces bouches "mangeuses d'hommes" qui plurent tant aux surréalistes ? Ces totems qui enchantent aujourd'hui encore notre quotidien ont préparé avant l'heure l'intrusion de la nature dans la ville. | |
Les dessous féminins dévoilent plus qu'ils ne cachent et ce, pour notre plus grand plaisir ! Outil de séduction par excellence. la lingerie est présentée ici sous toutes ses formes : bas de soie, porte-jarretelles brodés, corsets en dentelle... Ce livre nous entraîne avec un plaisir coupable clans le monde de la lingerie fine, sexy, romantique, élégante ou affriolante... | |
Nous savons tous que l'habit ne fait pas le moine... mais qu'il y contribue. Et parfois, nous nous trouvons démunis devant notre penderie. Pas de panique. Dress Code est là pour nous rhabiller de la tête aux pieds. Comment s'habiller quand on a eu une promotion ? Pour faire son coming out ? Pour dormir ? Quand on est gros ? Quand on est vieux ? Avec Dress Code, chacun trouvera le bon vêtement au bon moment. Des descriptions hyperdétaillées, une analyse pop-sociologique poussée, portée par un humour ravageur : Géraldine de Margerie reprend, avec Maxime Donzel, les clés du succès du Dictionnaire du look. Les superbes photos d'Olivier Marty mettent en scène un modèle féminin et un modèle masculin dans toutes les situations de la vie, souvent rocambolesques. À la fois précis et drôle, pédagogique et fantaisiste, fourmillant d'informations et de "trucs de modeux" très utiles et tout à fait dérisoires, Dress Code est unique en son genre. Comme quoi l'humour et la mode ne sont pas toujours incompatibles. | |
Responsable de la rubrique des critiques de la revue Record Collector, Jason Draper est un passionné qui maîtrise parfaitement le graphisme des pochettes de disque, et particulièrement des 33 tours; tombé sous leur charme, il est toujours à la recherche du dernier 33 tours faisant défaut à sa collection. Comme avec toute addiction, le premier disque ne lui a rien coûté, mais il semble qu'aujourd'hui, il n'a plus la place chez lui de stocker un disque de plus... Ayant débuté au New Musical Express avant de devenir rédacteur chez Q, Paul Du Noyer a ensuite fondé la revue Mojo, puis contribué au lancement de Heat et de divers sites Web de musique. Auteur de plusieurs ouvrages de référence sur le rock, il a également écrit des monographies sur John Lennon et sur The Clash. Il est actuellement rédacteur adjoint pour The Word. | |
Cet ouvrage est publié à l'occasion de l'exposition Dürer et son temps qui se tiendra aux Beaux-Arts d'octobre 2012 à janvier 2013. Il présente l'exceptionnelle collection de dessins allemands de l'Ecole des Beaux-Arts, qui conserve des oeuvres allant du milieu du XVe au milieu du XVIIe siècle. Rares, les dessins allemands sont peu collectionnés en France et mal connus. Cette publication rassemble pour la première fois un ensemble de textes très complets sur les artistes de cette période et plus de mille illustrations en couleur. Aux côtés de la centaine de dessins de l'Ecole exposés et tous reproduits dans le livre, plus de neuf cents images de comparaison (tableaux, gravures, dessins, sculptures) provenant de collections publiques et privées et souvent inédites documentent la collection. Il offre un panorama passionnant de la création artistique des grands centres allemands de la Réforme à la guerre de Trente Ans : Nuremberg, Augsbourg, Munich et Prague pour ne citer que les principaux. | |
Le style industriel est né. Chaises et tables de bistrot, vestiaires, meubles de tri postal, lampes articulées : le mobilier métallique est aujourd'hui chiné et même traqué. L'auteur du Mobilier industriel, Brigitte Durieux, raconte l'histoire d'une cinquantaine d'objets (européens et américains) qui ont été utilisés par nos aïeux, puis sont sortis des usines pour entrer dans nos salons et devenir aujourd'hui de véritables meubles cultes (lampe Gras, tabouret Singer, réflecteur Holophane, horloge Brillié, etc.). Chaque objet est magnifié par les photographies de Laziz Hamani. Jouant avec la lumière et les détails, il les immortalise en les photographiant sous toutes leurs coutures. Avec plus de 250 photographies ce livre, présenté dans un coffret original, est un catalogue unique du style industriel. | |
"Vous aimez les fleurs? aurait dit Louis XVI à la jeune reine. Eh bien, j'ai un bouquet à vous donner : c'est le Petit Trianon." Marie-Antoinette investit alors pleinement l'ancienne propriété de Madame de Pompadour et transforme les jardins en décor féérique. Partant de documents d'archives et du plan de l'architecte Richard Mique, Elisabeth de Feydeau a reconstitué l'herbier imaginaire qu'aurait pu faire la reine en parcourant son domaine et nous invite à une promenade au coeur du Petit Trianon. Le Jardin français aux parterres de jacinthes, renoncules et anémones devant le château ; les allées sinueuses du Jardin anglais plantées d'arbres de Judée ; le Belvédère et ses conifères, théâtre de fabuleuses fêtes nocturnes ; le temple de l'Amour et ses arbustes aux parfums envoûtants ; le Hameau et ses jardins fruitiers généreux et enfin le bosquet de la Solitude et sa flore des bois. Plus qu'un herbier, Elisabeth de Feydeau nous plonge dans le XVIIIe siècle : les espèces nouvellement découvertes, les anecdotes de la cour, les utilisations en médecine, en parfumerie et en cosmétique de certaines essences... | |
«Le journal est un imprimé ; l'affiche est un acte. Un acte vaut mieux que l'écrit». Affiche-Action se propose d'explorer les pratiques politiques à travers l'affiche, trop souvent assimilée depuis le début du XXe siècle à la propagande par l'image. N'oublions pas qu'il s'agit aussi d'un écrit, coulé dans des polices de caractères, conçu pour être public. Outil de gouvernement efficace en temps d'urgence et de crise, l'affiche devient un média privilégié pour débattre, proposer, s'opposer ou résister. La Commune de Paris s'impose comme un moment clé de cette histoire, intimement liée à celle des démocraties, depuis la Révolution française, où une pluie d'opinions s'expose dans la ville, jusqu'aux révolutions actuelles, où Internet porte la rue. | |
La pince pour poinçonner son ticket de PMU traîne encore sur le zinc blanchi du bistrot. Elle est posée à côté d'un cendrier dont la marque est reconnaissable entre toutes : une silhouette dansante à la large robe, agitant un éventail au-dessus de sa tête. Juste au-dessus, trône une affiche vantant les mérites d'un vermouth. Quelques jeunes jouent au flipper, un peu plus loin... Faites fanelle en observant les objets qui donnaient leur identité au bistrots d'autrefois : pichets, tapis de 421, taxiphone, limonadier, carotte, pin-up, mesures en étain, présentoirs à œufs, carafes, pyrogènes, distributeurs, décorations publicitaires, juke-box, carnets ou glacières. Retrouvez les vieilles enseignes qui ont interpellé des générations de clients qui venaient, soit avant, soit après le turbin, se jeter un p'tit noir pour se revigorer le moral, puis une petite bière avec les amis. Car au bistrot, tout est prétexte à l'amitié et se termine souvent devant une bonne assiette, avec les copains et peut-être même avec une partie de pétanque ensuite... | |
