Le catalogue propose une approche du sujet complémentaire de celle développée dans l’exposition. Tandis que le parcours de celle-ci est entièrement thématisé, les trois parties du catalogue déclinent successivement une série d’essais généraux, un dictionnaire et un journal de l’année. Dans un premier temps, trois essais, rédigés par des historiens et historiens de l’art, apportent des éclairages généraux sur l’année 1917. Le deuxième volet de l’ouvrage est pensé comme un dictionnaire de l’année 1917, avec environ 225 notices courtes, thématiques ou biographiques, consacrées aux hommes, événements, lieux, disciplines, problématiques culturelles, artistiques ou quotidiennes qui ont "fait" cette année 1917. Cette partie est illustrée d’une grande partie des oeuvres et documents présentés dans l’exposition. Le dernier volet se présente comme un journal de l’année, jouant avec la forme de l’almanach alors en vogue. Il est introduit par deux courts essais sur la lecture de l’image. Chaque jour se compose d’une éphéméride, d’une chronologie (militaire, diplomatique, politique, culturelle…), et est illustré de documents rendus publics en 1917 (affiches, journaux…). | |
En partenariat avec le musée départemental Arles antique, le musée du Louvre présente dans le cadre d’une grande exposition les pièces les plus emblématiques issues du travail minutieux et complexe qu’a représenté la fouille du Rhône, fleuve à la fois sauvage et chargé d’histoire. À travers cette exposition, le riche passé de l’Arles romaine (Arelate) renaît : de l’imposante architecture de la ville à son intense activité commerciale en passant par la vie quotidienne et les pratiques de ses habitants. Des objets rarissimes, en bronze notamment, sont présentés : fragments architecturaux, magnifiques témoignages de la statuaire et de l’orfèvrerie romaines, objets votifs, amphores, lampes, casques en bronze, bijoux. | |
Eve Arnold was born in 1912 to Russian immigrant parents in Philadelphia. With experience in photography processing and little formal training, she joined Magnum Photos in New York in the 1950s as one of the first female photographers at the agency. From there she began a long and diverse career, during which she photographed life in the US, Britain, USSR, Afghanistan and China, and people from children and manual labourers to heads of state and film stars such as Marilyn Monroe. She produced picture assignments for magazines internationally, published books and exhibited worldwide. A blend of curiosity, discipline and morale courage would characterise her career which never settled for clichés or stereotypes. Guided in her own words, this retrospective of Arnold's work makes her 100th birthday and features some of her iconic photographs alongside main never-before published images. | |
L’Art victime de la Guerre propose d’aborder, à l’échelle d’une région, les enjeux dont furent l’objet les collections patrimoniales pendant la Seconde Guerre mondiale et dont témoignent aujourd’hui encore les œuvres désignées par le sigle MNR (Musées nationaux récupération) déposées dans les musées de France de la région par les musées nationaux. | |
La collection de photographies privilégie une approche thématique, transversale, voire poétique, de la photographie moderne et contemporaine, illustrée d'une soixantaine d'oeuvres choisies parmi les 70000 que compte la collection photographique du Centre Pompidou, l'une des plus importantes sur le plan international. La ville écrite. L'histoire de la photographie est traversée par l'histoire de l'écriture et vice versa. Depuis les premiers relevés photographiques des hiéroglyphes égyptiens jusqu'aux graffitis urbains, en passant par les néons publicitaires qui éclairent la nuit des grandes villes, l'écrit hante la photographie. L'image photographique a aussi, à l'inverse, profondément modifié notre regard sur l'écriture. A l'époque moderne, la ville est devenue un immense réservoir de signes, une page sur laquelle s'inscrit notre histoire quotidienne, poétique ou politique. Des surréalistes à Andreas Gursky, de Brassaï à William Klein, c'est à cette lecture urbaine que nous invite ce livre. | |