A travers une soixantaine d'illustrations en couleurs et des textes concis cet ouvrage offre une vision très vivante et didactique des modes gothiques qui se sont implantées en Angleterre dans les années 80. Associé à de nombreux groupes musicaux (les plus connus étant The Cure, Marylin Manson, et Indochine en France), le style vestimentaire gothique s'impose par sa sophistication. Fortement inspiré par un texte tel que les Chants de Maldoror, des films tels que Dracula (de Coppola), le cinéma gore et de série B tels que La Nuit des morts-vivants, il est la manifestation d'une révolte adolescente où le monde de l'imaginaire paraît plus fort que la vie réelle. | |
Times New Roman, Garamond, Arial, Courier, Verdana, etc. La fréquentation quotidienne de l'ordinateur a popularisé le nom et l'usage des polices de caractères. Mais que savons-nous de ces fameuses " fontes " comme les appelaient autrefois les imprimeurs ? Rien ou pas grand-chose... Dans ce livre, Simon Garfield entreprend de nous raconter l'histoire de quelques-unes des 100 000 polices de caractères créées depuis l'invention de l'imprimerie par Gutenberg. Car derrière chacune d'entre elles se cache un destin, drôle et parfois tragique, qui croise souvent la grande Histoire, l'auteur raconte ainsi comment Gotham contribua à l'élection de Barack Obama... Les polices de caractères constituent aujourd'hui l'une des dimensions centrales de notre culture visuelle dont nous n'avons en général pas conscience. Qui se rend compte de l'hégémonie de l'Helvetica outre-Atlantique qui a colonisé la signalétique urbaine et qui est utilisée par toutes les grandes marques commerciales pour sa moderne efficacité ? | |
Le mandala, symbole universel, représente la totalité, l'infini. Support de méditation et de concentration, il est un moyen d'unir le corps, l'esprit et l'âme. Des mandalas hindous aux peintures de sable amérindiennes en passant par les mandalas celtiques, cet ouvrage présente des mandalas issus de diverses cultures et traditions et vous livre des conseils précieux pour apprendre à les utiliser. Peu à peu, vous sentirez jaillir en vous une énergie nouvelle, créatrice et, spirituelle. | |
"Un habit c'est une idée qui flotte autour d'un homme", prétendait au XIXe siècle le tailleur Chevreuil. En effet, dès l'avènement des premières civilisations dans le bassin de l'Euphrate, les vallées de l'Indus, le delta du Nil ou encore en Chine, le vêtement, au-delà de sa fonction purement pratique de protection, a également exprimé l'organisation du pouvoir politique et sa répartition dans la société. Du mode de vie tribal à la royauté sacrée, de la dictature à la démocratie, les codes vestimentaires révèlent autant les structures sociales qu'identitaires. Qu'il s'agisse de costumes d'apparat, de fourrures, de peintures tribales ou de coiffes faites de plumes, la parure témoigne du pouvoir de celui qui la porte. Si les sociétés dites "nues" emploient l'ocre, les plumes, le tapa ou les coquillages pour signifier le statut social, ailleurs se sera l'or, les perles ou la préciosité de certains textiles qui marqueront la préséance d'un individu. | |
Les mythes d'origine des arts font coïncider la naissance du portrait avec le début même de la fabrication des images. Et, de fait, il n’y pas d’époque ou de culture qui n’ait connu une forme de représentation du visage ou du corps restituant en image la présence d’une personne disparue ou absente. En Occident, comme le montre d’abord cet ouvrage, son succès tient aux légendes et croyances en son rôle double ou de substitut de la personne, susceptible d’assurer la survivance après la mort et le contact avec l’au-delà. Puis viennent les fonctions de représentation dont le portrait a été investi au cours de l’histoire : célébrer la domination sur ses semblables, la présence de l’absent, l’affirmation de soi ou l’introspection. De Titien à Bonnat en passant par Holbein, Rembrandt, Van Dyck, Reynold, Manet ou Van Gogh... Apres cet examen des racines anthropologiques, du rôle social et du statut théorique du portrait, sont examinés d’un point de vue plus formel et iconographique les différents types de portrait (individuel, officiel, contextuel, en série, de groupe, etc.), puis ses composantes à partir de la composition, du cadrage, de la pose, d’un répertoire de symboles stéréotypés, et enfin ses techniques : autant d’éléments qui concourent aux modes de représentation et aux stratégies d’énonciation, dont la finalité est le rapport particulier instauré avec le spectateur. | |
Le Guide de l'art contemporain urbain 2012 est le premier hors-série de Graffiti Art magazine : + 100 artistes, 212 pages, 400 images, autant dire qu'il faut se ruer en kiosques sans perdre une minute ! Rassemblant une sélection de plus d’une centaine d’artistes issus du street art et du graffiti comptant aujourd'hui sur le marché de l’art international, Le Guide de l'art contemporain urbain 2012 de Graffiti Art magazine s’adresse à tous les amateurs d’art. Un vrai guide pour tout savoir sur le mouvement le plus important du XXIe siècle. Où voir, où acheter de l’art urbain, quels artistes et à quels prix. | |
Les somptueuses compositions de fleurs en soie, présentées dans ce livre, sont inspirées par toute une palette de couleurs, de thèmes et d’ambiances pour embellir toutes les pièces de la maison et célébrer les grands événements de la vie en apportant une touche personnelle. Cet ouvrage rassemble tout le savoir-faire nécessaire à l’élaboration d’arrangements floraux très divers. Grâce à ces créations impérissables, la beauté de la nature pénètre dans les maisons tout au long de l’année. | |
Pratique de la typographie. Elément essentiel du graphisme et de la communication visuelle, la typographie est partout, sans être pour autant toujours remarquée et maîtrisée. L'objectif de cet ouvrage est de fournir aux étudiants et aux professionnels les bases d'une pratique typographique réussie. L'usage des caractères, la façon de les utiliser et le contexte dans lequel ils sont employés sont ainsi décrits avec simplicité et pédagogie. Pratique de la typographie est illustré par des schémas explicatifs et des créations anciennes et contemporaines, et propose aux lecteurs des exercices pratiques pour développer leurs compétences dans la discipline. Les essentiels typographie. Cette collection aborde le champ de la typographie à travers une série de guides thématiques. Elle explore les différents stades du processus de conception et constitue une référence inestimable pour les étudiants en graphisme et culture visuelle, mais aussi pour tous ceux qui s'intéressent au milieu prolifique de la création. | |
Le modernisme ne passera jamais de mode. Sa fonctionnalité et sa beauté intemporelles sont constamment réinterprétées dans les créations graphiques d’aujourd’hui. Cet ouvrage rassemble des centaines d’exemples originaux qui témoignent du fait que la simplicité, la clarté et l’hommage au modernisme historique sont toujours à l’œuvre dans le travail des graphistes les plus passionnants de la scène contemporaine. Après s’être intéressés à la typographie vintage puis au renouveau des polices décoratives, Steven Heller et Gail Anderson opèrent ici une sélection pointue et internationale de travaux qu’ils ont regroupés sous des qualificatifs aussi divers que classique, constructiviste, rétro, optique, cinétique ou encore métaphorique. Les textes de Steven Heller nous éclairent tout particulièrement sur le contexte historique de ces nouvelles tendances. | |
Avec son style, son univers, Victoire de Castellane a ouvert de nouvelles perspectives artistiques dans le monde de la joaillerie, certains la considèrent même comme une pionnière dans son utilisation de la couleur des pierres pour créer des anneaux haute couture, des colliers, des broches... Ce livre est une plongée dans le travail créatif de Victoire et un bel hommage aux artisans et aux maîtres joailliers qui fabriquent toutes ces pièces fantastiques. Une très belle histoire qui se développe sur les 300 pages du livre, des photos, des croquis qui mettent en valeur les créations de cette première période de l'histoire de la joaillerie Dior, le tout sous la plume de Michèle Heuzé historienne du bijou et gemmologue. Un livre qui devrait figurer en bonne place dans toutes les bibliothèques des passionné(e)s de luxe et de joaillerie. | |
Complémentaire des ouvrages qui donnent des "recettes" d'éclairage, ce manuel analyse la nature de la lumière et les principes qui la régissent afin d'aider chaque photographe à élaborer l'éclairage qui lui convient - ou qui est le plus adapté à son sujet. Grâce à un apprentissage progressif qui s'appuie sur de nombreux cas pratiques, le lecteur apprend à construire son éclairage du plus simple au plus élaboré et à maîtriser les surfaces complexes (métal, verre, vernis) mais aussi les reflets, l'exposition, l'équilibre entre le rendu du sujet et celui du fond... Destiné aux étudiants en photo ou aux photographes amateurs, ce livre très pédagogique donne les clés pour s'initier aux secrets de l'éclairage et apprendre à maîtriser la lumière en toutes circonstances. Cette 2e édition mise à jour a été enrichie de nombreux exemples de portraits en studio ou en situation. | |
Né à Châteauroux en 1966, de mère française et de père vietnamien, Jean-Baptiste Huynh a développé un goût prononcé pour la photographie dès l’adolescence. Autodidacte et déterminé, il apprend les techniques photographiques du développement et du tirage et se concentre tout particulièrement sur la lumière et l’éclairage. De cet apprentissage solitaire naît une écriture photographique sans artifice, basée sur l’équilibre et la clarté. | |
Avant de se dresser vers le ciel, les cathédrales ont d'abord été, dans toute l'Europe, de vastes chantiers où des milliers d'hommes ont œuvré. Des commanditaires aux apprentis, les oeuvriers des cathédrales sont aussi divers que méconnus du public. Par une série de portraits des différents corps de métiers, cet ouvrage permet de mieux comprendre les responsabilités de chacun : maîtres d'ouvrage, tailleurs de pierre, charpentiers, sculpteurs, peintres, etc. En rendant hommage à leur vie quotidienne dans ses aspects les plus pratiques et matériels, il pénètre dans les coulisses de l'entreprise cathédrale en en révélant les enjeux économiques, politiques, sociaux et, bien sûr, religieux. Eminent spécialiste, François Icher invite, en texte et en images, à relire de manière originale et percutante les codes et les symboles du Moyen Age. | |
La capacité à réussir un portrait est sans doute l'aptitude la plus importante qu’un photographe se doit de maîtriser. Le portrait est un thème incontournable pour les amateurs mais aussi pour les professionnels qui, quelle que soit leur spécialisation, doivent pouvoir réaliser une image qui représente ou révèle la personne qu’ils sont appelés à photographier. Cet ouvrage a été conçu de manière à vous guider dans l’art du portrait photographique et à vous faire acquérir une expérience pratique. Des exercices détaillés couvrent tous les aspects du travail, en studio ou à l’extérieur: l’approche psychologique, le choix du matériel et les règles de composition, les éclairages simples ou complexes, la retouche numérique… De somptueuses galeries présentant le travail de divers photographes détaillent les techniques étudiées au cours des exercices. Enfin, des interviews de portraitistes renommés dévoilent leurs méthodes de travail et leur vision du métier. | |
La création de bijoux contemporains connaît actuellement un renouveau sans précédent marqué par l'émergence de matériaux, de concepts et de designers exceptionnellement innovants. Le présent ouvrage dresse le portrait de ce champ créatif fécond en donnant à voir plusieurs centaines de bijoux dus à des créateurs du monde entier. Glamour ou minimalistes, conceptuelles, pop ou gothiques, réalisées en or, en argent, en plastique, en bois ou en plume, toutes les créations montrées dans ce livre révèlent l'étonnante inventivité des meilleurs créateurs du moment lorsqu'il s'agit d'imaginer colliers, bagues, bracelets, boucles d'oreilles et broches ou même des formes plus expérimentales d'ornementation corporelle. | |
Dans le contexte artisanal, le terme "main" ne désigne pas le seul organe préhensile par lequel se concrétise l'activité, mais sert à qualifier, par métonymie, un luthier: un bon luthier est une bonne main. Or, ce qui circule entre des individus fait l'objet aussi bien de persistances que de transformations: les connaissances, les idées, les pratiques ne se transmettent pas sans modifications. En restituant chacune à leur manière un versant de l'expression "de la main à la main", les contributions ici réunies participent de ce processus de médiation: elles proposent au lecteur d'emprunter diverses voies menant à une meilleure compréhension de cet univers où les hommes et les objets forment une seule et même entité. | |
Le monde n'en finit pas de finir. Depuis la Mésopotamie jusqu'à Fukushima, de la colère divine à la menace de l'atome, la disparition de l'humanité et de l'Univers a toujours hanté nos imaginaires. Interrogeant les religions, la fiction, la cosmologie, Jean-Noël Lafargue livre une histoire de la fin du monde à travers ses représentations, picturales, cinématographiques et scientifiques. Du récit de Gilgamesh aux films hollywoodiens en passant par l'Apocalypse de saint Jean, les hérésies du Moyen Age, le calendrier maya, les catastrophes écologiques et les grands séismes technologiques, une iconographie riche et surprenante raconte des siècles d'interrogations sur l'avenir de l'humanité et du monde, entre réalité et fantasmagorie, terreur du néant et espoir de renouveau, car l'aube succède toujours au crépuscule. Un beau livre unique, qui offre un regard inédit sur un sujet fascinant. | |
Premier chef-d'oeuvre monumental de l'art gothique, église d'une abbaye puissante et lieu de pèlerinage très important au Moyen Âge, la basilique de Saint-Denis est un lieu majeur de l'histoire de France par son architecture et son inestimable collection de tombeaux. Remontant aux origines du christianisme en Gaule et conçu pour abriter la dépouille de saint Denis, elle devint l'un des principaux centres monastiques du royaume. Sa façade et son chevet bâtis par l'abbé Suger au XIIe siècle. appartiennent aux premières expériences gothiques, complétées au XIIIe siècle. par un transept et une nef aux immenses parois vitrées. Suivant un plan chronologique, les auteurs retracent l'histoire de Saint-Denis depuis la fondation de la basilique primitive jusqu'à nos jours. L'architecture de l'édifice et ses étapes de construction, ainsi que la nécropole royale, sont largement étudiés et commentés avec l'appui d'une riche illustration. Les somptueux trésors de l'époque médiévale, en grande partie disparus, sont également évoqués. | |