Auguste Morisot, artiste aux nombreux talents, mène une carrière discrète. Après une formation à l'Ecole des beaux-Arts de Lyon, il en devint un professeur. Il expose alors dans les Salons lyonnais, et sa peinture, d'inspiration symboliste, est la partie plus connue de son travail. En 2008, le musée a acquis une série de dessins et aquarelles de l'artiste, pour la plupart des projets de vitraux des années 1890-1900, réalisés pour décorer son appartement lyonnais. Cet ensemble se rapporte aussi bien 3 un travail de dessinateur qu'aux arts appliqués. Les scènes intimistes de la vie quotidienne représentant son épouse et sa fille, d'esprit Art Nouveau, ont souvent été rapprochées de l'oeuvre de Maurice Denis ou des Nabis. L'exposition, complétée par des prêts extérieurs, permet de mieux faire connaître l'oeuvre de cet artiste complet dont les thèmes de prédilection sont la majesté de la forêt et les joies du foyer. | |
Cet ouvrage vous donne les clefs pour apprendre facilement à réaliser toutes sortes de tricots. Vous y trouverez tout ce qu’il faut savoir pour réaliser vos tricots : comment monter les mailles ou tenir les aiguilles, comment détricoter un ou plusieurs rangs… Grâce à des photos de grande qualité, suivez pas à pas les conseils de l’auteur pour tricoter de magnifiques pull-overs à toute votre famille ! | |
La photographe américaine Berenice Abbott (1898-1991) est connue pour son vaste ensemble documentaire sur New York mené entre 1935 et 1939, et pour son activisme en faveur de la reconnaissance française, européenne puis américaine de l’œuvre d’Eugène Atget. Dès les années 1920, elle collabore pleinement aux activités des cercles d’avant-garde. Venue à Paris en 1921, elle est formée par Man Ray avant d’ouvrir son propre studio en 1926 : elle photographie alors la bohème artistique et intellectuelle de Paris avant de retourner aux États-Unis en 1929. Son projet le plus connu, Changing New York (1935-1939), est une commande lancée par l’administration américaine dans le contexte de la crise économique, conçue par la photographe à la fois comme une vaste documentation sur la ville et une œuvre personnelle à visée artistique. Au cours des années 1950, Berenice Abbott est employée à temps plein au Massachussets Institute of Technology de Boston afin de réaliser un corpus d’illustrations sur les principes de la mécanique et de la lumière. | |
Alfred Manessier (1911-1993), né à Saint-Ouen dans la Somme, a acquis une réputation internationale par ses nombreuses oeuvres exposées aussi bien en France : Retrospective Alfred Manessier, Paris, Galeries Nationales du Grand Palais, 7 octobre-4 janvier 1992-93, qu'en Italie, Hongrie, et dans de nombreux autre pays. Il a participé a plusieurs accrochages avec Hartung, Poliakoff, Soulages, Zao Wou-Ki. En 1953, il obtint le Prix International de peinture à l'exposition de Valencia au Vénézuéla, le Premier prix de peinture à la Biennale de Sao Paulo, le Premier prix international de Peinture contemporaine à l'Institut Carnegie à Pittsburg en 1955 et celui de la Biennale de Venise en 1962. | |
Bonnard entre amis propose un parcours à travers une cinquantaine d'oeuvres clefs prêtées par de prestigieuses collections et institutions françaises et étrangères : le musée d'Orsay et de l'Orangerie, le musée Marmottan Monet, la galerie Larock Granoff à Paris ou encore le musée Pouchkine de Moscou. L'ambition de cette exposition et de ce catalogue, articulés autour de trois grandes sections, est de restaurer le dialogue qui anime Bonnard avec un certain nombre d'artistes parmi lesquels Matisse, Monet, Vuillard, Rippl-Rônai, Camoin ou Manguin. Ses débuts sont le moment d'une amitié profonde entre les jeunes peintres qui constituent le groupe nabis. Les portraits croisés qu'ils firent les uns des autres sont le reflet de cette complicité. Le lien de Bonnard et de Monet est conduit par une sensibilité différente mais non opposée de la nature. Enfin, le thème de la fenêtre et des ouvertures, points d'orgue de l'oeuvre de Bonnard comme de Matisse, clôture ce parcours original. | |
Canaletto est le plus célèbre des vedutisti vénitiens du XVIIIe siècle. Giovanni Antonio Canal (1697-1768) n’a jamais connu, au fil du temps, de revers de fortune. Ses œuvres ont toujours été avidement recherchées par les collectionneurs du monde entier. Grâce au marchand et collectionneur anglais Joseph Smith, il est très populaire en Angleterre, où il séjourna de 1746 à 1751. Des collections anglaises, tant publiques que privées, conservent plusieurs chefs-d'oeuvre de l'artiste. Ses vedute semblent posséder un charme éternel, insensible aux modes. Canaletto c’est la clarté limpide d’un homme fidèle à l’esprit des Lumières, avec une vision très personnelle du réel. Sa peinture réussit à capter l’essence même de la lumière, et transmet une vibration si sensible et si singulière. Le musée Maillol rend hommage à l'artiste avec une exposition exclusivement consacrée, pour la première fois, à Canaletto à Venise. | |