Un ouvrage conçu pour toutes les personnes intéressées par cet apprentissage, qu'il s'agisse de novices ou d'élèves déjà inscrits à des cours dans le but d'apprendre à réaliser une garniture entière à l'ancienne. Les techniques présentées sont celles que l'auteur, Raphaël-Didier de l'Hommel, a reçues à l'École Boulle, très réputée pour son enseignement. Selon le style ou le genre, chaque siège est l'occasion de découvrir les connaissances essentielles mais aussi les plus spécifiques. Raphaël-Didier de l'Hommel communique ici avec rigueur l'art des gestes d'un travail minutieux. | |
Depuis des siècles, la Syrie est un des hauts lieux de l'artisanat textile. Etape de la Route de la Soie, produisant les meilleures matières (soie, coton, laine et poil de chèvre), elle a su développer sur une large échelle des savoir-faire s'intéressant avec le même sens esthétique au luxe, comme le brocard, ou à l'utilitaire, comme les tentes bédouines. Nous pénétrons dans le quotidien de ces artisans pour lesquels l'activité professionnelle reste souvent indissociable de la vie familiale. Nous découvrons comment, avec un équipement souvent rudimentaire, ils réalisent quotidiennement de véritables chefs-d'oeuvre, grâce à des techniques rigoureuses transmises de génération en génération. Claude Mabélé, elle-même artisane du textile, a su ouvrir les portes d'une vingtaine d'ateliers syriens pour nous faire admirer ces travaux dont elle a recueilli la mémoire. | |
Cet ouvrage propose plus de 750 recettes de glaçures conçues pour chaque type de cuisson, depuis les basses températures des céramiques poreuses jusqu'aux températures plus élevées des céramiques fermées et de la porcelaine. Les matériaux de base sont accompagnés d'informations techniques et les méthodes d'application sont expliquées étape par étape. Les échantillons photographiés vous permettent de choisir facilement l'aspect et la texture de la finition qui conviendront le mieux à votre œuvre, quelle que soit son utilisation - domestique, décorative ou sculpturale. A la fois source d'inspiration et livre de recettes, L'art des glaçures est le compagnon indispensable de tous les céramistes. | |
Les collections Pleats Please d'Issey Miyake's ont été lancées pour la première fois en 1993. Réalisés à partir de pièces uniques dans un tissus 100 % polyester de première qualité, les vêtements Pleat Pleats sont innovants du fait de leur conception : ils sont d'abord taillés et cousus deux fois et demi plus large que leur taille finale. Robes fuseaux, cardigans, jupes, cols roulés, pantalons à taille élastique : les pièces individuelles sont disposées à la main dans une presse chauffante, et placées entre deux feuilles de papier. Les vêtements en sortent ensuite marqués de plis permanents. Ce procédé industriel permet de créer en même temps la texture et la forme. Le plissage vertical, horizontal et en zigzag est utilisé pour créer des effets et des formes variés. | |
En 2010, le musée Granet recevait un somptueux cadeau : le don de cent sept clichés de Bernard Plossu sur le thème de la montagne Sainte-Victoire, site naturel, lieu de promenade, lieu de vie tout autant que référence au motif célébré par Cézanne. Ces images inédites du massif qui domine la campagne aixoise témoignent de la force d'inspiration de la lumière blanche qui a accompagné l'auteur durant ses nombreuses marches sur le sommet et aux abords de la montagne. Dans cet important et unique ensemble de petits formats photographiques - qu'il appelle volontiers des "miniatures" -, son oeil et sa pratique atypique traduisent l'originalité d'un motif qui pourrait sembler éculé à force d'avoir été ressassé. L'approche de Bernard Plossu se singularise, comme à son habitude, par une impressionnante économie de moyens génératrice de la plus grande poésie. | |
Spécialiste dans l'art du découpage de papier, le kirigami, Keiko Nakazawa a débuté sa carrière en 1983. Aujourd'hui, la créatrice enseigne dans de très nombreux centres culturels au Japon et explore également d'autres techniques, comme celle du pliage de papier, l'origami. En 2001, elle expose ses ouvrages en papier, conçus selon différentes techniques, à l'American Craft Museum, à New York, et dans bien d'autres endroits par la suite, multipliant ainsi le nombre de ses fans ! Ses splendides cartes fines et originales en relief connaissent un franc succès; | |
Il était une fois la lingerie française... Inventée en France, réputée dans le monde entier, la lingerie française couvre plus de cent ans de créations mis à l'honneur dans ce livre et racontés tout en légèreté. Plus de cent ans d'innovations, de savoir-faire, de luxe et de séduction ! L'ouvrage célèbre l'art des corsetiers au travers de leurs inventions phares : le corset en tissu élastique, le premier soutien-gorge, la gaine, et désormais la lingerie intelligente qui mémorise les courbes du corps ! Un concentré de glamour dans quelques grammes de fine lingerie... Corsets, gaines et soutiens-gorge sont entrés dans la légende, mais aussi guêpières, pantys, tangas, strings sans oublier les porte-jarretelles. | |
Dans le cinéma hollywoodien, Paris est, de loin, la ville étrangère la plus représentée. On peut estimer à prés de huit cents le nombre de films américains tournés à Paris, ou qui y sont situés par la reconstitution en décors. Ce que reconnaît le spectateur moyen, ce sont quelques clichés de la ville fabriqués par Hollywood, que l'on peut égrener en convoquant les quelques plans d'ouverture d'Un Américain à Paris (An American in Paris, 1951) de Vincente Minnelli, l'un des plus célèbres de ces "Paris-films". Paris n'est pas une parenthèse touristique, mais bel et bien l'exposé d'un art de vivre chic. Un Paris-film hollywoodien, c'est un air de réalité. Hollywood, grand dévoreur de folklore urbain, refabrique une cité dans son propre creuset, selon ses propres décors, avec ses propres idées et émotions, en s'inspirant de ce que ses plus habiles techniciens, dans tous les domaines, pensent être la plus juste image de la ville. | |
L’Occidental est fasciné par le jardin japonais, mais il est dérouté par les règles particulières qui en codifient la lecture. D’un côté, il existe de très beaux livres de photos, qui donnent quelques clés symboliques, mais superficielles. D’un autre côté, il existe des livres très théoriques, inutilement hermétiques, qui déroutent le non-initié. Le lecteur n’avait, jusqu’à ce livre, d’autre alternative que regarder le jardin japonais comme une belle carte postale ou le disséquer jusqu’à en perdre la substance. C’est la voie du milieu, tellement orientale, qui a été adoptée par l’auteur : si le jardin japonais est un art, dont les photos du livre témoignent, sa compréhension passe obligatoirement par l’analyse de l’histoire et de la culture du peuple japonais. | |
Entre 1956 et 1973, le photographe américain David Douglas Duncan (né en 1916) noue avec Pablo Picasso, alors au faîte de sa gloire, une véritable amitié et réalise ce qui est sans doute le premier photoreportage sur l'intimité d'un artiste. Ce compte rendu du quotidien de Picasso réunit plusieurs centaines d'images montrant Picasso dans sa vie privée ou à l'œuvre pendant cette intense période de création. Duncan a plusieurs fois utilisé cette somme iconographique pour des ouvrages qui sont parmi les grandes références de la construction du mythe de l'artiste universel qui se construit autour de Picasso après la Seconde Guerre mondiale. Cet ouvrage propose un vrai dialogue entre l'œuvre photographique de Duncan, qui fixe l'univers et l'atelier de son modèle, et l'œuvre de Picasso, qui prend forme dans l'objectif de son portraitiste. | |
Pour des raisons liées à l'érotisme, la politique, la diplomatie ou la religion, de nombreuses ouvres d'art ont, de tous temps et encore aujourd'hui, été censurées car jugées immorales, non adaptées à la société de l'époque, donc dangereuses pour les pouvoirs en place. Des Bouddhas de Bamyan dynamités par les talibans, à la célèbre Liberté guidant le peuple de Delacroix, en passant par les grandes ouvres controversées de Picasso pendant l'Occupation ou celles du dissident chinois Ai Weiwei, Emmanuel Pierrat présente cent ouvres d'art ayant fait l'objet d'une condamnation en revenant sur les raisons pour lesquelles elles ont été censurées et sur la nature de celle-ci. | |
Fabrice Hyber présente pour la première fois l’intégralité des POF (Prototypes d’Objets en Fonctionnement), réalisés entre 1991 et 2012, — comme le Ballon carré — POF n°65 ou Oto, la voiture à double tranchant — POF n°87, ou encore Ted Hyber — POF n° 51 —, soit plus de 150 œuvres et autant de façons de placer le visiteur au cœur du dispositif, en l’invitant à les manipuler. Fabrice Hyber modifie ainsi la conscience et la pratique que nous avons de ces objets puisque leurs formes réinventées induisent de nouveaux comportements. En déplaçant leur fonction originelle, les POF génèrent un mode d’appropriation singulier et nécessitent souvent l’invention d’un mode d’emploi pour un usage en constante évolution, questionnant ainsi la relation que l’on entretient avec les objets du quotidien et plus généralement l’œuvre d’art. | |
Pour le prochain président, cet ouvrage dont la lecture ne peut que lui être salutaire. Il l'aidera à comprendre que lorsqu'on fait ce boulot, il faut accepter que l'on se foute de sa binette, et constituera un apport non négligeable à sa culture générale… | |
Les fondamentaux de la création graphique — points, lignes, formes, lumière, couleurs, équilibre, contraste, proportions… — constituent les outils du concepteur grâce auxquels toute œuvre graphique existe et trouve sa signification. Négliger ces valeurs fondamentales rend une œuvre inefficace, inexpressive et impuissante à toucher un quelconque public. A la fois recueil d’idées et livre didactique, cet ouvrage s’adresse à tous les professionnels et étudiants du graphisme, mais aussi des métiers de la communication et de la création (architectes, marketeurs, éditeurs…). Il présente les 26 principes fondamentaux de la création graphique à travers autant de chapitres dans lesquels l’auteur répond à différentes questions : ce qu’ils sont, pourquoi ils sont importants et comment les employer efficacement. De nombreuses réalisations, choisies à travers le monde et analysées avec soin, ainsi que le portrait d'un créateur qui a marqué l’histoire du graphisme, illustrent chaque chapitre. | |
Après Artistes de nature et Artistes de jardin, Marc Pouyet nous emmène de nouveau en promenade artistico-naturelle, mais en ville cette fois ! Grâce à lui, des serpents de feuilles envahissent les trottoirs, des baies s'installent en figures géométriques sur les bancs, sur la glace se dessine la pyramide du Louvre, des branchages ornent les fontaines, des pétales s'invitent sur les portes... Vous pensiez qu'il était impossible de faire du Land Art en ville ? Pas du tout ! La nature est simplement plus discrète, trop discrète. A chacun de la rendre visible, de surprendre les passants, d'éveiller les regards... A travers cet ouvrage, vous trouverez l'inspiration pour faire des créations 100% naturelles et amener de la poésie, tout en vous réappropriant votre ville, votre quartier, votre rue. Ouvrez l'oeil, la nature arrive en ville, le Land Art se mêle au bitume ! | |
A l’invitation du Musée Ingres de Montauban, Jérôme Prieur, écrivain, essayiste et cinéaste, s’est livré à un choix parmi les milliers de dessins que l’artiste a légué à sa ville natale. Autour du thème du portrait, Ingres en miroir est le résultat de ce choix : un exercice d’admiration pour les superbes portraits dessinés par Ingres ; plus encore, le témoignage informé, sensible et finalement très personnel de la complicité éprouvée pour un artiste au travail. Jérôme Prieur à propos de Ingres en miroir : "Les portraits d’Ingres nous fascinent, ils nous aspirent. J’ai eu envie de pousser le rideau, de voir le peintre au travail. Ses milliers de dessins qui sont aujourd’hui au Musée Ingres de Montauban permettent d’apercevoir comment il travaillait, ce qu’il cherchait, de quoi étaient faits ses rêves, les corps, les visages, les modèles, les odalisques et les femmes du monde autour desquels tourne sa peinture. | |
Du courtil médiéval au jardin ouvrier, en passant par le potager-fruitier aristocratique de l'Ancien Régime, ce livre retrace la longue histoire du jardin potager en Occident. Une histoire de plantes, celle des choux, des pois et des fèves, les légumes « du pot » du modeste jardin paysan ; celle des primeurs, gage de l'excellence sociale des aristocrates et des bourgeois. Une histoire de savoir-faire et de techniques, celle de l'acclimatation et de la sélection de plantes venues d'Europe et d'ailleurs. Une histoire sociale et politique, celle d'un jardin du quotidien qui reflète les craintes alimentaires d'une population en proie aux crises et aux conflits ; celle aussi d'un jardin savamment architecturé qui, à l'image du Potager du Roi à Versailles, se doit de revêtir les attributs éclatants de la modernité ; celle enfin de l'invention d'un loisir populaire. Humble jardin paysan ou ouvrier, noble potager-fruitier des élites, discret jardin monastique ou de curé, le jardin potager présente de multiples visages au fil des époques, simultanément enjeu de prestige pour les puissants et de survie pour les plus faibles. | |
Ce premier livre, consacré au stylisme et à l'histoire de la botte, présente avec élégance les dernières créations des plus grands chausseurs du monde entier. Des bottes cavalières aux stilettos hauts perchés, des low boots aux cuissardes à lacets, sans oublier les compensées. Ce livre étonnant et singulier explore l'obsession, le fétichisme et les styles qui sont liés à cette pièce iconique parmi les chaussures. Style urbain chic ou de la rue, fétichisme sexy ou innovation sans bornes, les créations des plus grands stylistes internationaux sont illustrées avec des détails foisonnants : matériaux, techniques, talons et formes. Ce volume présente avec précision comment ces créateurs contemporains s'appuient sur un artisanat intemporel et des styles d'antan pour produire les bottes qui font la mode d'aujourd'hui. | |
La frivolité est une dentelle composée d'une suite de noeuds qui s'exécutent sur les doigts au moyen d'une ou deux navettes. Dans cet ouvrage, l'auteur vous propose plus de plus de 100 exercices pratiques illustrés de plus de 1000 photos d'étapes. sa particularité est de d'associer les noeuds des XVIIe et XVIIIe siècles à la frivolité moderne, adaptée et pratiquée de nos jours, pour réaliser des picots fantaisie ou des effets différents. le travail s'exécute le plus souvent sur l'endroit afin de suivre au mieux le dessin du modèle et obtenir ainsi une finition plus nette. l'auteur s'est également attachée, tout particulièrement, à étudier les mouvements pour faciliter la manière de faire les raccords afin que leur aspect soit identique, quelque soit leur position. 15 créations des plus délicates vous sont proposées avec leurs explications illustrées de plus de 1000 photos et dessins d'étapes. elles sont accompagnées de leurs schémas techniques et de précieux conseils de l'auteur ainsi que des astuces indispensables à leur réalisation. | |