Venise et son charme intemporel deviennent au XVIIIe siècle le sujet de prédilection de peintres appelés védutistes. Leurs vues de Venise se répandent très vite en Europe et font de la veduta, encore de nos jours, le genre le plus collectionné et l'un des plus aimés du public. Pour la première fois en France et grâce à des prêts exceptionnels, le Musée Jacquemart-André consacre une exposition à la veduta, dont Canaletto et Guardi sont les artistes les plus connus et les plus brillants. Ce genre pictural est très peu représenté dans les collections publiques et privées françaises. L'exposition " Canaletto - Guardi, les maîtres de Venise " crée ainsi l'événement, du 14 septembre 2012 au 14 janvier 2013 au Musée Jacquemart-André. Commissaire générale de l'exposition, Bozena Anna Kowalczyk invite à découvrir un genre artistique né à l'aube du XVIIIe siècle et qui fut avant tout collectionné par les cours royales et les collectionneurs fortunés italiens, anglais, prussiens et autrichiens. Si l'exposition offre une place maîtresse à Canaletto, figure emblématique de ce genre, en dévoilant plus de vingt-cinq oeuvres remarquables du maître, issues des plus grands musées et collections, elle situe également l'artiste au sein de ce grand genre artistique de la veduta. | |
Fruit d'une rencontre entre cinq artistes contemporains et des scientifiques spécialistes du climat, l'exposition présente des travaux artistiques inspirés des dernières questions environnementales : océanographie, étude de l'atmosphère, biodiversité, énergies renouvelables, etc. | |
La série "Timetrackers" se compose de 18 tableaux de format identique, de peintures de couleurs, vives et acidulées. Son titre souligne l'importance du temps et une certaine idée de l'onirisme. Ces peintures cultivent l'énigme, le paradoxe et la contradiction. Si elles semblent appartenir à première vue à un univers connu, elles peuvent immédiatement renvoyer à leur contraire. | |
Ce catalogue d'exposition rend hommage aux talents d'un des peintres les plus doués de la manufacture royale de porcelaine de Vincennes-Sèvres au XVIIIe siècle, à savoir Charles-Nicolas Dodin (1734-1803), dont Alexandre Brongniart disait qu'il avait été le meilleur peintre de figures de Sèvres dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le livre retrace l'évolution artistique très lisible et éclairante de l'œuvre de Dodin, à l'instar de celle d'un peintre de chevalet contemporain, et présente le raffinement et la diversité de ses dons. Il témoigne de la diversité de ses sources d'inspiration et par là même des correspondances très profondes qui, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, existaient entre les arts, peintures, dessins et estampes. | |
Le musée Granet, à Aix-en Provence, propose pour l’été 2012 de découvrir une partie de l’exceptionnelle collection d’art moderne et contemporain du célèbre et passionné collectionneur Frieder Burda. Son attachement à la France, qui se manifeste notamment par la présence dans sa collection de plusieurs toiles de la dernière période de Picasso : des tableaux exécutés à Mougins, où Frieder Burda fit de fréquents séjours, permet de proposer une partie de cette collection, jamais montrée en France. Le noyau de la Collection Frieder Burda est constitué par des œuvres de la deuxième moitié du XXe siècle. Les peintures tardives de Picasso ainsi que l’expressionnisme abstrait américain avec les œuvres de Jackson Pollock, Willem de Kooning et Mark Rothko forment des groupements majeurs de la collection. Elle présente de façon particulièrement complète des artistes contemporains allemands à la renommée internationale tels que Georg Baselitz, Markus Lüpertz, Sigmar Polke et Gerhard Richter. | |
L'artiste développe un langage pictural à part, entre peinture, dessin, collage et montage, mêlant les formes et troublant les repères. Depuis bientôt quarante ans, l’œuvre de Christian Bonnefoi occupe une place extrêmement singulière dans le champ de la peinture et, plus généralement, dans l’histoire de l’art contemporain. Son travail se caractérise par une pratique singulière du collage dont l’assemblage produit une surface qui devient l’objet même de l’œuvre sans aucune figuration, suggestion ou narration : une manière d'insister sur l'importance de la démarche, du travail de composition sur le résultat final. L’artiste situe l’origine de sa démarche artistique lors de la découverte des « Dos » de Matisse présentés en 1970 à Paris au Grand Palais lors de l’exposition « Henri Matisse, l’exposition du centenaire » d’où sortiront ses premiers Dos quatre ans plus tard. Ce thème ponctue son œuvre depuis lors. | |
À la mort de Cristóbal Balenciaga en 1972, sa famille a fait don au musée Galliera de l’ensemble des pièces dont le couturier aimait s’entourer pour nourrir ses créations. Constituée tout au long de sa vie, cette collection est un ensemble d’archives, de costumes historiques et d’éléments textiles, de vêtements régionaux espagnols et de magnifiques pièces reflettant les modes européennes du XVIIIe siècle aux années 1930. L’ouvrage présente cette collection insolite et précieuse, ainsi que des créations du couturier. À travers les photographies originales de Maurice Scheltens, il met en lumière l’immense travail de recherche et de documentation nécessaire à la maîtrise du vêtement ainsi que l’affranchissement créatif dont a fait preuve Cristóbal Balenciaga au fil de ses collections. | |
Outre les reines Marie-Thérèse d’Autriche, Marie-Leszscinka et Marie-Antoinette, principale résidante du Petit Trianon, ce sont également les impératrices, épouses de Napoléon, Joséphine puis Marie-Louise, les filles de Louis XIV et de Madame de Montespan, sa petite-fille, la duchesse de Bourgogne, mère de Louis XV, mais aussi les filles de ce dernier, Henriette et Adélaïde, ainsi que les favorites royales, Mesdames de Pompadour et Du Barry, et les filles de Louis-Philippe, Clémentine et Marie, ainsi que leur belle-sœur, la duchesse d’Orléans, qui sont évoquées ici dans leur occupation des deux petits châteaux de campagne que sont les Trianons. À ces femmes célèbres s’ajoutent aussi des figures moins connues, dames de la cour, suivantes de la reine Marie-Antoinette comme Madame de Lamballe, ou sa femme de chambre, Madame Campan, des princesses telles que la Palatine, incroyable belle-soeur de Louis XIV, la sœur de Napoléon Pauline Borghèse, ou encore Madame Adélaïde, sœur de Louis-Philippe. Grâce au catalogue de l’exposition, ponctué de citations, toutes ces dames renaissent durant les fêtes, les mariages et les divers événements qui eurent pour cadre Trianon. | |
Reflet de la rencontre entre tradition et création, cet ouvrage présente les fertiles dialogues oui se sont noués entre les designers contemporains (Yann Kersalé, Martin Szekely, Matali Crasset...) et les sociétés françaises de grande tradition (Baccarat, Christofle, Mobilier National...). Ces dernières ont su utiliser ces collaborations pour signifier leur présence dans le siècle et faire évoluer leur savoir-faire. La transformation d'une intention en un objet est le fruit de la rencontre entre un designer et un artisan, entre un projet et un savoir-faire : le dessein du geste. Retraçant l'histoire des plus prestigieuses maisons françaises et mettant en valeur leur capacité à se réinventer en se confrontant aux défis formulés par le vivier des designers, ce livre rend hommage à l'excellence du savoir-faire de ces sociétés et s'attache enfin à mettre en lumière et à redonner toute sa place au geste artisanal dans ce qu'il a d'unique. | |
Publié à l'occasion de l'exposition Une collection particulière : les dessins de la collection Christian et Isabelle Adrien, musée des Beaux-Arts de Rennes, ce catalogue présente une soixantaine de feuilles, dont beaucoup d'inédites. Le sélection publiée ici est le fruit d'un long travail d'attribution ou de réattribution; les dessins de grands maîtres italiens, nordiques et français - Bassano, Carracci, Rubens, Bloemaert, Poussin, Nattier... - y côtoient les œuvres plus rares d'artistes talentueux que la curiosité pionnière du collectionneur a contribué à faire redécouvrir. Car ce dernier n'a pas de plus grand plaisir que de révéler des dessins anonymes, d'en être l'inventeur ou, pour reprendre son expression, le "géniteur". | |
Il peint les repasseuses au travail, mais n’est pas considéré comme un artiste réaliste. Il côtoie les impressionnistes, organise activement les expositions du même nom, mais exècre la peinture en plein air. Edgar Degas est inclassable. Résolument à l’avant-garde, cet admirateur inconditionnel des maîtres du passé transgresse dans de déconcertants cadrages les règles de la composition classique. Repoussant sans cesse les limites de son métier, il réinvente le monotype et le pastel, s’initie à la photographie et pratique la sculpture. Degas, un temps attiré par la peinture d’histoire, a su porter un regard inédit sur la modernité de son temps : scènes de cafés et spectacles de cafés-concerts, répétitions dans les coulisses de l’Opéra, courses à l’hippodrome. Et, mieux que quiconque, il a su dévoiler l’intimité des femmes à travers des nus audacieux, tantôt d’une grande crudité, tantôt d’une délicatesse inouïe. | |