Dans ce voyage à travers différentes attitudes, différentes manières de collectionner, que la maison rouge propose au public depuis 2004, cette neuvième collection est une étape hors des sentiers battus. Elle possède une identité forte : de format domestique et intimiste, la collection dévoile avant tout un état d'esprit vis-à-vis de l'art et des artistes. Très éloignés d'un certain milieu de l'art contemporain globalisé et spéculatif, les Setari ont depuis 1980 adopté un mode de vie fondé sur un engagement et sur le soutien régulier aux artistes dans leur travail. Tout en étant internationale, la collection Setari se concentre sur des artistes italiens de la génération des années 1960 à 1980, en particulier Carla Accardi, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto, Ettore Spalletti, Giulio Paolini, Alighiero Boetti, des artistes européens comme Thierry de Cordier, Günther Förg, Bertrand Lavier, Gerhard Richter et Franz West, ainsi que sur certaines figures de l'art américain comme Sol Lewitt. Ces artistes confirmés côtoient une plus jeune génération avec Elisabetta Benassi, Bruna Esposito, Paola Pivi, Grazia Toderi, Luca Vitone par exemple. | |
«D'ici cinquante ans, on verra dans les musées les portraits que j'aurai peints, de tant de littérateurs, mes amis ; et de l'auteur de ces portraits, il n'y aura trace dans aucun livre de son époque. Je suis peut-être le seul artiste de mon âge dont il n'existe pas la moindre monographie et que le Larousse ignore.» En écrivant cette prophétie en 1921, Jacques-Émile Blanche (1861-1942) ne pouvait pas imaginer qu'il faudrait attendre quatre-vingt-dix ans pour que son oeuvre soit enfin rassemblée dans un livre. Peintre de renom, mais aussi pianiste de niveau professionnel, écrivain ayant publié plus de quarante livres, ou encore commentateur prolifique dans la presse parisienne, c'est un artiste aux talents multiples auquel Jane Roberts, dans cet ouvrage abondamment illustré, redonne la place prééminente qui est la sienne parmi les peintres de la Belle Époque et de l'entre-deux-guerres, au même titre qu'un Helleu ou un Boldini. | |
L'exposition Rochers de lettrés itinéraires de l'art en Chine a le mérite de sortir de l'ordinaire. Elle présente ce lien méconnu et délicat qui unit les lettrés chinois avec les "rochers de lettrés" depuis le IIIe siècle. C'est en fait tout le jeu subtil et passionnant de la relation entre la nature et l'exploration créatrice qui est ici décrypté, un jeu en prise directe avec le coeur de la pensée chinoise d'hier et d'aujourd'hui. Une intime conviction naît de la contemplation de ces pierres ou encore des objets ou peintures qui les accompagnent, celle de l'existence de rapports intimes entre l'homme et la nature qui ne seraient pas ceux d'un destructeur mais ceux d'un partenaire respectueux et admiratif. Rassemblés par des lettrés de notre époque, les objets et les peintures présentés dans cet ouvrage abondamment illustré sont tout autant ceux de collectionneurs passionnés que de créateurs épris de beauté. Au delà des images les essais mêlant harmonieusement rigueur scientifique, surprenantes anecdotes et réflexions des artistes chinois eux-mêmes sont une incitation à découvrir cet univers et sa richesse. | |
Savez-vous pourquoi vous n'obtenez pas le résultat escompté avec vos couleurs ? Pourquoi vos peintures craquèlent au séchage ? Pourquoi il y a du miel dans les aquarelles ? Pourquoi l'huile de lin est plus siccative que celle de carthame ? Non ? Alors, ce livre est fait pour vous !Fruit de la rencontre d'un artiste peintre de talent et de la créatrice des couleurs à l'huile et des aquarelles de la marque Isaro, La couleur expliquée aux artistes offre toutes les connaissances indispensables pour bien choisir ses nuances et se constituer une palette harmonieuse composée de couleurs dont l'histoire et les spécificités n'auront plus de secrets pour vous.En plus de notions de base sur les couleurs, cet ouvrage clair et abondamment illustré dévoile les caractéristiques des pigments, leurs procédés de fabrication, mais aussi les particularités des principales couleurs à l'huile et aquarelles. Autant d'outils qui vous permettront de penser votre oeuvre dans son intégralité et de maîtriser pleinement votre art. | |
Des conseils illustrés par des exemples pour trouver son style et adapter sa tenue à toutes les circonstances, professionnelles ou privées. | |
Le premier ouvrage dédié aux éventails impressionnistes ; Une grande exposition consacrée à la Mode et l impressionnisme à partir du 15 septembre 2012 au Musée d Orsay. Rarement exposés dans les musées, ou dispersés dans des collections privées, les éventails peints par les impressionnistes et leurs successeurs sont peu connus du public. Ce sont pourtant près de trois cents oeuvres qui ont été réalisées au cours des vingt dernières années du XIXe siècle, portant les prestigieuses signatures de Manet, Degas, Morisot, Pissarro, Gauguin, et plus tard de Signac, Denis ou Bonnard. Ainsi se dessine à travers les pages de cet ouvrage une histoire parallèle et passionnante de l itinéraire pictural de ces artistes, qui ont réalisé de petits chefs-d oeuvre à découvrir. | |
Avec Silence, on fouille ! L’archéologie entre science et fiction, le musée ARCHÉA propose une exposition originale qui aborde de façon très documentée et ludique les différentes représentations de l’archéologue dans les œuvres cinématographiques et littéraires. Comment ces figures sont-elles apparues et quels sous-entendus véhiculent-elles ? Quel rapport entretiennent-elles avec la réalité de la pratique de l’archéologie ? Autant de questions que l’exposition se propose de traiter par le biais d’un parcours thématique en analysant la genèse, les évolutions et les significations de ces représentations. Seront ainsi évoqués l’archéologie scientifique et les figures qui y sont liées, l’archéologie fantasmée et enfin, l’archéologue et son rapport à la société. | |
Découvrez un monde végétal fascinant grâce à cet ouvrage remarquable. Les dessins de Sarah Simblet mettent à nu cet univers du vivant, de l'infiniment petit au spectaculairement grand. Des photographies d'une précision époustouflante vous révèlent les mille et un secrets anatomiques d'une nature somptueuse et étonnante. Une leçon de maître pour tous ceux qui souhaitent s'initier au dessin botanique. | |
Au cours de ces six derniers siècles, entre l'invention de l'imprimerie par Gutenberg et la dématérialisation des techniques d'impression, le livre a connu de profondes et multiples transformations. Six siècles d'art du livre de l'incunable au livre d'artiste brosse un tableau de cette histoire foisonnante à travers les ouvrages d'exception conservés au Musée des lettres et manuscrits. Des livres d'heures médiévaux somptueusement enluminés aux livres d'artistes du XXe siècle formidable champ d'expérimentation pour les créateurs, en passant par les incunables des débuts de l'imprimerie, ce sont plus de deux cents ouvrages qui sont présentés et analysés dans cette étude, véritable hommage à la beauté et à la richesse du livre considéré comme un art. | |