"Chaque page est vue par des millions de personnes, nous sommes responsables du goût de demain. Nos images sont l'essence même de la page et chaque page doit avoir son propre visage, son propre esprit, pour attirer des millions de regards ou ce n'est qu'un bout de papier imprimé." Erwin Blumenfeld | |
Si l’œuvre de Philippe favier nous est à la fois si singulière et si proche, serait-ce que le temps qui régit ses espaces est la mesure même de cet élargissement, de cette expansion, de cette immensité du minuscule ? un temps hors du temps du monde, non dans la succession des événements, ou dans les séquences de la narration, mais plutôt dans leur soudaine et sans cause simultanéité. Et pourtant, cet espace-temps, contradictoirement contracté dans la même image, se délie par une sorte de ramification donnant nécessité à la série, qui nous entraîne dans les profondeurs insoupçonnées de l’image qui par la répétition révèle les couches successives invisibles et enfouies du visible. | |
Le bas ne se laisse qu'entrevoir... et pourtant, sa magie opère toujours aujourd'hui. Objet de culte, source de fantasmes, accessoire élégant, le bas rend hommage à la féminité. Découvrez l'histoire du bas, de l'Antiquité à nos jours, à travers ses formes, ses matières, ses emplois et ses significations. | |
C'est la question que l'Ecole nationale supérieure de la photographie a adressée à tous ses diplômés à l'occasion de son trentième anniversaire. Sous forme de textes et d'images, leurs réponses, présentées dans cette édition, donnent à voir la diversité de leurs parcours et de leurs démarches : ils sont aujourd'hui photographes, artistes, responsables de centre d'art, iconographes, historiens de la photographie, enseignants, théoriciens, conservateurs... ; irriguant les différents territoires artistiques et intellectuels de l'image. A travers ces itinéraires singuliers, qui retracent trente ans de recherche et de création, apparaît en filigrane ce qui fait la spécificité de l'ENSP, seule école d'art en France entièrement vouée à l'enseignement de la photographie. | |
La mode des Années 1930 en images : l'occasion de découvrir le véritable âge d'or du glamour, où la mode ultra-féminine renoue avec des lignes près du corps. Un défilé de silhouettes montrant une étonnante diversité de styles, avec un raffinement dans les détails et une qualité de coupe caractéristiques de cette décennie contrastée où, sur fond de Grande Dépression, la nouvelle femme active cède aux sirènes du star-system et déploie en toutes occasions une élégance hollywoodienne. | |
Les plans-reliefs, maquettes historiques de villes fortifiées au 1/600, constituent un ensemble unique au monde à la fois royal et impérial, commencé à partir de 1668 sous Louis XIV et enrichi jusqu'en 1873. Conçus dans un premier temps à des fins militaires, ils permettaient, à travers la représentation des fortifications et de leur environnement, de préparer les opérations de guerre. Ils étaient aussi utilisés à des fins diplomatiques et de prestige : exposés jusqu'en 1777 dans la galerie du Bord-de-l'eau du Louvre, ils manifestaient la puissance de la France. Seize maquettes sont ici présentées, choisies parmi les plus spectaculaires, comme celle de Cherbourg qui s'étend à elle seule sur 160 m2. Rarement montrés au public, parfois même jamais sortis des réserves des Invalides, ces plans-reliefs, chefs-d'oeuvre esthétiques et techniques, ont été fabriqués à partir de relevés précis exécutés sur le terrain : les moindres détails sont l'exact reflet de la réalité. | |
L'invention de la photographie en 1839 a bouleversé notre représentation du monde. Au-delà des expérimentations techniques, c'est très vite l'invention de formes et de genres qui motivent les premiers photographes qui se découvriront auteurs. Ils inscrivent ainsi leur pratique aussi bien dans l'histoire de l'art que dans l'histoire des sciences, qu'ils accompagnent et révolutionnent. Ce premier volume d'une série de trois (La photographie ancienne, La photographie moderne, La photographie contemporaine), conçue à quatre mains par Christian Gattinoni et Yannick Vigouroux, propose une synthèse des courants et des idées qui ont animé la photographie durant la période 1839-1918. Abondamment illustré, il présente et analyse, selon une logique chronologique, les oeuvres des principaux opérateurs du XIXe siècle et du premier quart du XXe siècle, des inventeurs (Niépce, Daguerre, Bayard et Talbot) aux pictorialistes et différents courants précurseurs de la modernité. | |
Gerhard Richter (né en 1932) est unanimement considéré comme l'un des plus importants peintres encore en activité et a exposé dans les plus grandes institutions du monde. Connu tant pour ses tableaux figuratifs inspirés de la photographie que pour ses peintures abstraites, Richter associe de manière inédite des éléments empruntés à ces deux champs artistiques. Publié à l'occasion de cette vaste exposition rétrospective, fruit d'une collaboration entre la Tate Modern à Londres, la Nationalgalerie, Staatliche Museen à Berlin et le Centre Pompidou à Paris, ce catalogue embrasse toute la carrière de Richter. Réunissant les contributions de conservateurs et d'historiens de l'art, un nouvel entretien avec l'artiste, et près de 300 reproductions, il constitue l'ouvrage le plus complet sur l'oeuvre exceptionnelle de Richter. | |
Le musée d'Art Roger-Quilliot de Clermont-Ferrand a récemment retrouvé dans ses réserves une oeuvre présumée de Théodore Géricault [1791-1824] dont l'attribution (après sa brillante restauration et son examen par Lumiere Technology) est attestée par Bruno Chenique. Cette Tête d'étude d'après le modèle Sellant se rattache à la complexe et fascinante élaboration du Radeau de la Méduse, le tableau phare du Salon de 1819. A partir de cette redécouverte, une importante exposition réunit les études préparatoires, parfois inédites, de ce chef-d'oeuvre universel. Elle a pour ambition de mettre en lumière les lignes de force d'une démarche artistique originale, basée sur un travail sériel et fragmentaire. Les textes de ce catalogue explorent encore la problématique de la tête d'étude, l'influence de Michel-Ange et le rapport à l'Autre qui imprègne Le Radeau de la Méduse : cet hymne à la fraternité des peuples, véritable miroir des débats politiques qui ont alors lieu [la nécessaire abolition de l'esclavage]. | |
C’est un catalogue d’exposition : il reproduit toutes les oeuvres présentées au sein de l’accrochage Gleizes-Metzinger. Du cubisme et après. Celles des deux peintres – plus d’une soixantaine – et celles de membres de la Section d’Or (Survage, Lhote, Kupka… ), un groupe d’adeptes du cubisme qui se réunissait en particulier dans un atelier de Puteaux, dans les Hauts-de-Seine. Toutes les oeuvres… et même davantage. Un certain nombre de tableaux et de dessins d’Albert Gleizes et de Jean Metzinger ne figurant pas dans l’exposition apparaissent en effet dans l’ouvrage. C’est un catalogue d’exposition, et c’est aussi un livre d’art. Il s’ouvre notamment sur une longue interview de l’historien de l’art Serge Fauchereau. De remarquables textes racontent aussi le parcours des deux peintres, leur amitié, leur travail artistique, la rédaction commune en 1912 de Du cubisme, le livre qui a théorisé le mouvement cubiste (c’est la première fois qu’un ouvrage fournit une information et une documentation complète sur Jean Metzinger). | |
Cette publication est l'occasion de découvrir l'un des thèmes majeurs de la peinture symboliste de Gustave Moreau. Moins célèbre que Salomé, Hélène de Troie a portant retenu l'attention de l'artiste pendant près de vingt ans. S'inspirant bien entendu de la légende d'Homère, Moreau montre aussi à travers ce thème son érudition littéraire, en faisant appel à des auteurs aussi différents qu'Euripide et Goethe pour livrer sa conception originale du mythe d'Hélène de Troie. Source de débats et de controverses littéraires depuis l'Antiquité, la question de la responsabilité d'Hélène de Troie dans la guerre de Troie est à nouveau posée par l'artiste quand il expose Hélène sur les remparts de Troie en 1880 lors du dernier Salon de sa carrière. Hélène serait innocente, simple instrument du destin. Gustave Moreau rejoint alors une conception romantique développée par Goethe dans Le Faust selon laquelle Hélène de Troie serait le symbole de l'éternel féminin. | |
Publié à l'occasion de l'exposition La Triennale, Intense Proximité au Palais de Tokyo en 2012, ce catalogue rend visible l'extraordinaire vitalité du paysage artistique actuel et crée un espace de générosité intellectuelle favorable aux rencontres entre le proche et le lointain. | |
Ce constructeur (comme il se définissait lui-même) de génie qui continue d'influencer les architectes et designers du monde entier, est toujours resté fidèle à sa ville. Héritier direct de l'Ecole de Nancy, dont son père Victor Prouvé était l'une des figures majeures et son parrain Emile Gallé, le fondateur, Jean Prouvé adoptera et mettra en pratique les principes fondamentaux hérités de ce mouvement : le goût de l'expérimentation, le soin du détail, la maîtrise du matériau, le besoin de création collective. Il les conservera tout au long de sa carrière. | |