Dès 1947, le succès de Christian Dior gagne le monde du cinéma et les plus grandes stars d'Hollywood s'habillent chez le couturien. A la ville, Ingrid Bergman, Marilyn Monroe, Grace Kelly. Sophia Loren. entre autres, s'affichent en robes et tailleurs Dior. Icônes de la mode, elles imposent leur glamour au fil des pages des magazines, mais aussi dans les films des plus grands réalisateurs de l'époque : Charlie Chaplin, Vittorio de Sica, Henri Verneuil, Marcel Carné... En coulisses. Christian Dior entretient avec les vedettes de grandes amitiés, comme celle qui le lie à Marlène Dietrich, une inconditionnelle des parfums Miss Dior et Diorama. "La divine" ira jusqu'à imposer à :Alfred Hitchcock la condition d'être habillée par Dior dans un de ses films: "No Dior, no Dietrich !" La passion des stars pour la maison est la née. Lauren Bacall, Eva Gardner, Elizabeth Taylor, Jean Seberg, Monica Bellucci, Penélope Cruz, toutes défilent en Dior sur les tapis rouges des événements les plus médiatisés au monde. | |
1925, Paris : l'Exposition internationale des arts décoratifs ouvre ses portes et offre aux yeux des visiteurs des oeuvres somptueuses, marquées par l'historicisme du XIXe siècle, influencées par l'Art nouveau et empreintes de modernité. Un univers à nul autre pareil, qui reflète un art de vivre où le luxe des matériaux éblouit autant que les formes nouvelles. Au gré des stands et pavillons s'étalent les meubles des meilleurs ébénistes de l'époque, garnis de tapisseries réalisées par les manufactures nationales de Beauvais et des Gobelins et par celles, privées, d'Aubusson et de l'Ecole nationale d'art décoratif d'Aubusson. | |
Ce panorama de l'architecture parisienne embrasse toute l'histoire de la ville, du Ier siècle après Jésus-Christ aux plus récentes réalisations. Paris, tel que nous le voyons, a été façonné par une succession d'époques, d'acteurs et de monuments. Mais cette histoire vivante est aussi faite d'influences, d'inventions, d'assimilations et de rejets. En brosser le tableau chronologique et thématique permet d'éclairer des styles (classicisme, romantisme, éclectisme, art nouveau...), des notions (monumentalité, rationalisme, légèreté...), des motifs (clochers, dômes, tours...), d'évoquer les grands enjeux urbains au cours du temps ou de suivre l'évolution des matériaux et des manières de construire. C'est, sous nos yeux, tout un paysage - immeubles d'habitation mais aussi églises, hôtels particuliers, bâtiments publics - qui prend vie et, sans cesse, se transforme. | |
Deuxième ouvrage de la série "Remake it", Remake it Mode nous montre comment la mode, parfait miroir de notre temps, se veut aujourd'hui durable et éco-responsable. De nombreux créateurs et de nombreuses marques - de Martin Margiela à Christopher Raeburn, de Clements Ribeiro à Freitag - utilisent de façon novatrice des matériaux biologiques ou créent leurs vêtements et accessoires à partir de textiles recyclés, quand ils ne cherchent pas à faire revivre des vêtements hors d'usage. Parallèlement, le concept du "do it yourself" attire aujourd'hui de plus en plus de monde, car il fait contrepoids à la consommation de masse, à l'uniformisation de la mode et au règne du tout-jetable. C'est donc à la fois pour des raisons écologiques et pour répondre à une pulsion créatrice qu'on fabrique soi-même ses vêtements ou qu'on les customise en affirmant son individualité. Agrémenté de fiches pratiques, auxquelles viennent répondre de nombreux exemples de créateurs, cet ouvrage montre ainsi comment on peut inventer chez soi sa propre mode. | |
L’analyse des planchers et parquets présentés permet de souligner les évolutions techniques et esthétiques. Des planchers, très simples, attestés très précocement, aux parquets de marqueterie complexes ressemblant à de véritables mosaïques, le bois d’abord peu utilisé, pour cet usage, dans les bâtiments prestigieux devient un élément incontournable des intérieurs modernes puis contemporains. Certains exemples comme le parquet du cabinet aux miroirs du château de Maisons (Yvelines) ou encore l’exceptionnel ensemble du château de l’Hermitage à Condé-sur-l’Escaut (Nord) sont longuement étudiés et inventoriés. Ils reflètent la grande maîtrise des artisans, parfois véritables artistes, qui ont conçu ces œuvres. | |
Tours 1500 : entre la mort de Jean Fouquet sous Louis XI, avant 1480, et le retour du centre de gravité de la création autour de Paris et Fontainebleau au début du règne de François ler, la ville connaît un âge d'or. Lieu de résidence royale, sous Louis XI, Charles VIII et Louis XII, Tours n'a pourtant jamais été vraiment capitale politique. Cependant durant une quarantaine d'années, de 1480 à 1520, Tours a été capitale des arts. Patrie de Jean Fouquet, séjour des rois, creuset des artistes, foyer de la commande, Tours a concentré à cette époque tous les facteurs d'une éclosion artistique sans précédent. Manuscrits chatoyants, rares panneaux peints, tapisseries, sculptures, oeuvres de Michel Colombe, Guillaume Regnault, Jean Poyer, Jean Bourdichon, et de maîtres anonymes... une exceptionnelle réunion d'oeuvres d'art, prêtées par les plus grands musées et bibliothèques en Europe et aux Etats-Unis, dont les splendides miniatures des Heures de Louis XII, présentées pour la première fois au public français, restitue l'importance de Tours au moment de la pré-Renaissance française. | |
Voici, vécue au quotidien, une chronique de la vie artistique des années 1960 : une période des plus fertile dans la constitution d'un nouvel art contemporain. En plus des grands mouvements qui agitent alors la scène parisienne et internationale, des personnalités singulières inventent des modes d'intervention qui ont donné un soubassement aux prises de position des acteurs de Mai 68. Cette époque a un sens aigu des mutations culturelles. L'apparition de nouveaux modes d'expression, tels que le "happening", "l'installation" ou "l'art corporel" en témoigne. La vie artistique à Paris, durant cette période où les artistes affirment encore des ambitions avant-gardistes, continue à drainer une importante population culturelle étrangère. Témoin oculaire de ces événements, Anne Tronche rend compte de cette époque mouvementée qui apparaît comme celle qui inventa notre société. | |
Enjeu stratégique pour l'entreprise, le design packaging constitue un support privilégié de l'expression des marques et requiert audace des designers et volonté des chefs de projets. Il relève d'un processus de développement parfois complexe et se situe au carrefour entre l'esprit d'entreprise, la stratégie et l'innovation technologique. Cette deuxième édition largement enrichie réunit des exemples et des cas nouveaux, des entretiens recueillis auprès des meilleurs experts et fournit une méthodologie pour réussir un projet de packaging. Destiné aux responsables marketing, industriels, consultants, étudiants, designers et agences cet ouvrage constitue la référence pour : actualiser vos connaissances en packaging, comprendre le processus du design packaging, décrypter ou concevoir un packaging, choisir et travailler avec un prestataire en packaging, accompagner le développement packaging, innover en packaging. | |
Du 21 septembre 2009 au 20 septembre 2010, le designer Guillaume Bardet a dessiné un objet intime, chaque jour, pendant un an. Dans le prolongement de cette expérience, il en a assuré la réalisation, l’année suivante, avec une dizaine de potiers du pays de Dieulefit. L’idée de créer 365 objets intimes sur une période d’un an, visait à multiplier, jusqu’à la déraison, ces deux phases passionnantes du travail. En produisant chaque jour un objet, Bardet s’est proposé de vivre une mutation du processus de création, comme en accéléré, et, partant, de découvrir un nouvel alphabet formel. Ou comment repousser les limites de son propre langage pour mieux en creuser les profondeurs… S’il a choisi la terre (faïence, grès, porcelaine) comme seul et unique matériau pour réaliser la totalité de ses 365 objets, ce n’est pas seulement parce que Guillaume Bardet vit à Dieulefit, pays des potiers et de la céramique, mais aussi parce qu’il a, jeune, beaucoup modelé et qu’il doit à la terre d’avoir compris et intégré son amour de la forme. | |