Les rapports étroits et ambigus que Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) entretint avec les arts – qui, selon lui, vont de pair avec le luxe et la corruption des mœurs (Discours sur les sciences et les arts) – révèlent des aspects fort intéressants, et encore peu exploités, de sa personnalité, de son œuvre et de son temps. C’est donc à une redécouverte de l’homme et de l’écrivain, dont on célèbre en 2012 le tricentenaire de la naissance, que nous invite ce catalogue publié à l’occasion de l’exposition « Rousseau et les arts » organisée au Panthéon. | |
La production de portraits sculptés de Jean-Jacques Rousseau a connu une nette croissance pendant la décennie révolutionnaire les années 1790, en raison de la popularité du modèle et de l'influence des idées de l'auteur du Contrat social au sein du nouveau processus politique. Les souscriptions, décrets et concours potin une statue monumentale du philosophe, ainsi que les fîtes en son honneur et la translation de ses cendres au Panthéon en 1794, suscitèrent l'activité des sculpteurs jusqu'en 1798. Pour mieux comprendre cet engouement, il est indispensable de revenir aux bustes diffusés, peu après la mort de Rousseau en 1778 par Jean- Antoine Houdon, à partir de son masque mortuaire garantissant une authenticité dont le maure se prévaudra sans cesse. Ce portrait canonique, multiplié par la gravure à la fin de l'Ancien Régime, a largement préparé les esprits, permettant l'effervescence des années révolutionnaires autour de l'image sculptée de Rousseau sur lequel cet ouvrage fait le point à l'occasion du tricentenaire de sa naissance. | |
Jessica Stockhholder est une artiste américaine née en 1959 à Seattle. Depuis le début des années 1980 elle développe sa recherche à partir de matériaux et d’objets divers qu’elle choisit selon des critères très simples : ils sont directement utilisables, immédiatement disponibles et le moins cher possible. Ainsi, table, vase, seau, fils nylon et électrique, tapis, tissus, verre, bois, plastique, et autres sont autant d’éléments très concrets que l’artiste agence et relie pour créer ses installations. Guidée par les qualités de matières, de formes et de couleurs des objets, Jessica Stockholder parvient à les faire coexister. L’artiste essaie de donner une logique au chaos, à l’imprévu et au désordre à l’intérieur de la composition. Ce dialogue entre des zones qualitativement distinctes donne à ses installations une unité spatiale proche de la peinture. Les objets perdent leurs identités fonctionnelles dans un mouvement qui va du concret à l’abstrait. ? | |
L'artiste portugaise Joana Vasconcelos, née en 1971 à Paris, est l'invitée en 2012 du château de Versailles. Après l'américain Jeff Koons, le japonais Takashi Murakami, les français Xavier Veilhan et Bernar Venet, elle sera la première femme, la plus jeune artiste aussi, à occuper les lieux. Sa démarche s'inscrit dans la réappropriation d'objets du quotidien qu'elle s'ingénie à transformer à l'aide de techniques inventives et inattendues héritées du ready made et du Pop Art. Ces déplacements produisent des œuvres hybrides réalisées avec les matériaux et l'artisanat de son pays, azulejos, " crochet " : elles sont cousues, soudées, dorées... En un mot, l'objet d'une métamorphose. Ce livre rassemble autour d'un essai rétrospectif d'Elisabeth Lebovici les pièces majeures de son œuvre. Les reproductions des œuvres installées à Versailles y seront également reproduites. | |
Les hommes pratiquent l'art paysager autour de la Méditerranée depuis plus de 30 000 ans. Aujourd'hui, paysagistes, jardiniers et artistes s'inspirent de ces sites et des savoir-faire anciens, comme de la biodiversité exceptionnelle de ces régions, pour expérimenter un land art nouveau, écologique et humaniste. De Andy Goldsworthy à Gilles Clément, de Ian Hamilton Finlay à Nicole de Vésian, de Fernando Caruncho à Heidi Gildemeister, cet ouvrage nous emmène au Maroc, en Italie, en Espagne, en Grèce, à la découverte de ces créations méditerranéennes uniques. | |