Cet ouvrage traite de façon claire et précise des diverses techniques de fabrication et de restauration des vitraux. Après un bref aperçu historique et une description des matériaux, outils et techniques employés, le livre aborde les multiples procédés de fabrication, à l'aide d'exercices abondamment illustrés, qui vous présentent, étape par étape, la réalisation de différents types de vitraux, du vitrail au plomb au vitrail au cuivre, en passant par ceux en dalles de verres et ciment armé, jusqu'à ceux assemblés à la colle silicone, technique encore assez peu connue. La dernière partie du livre expose les méthodes de restauration du vitrail au plomb, illustrées de deux exemples concrets. | |
Des années 1910 jusqu'à nos jours, les créations de la maison Van Cleef & Arpels sont une référence dans l'art de la haute joaillerie. Cet ouvrage présente une large sélection des pièces exposées au musée des Arts décoratifs, issues non seulement de la collection Van Cleef & Arpels, mais aussi de collections privées du monde entier. Pour la première fois est retracée en détails, décennie après décennie, l'évolution stylistique et technique de ces créations depuis un siècle: la joaillerie blanche ou colorée, le travail de l'or, les sources d'inspiration tantôt géométriques, tantôt naturalistes, les motifs récurrents... | |
La rose et la broderie sont intimement liées : elles demandent la même patience et les mêmes soins délicats. Et toutes deux nous procurent toujours le même émerveillement ! Alors quoi de plus naturel que de broder des roses au ruban de soie ? Di van Niekerk vous propose de la suivre dans son jardin brodé. Elle vous donne les clés pour faire naître de vos doigts 16 variétés de roses, des cynorhodons, des papillons, des oiseaux... Le printemps à portée d'aiguille ! 16 variétés de roses, 60 techniques de broderie, les patrons et toutes les explications. | |
Internationalement reconnu comme un des plus grands artistes de la seconde moitié du XXe siècle, qui a révolutionné la notion de la couleur et du mouvement, le plasticien français d’origine hongroise (Pécs 1906 - Paris 1997) est le leader incontesté de l’op-art. VASARELY est en effet un des rares peintres à avoir mis son talent au profit des agences publicitaires de l’époque. Ce "premier métier", alimentaire, VASARELY l’exercera avec enthousiasme, malgré les nombreuses contraintes qui gênent la liberté de l’artiste et les exigences parfois contradictoires des nombreux intervenants dans le processus de création des publicités. | |
"SOS Silhouette" proclame, avec insistance, le titre d’un livre récent. La silhouette et son profil d’emblée visible sont devenus indices de bien-être possible, voire de conformité, autant qu’indices de troubles possibles, voire de danger. L’une et l’autre doivent être l’objet de surveillance intime. Ils doivent s’évaluer, se travailler. L’état de la silhouette est quasiment aujourd’hui une valeur : une présentation spécifique de soi. Ce mot "silhouette" pourtant, apparu dans les années 1760, longtemps cantonné à l’univers des dessinateurs, n’a pas toujours eu l’enjeu qu’il cristallise aujourd’hui. Ses glissements de sens sont nombreux. Ils révèlent la place croissante prise par le regard porté aux allures et aux anatomies. Comme ils révèlent la place croissante prise par les pratiques censées les maîtriser. Cette histoire du thème n’est pas faite. Le mot, les images qu’il suscite, les comportements qu’il réfère, ne sont étudiés ni dans leur itinéraire iconographique ou lexical, ni dans leur itinéraire culturel. Aucun doute pourtant : cette histoire a un sens, une "logique" conduisant à faire de la silhouette, avec notre modernité, l’objet d’un défi inégalé et que ce livre s'attache à dévoiler. | |
En 2011, le Centre Pompidou faisait l'acquisition de la collection de Christian Bouqueret, le dernier grand ensemble de photographies des années 1920 et 1930 encore en mains privées en France. Le fonds conserve près de 7000 tirages d'époque répartis en une centaine d'ensembles monographiques, parmi lesquels figurent les plus grands photographes présents à Paris à cette époque. "Voici Paris" a pour ambition de présenter les richesses de cette extraordinaire collection, mais aussi d'esquisser le portrait de la création photographique en France à cette époque où la capitale aimante toutes les forces vives de la création internationale : des Américains. | |
Première étude détaillée consacrée à l'histoire d'un art qui se crée dans la rue depuis plus de quarante ans et ne cesse de modifier notre expérience de la ville, Street art et graffiti dresse le portrait d'une pratique artistique qui ne ressemble à aucune autre. En effet, quel autre art joue avec la notion d'illégalité, dialogue avec l'environnement bâti et interroge à ce point le concept d'espace public ? Quel autre art est né de manière aussi spontanée et produit des oeuvres dont leurs auteurs savent qu'elles sont destinées à disparaître ? Nous sommes bien là face à un phénomène sans précédent, un courant exceptionnel apparu hors des cadres traditionnels que sont la galerie, le musée ou l'école d'art. Donner les clefs pour comprendre le graffiti, sa philosophie, ses techniques et son vocabulaire est d'autant plus essentiel que cet art, fondé sur la clandestinité et l'anonymat, ne s'adresse pas a priori au grand public. Connaître son évolution permet de comprendre en quoi il a ouvert la voie au street art - pratique éminemment protéiforme qui souvent conjugue contestation et poésie et fait désormais partie, comme le graffiti, de l'art de notre temps. Banksy, Blek le Rat, Faile, Invader, Miss Van, Os Gêmeos, Shepard Fairey ou encore Swoon sont quelques-uns des graffeurs et street artists dont les créations sont analysées dans cet ouvrage remarquable qui s'adresse à tous les curieux de culture visuelle contemporaine. | |
La notion de "warai" en japonais peut se traduire par "rire" ou "sourire". C'est à ses différentes facettes à travers l'histoire du Japon que s'intéresse l'exposition présentée jusqu'au 15 décembre à la Maison de la culture du Japon, à Paris. Et ce à travers une centaine de pièces : figurines préhistoriques, rouleaux peints, estampes, images populaires, peintures zen, sculptures bouddhiques... De la préhistoire au seuil de l'ère moderne, avec un éclairage particulier sur l'époque Edo (1603-1868). | |
Cet ouvrage décrit le fascinant processus aboutissant à la création d'une chaise. Confort, caractéristiques symboliques et fonctionnelles, esthétique, ergonomie, matériaux, techniques de production... autant de points abordés à travers de nombreux modèles qui ont marqué l'histoire des chaises depuis l'Antiquité jusqu'à nos jours. Dans une étude de cas, Konstantin Grcic, l'un des designers de meubles les plus célèbres, retrace les étapes de la conception d'un de ses modèles, la chaise Myto, et révèle les éléments essentiels à la réussite d'une création. |
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