Etre éditeur, c'est avoir le privilège de avec eux des personnages exceptionnels et de développer avec eux des relations qui échappent vite aux sujets professionnels. Plus rare encore, si l'éditeur est sensible au devenir de ses projets, c'est le plaisir de voir l'évolution d'une maquette, d'une typographie. C'est, par exemple, d'admirer l'aptitude d'Alain Le Poil à s'approprier les caractéristiques d'une marque ou les particularités d'un texte. Toute sa carrière de dessinateur de presse ou d'illustrateur est conventionnelle, par cette façon de se distancier d'une approche conventionnelle, qu'il s'agisse d'une campagne de publicité, d'une page de magazine ou de la promotion d'un produit. Pour en donner une version non-vue, surprenante, donc d'une rare efficacité. Mais l'examen de son oeuvre montre bien le chemin qu'il a suivi. Au fil des ans, il s'est délesté de toute anecdote, de toute narration pour aller vers l'essentiel, vers l'analyse plastique des formes qui l'ont toujours hanté, la terre et ses rochers, la mer et ses falaises, les fleurs qu'il a magnifiées. Pour en fin de carrière, être ce qu'il a toujours voulu être, un artiste libre de toute contrainte, ce qu'il a parfaitement réussi. | |
Cet ouvrage est publié à l'occasion de l'exposition présentée au musée Denys-Puech à Rodez, du 22 juin au 28 octobre 2012. K. Schwitters, peintre allemand, fut proche du mouvement dada, avant de créer en 1919 son propre mouvement, Merz. Il a travaillé autour du collage jusqu'à aboutir à une oeuvre monumentale en 1923. R. Johnson, artiste américain, fut le pionnier de l'art postal. Des oeuvres de ces deux artistes, issues de collections privées, sont réunies à l'occasion de cette exposition. | |
A seize ans, Artemisia Gentileschi est la seule apprentie de sexe féminin dans le quartier des artistes : un statut exceptionnel dans la Rome baroque du XVIIe siècle, un monde d'hommes où la concurrence entre les peintres reste terrible. Fille d'Orazio Gentileschi, lui-même peintre réputé, elle devient plus célèbre pour le scandale d'un viol et du procès retentissant qu'elle ose intenter à l'homme qui l'a déshonorée, que pour son talent. L'une des plus grandes femmes peintres de l'histoire devra attendre trois siècles avant d'être à nouveau reconnue et universellement appréciée. Aujourd'hui la puissance de son vocabulaire pictural lui assure enfin une juste renommée. | |
À plusieurs reprises, on s'est déjà intéressé aux jeux de l'ombre et de la lumière chez Victor Hugo comme à son activité graphique indissociable du noir de l'encre. Mais sans doute n'a-t-on pas mesuré quelle puissance génératrice a chez lui l'obscur qui semble être l'équivalent d'une matière noire, tout aussi déterminante dans son oeuvre littéraire que dans son oeuvre graphique. Jusqu'à lester l'une et l'autre d'une gravité inédite qui les travaille pareillement de l'intérieur. S'ensuivent ce que j'appelle les arcs-en-ciel du noir irradiant pour mieux la déployer une inimaginable palette de thèmes et de points de vue qui paradoxalement apparaissent à cette nouvelle lumière venue des profondeurs pour redessiner le paysage poétique, dramatique, social, politique... c'est-à-dire l'horizon tout entier. Si cette exposition a pour objet de faire apparaître quelle interaction décisive s'opère chez Hugo entre ce qui s'écrit et ce qui se dessine, elle se propose aussi de montrer de quelle façon celui-ci revient continuellement à cet élément noir comme à autant de répliques souterraines de l'arc-en-ciel pour y puiser sa force de transfiguration à l'origine d'une " énormité poétique " qui n'a pas fini de nous sidérer. | |
La réputation d'Eugène Isabey (1803-1886) n'a guère connu d'éclipse : l'abondance de son oeuvre a assuré sa postérité sans nécessiter un procès en réhabilitation. Fils de Jean-Baptiste Isabey (1767-1855), le plus célèbre des miniaturistes de l'Empire, Eugène sut imposer avec fougue son prénom : à la précision et à la suave délicatesse de l'un, l'autre répondit par la richesse de sa palette et la générosité de sa touche. En dramaturge romantique, Eugène Isabey orchestra d'emblée d'immenses scènes de naufrage. Parallèlement, il emprunta le goût des costumes anciens à la littérature de son temps et remporta un vif succès auprès des collectionneurs grâce à ses évocations historiques. Fondé sur les richesses du département des Arts graphiques du musée du Louvre, ce volume s'attarde moins sur cette production de cape et d'épée que sur l'exploration inédite des rivages normands et bretons. | |
Ce livre raconte comment, à plus d’un siècle d’intervalle, deux personnalités ont su comprendre leur époque et s’appuyer sur les possibilités qu’elles offrent : sous le Second Empire, Louis Vuitton développe son entreprise d’« emballeur » de modes dans un Paris en pleine expansion. Marc Jacobs, directeur artistique depuis 1997, se réapproprie quant à lui les codes culturels de la marque tout en les détournant, incarnant à la perfection le modèle type du créateur contemporain. | |
Peu de progrès furent réalisé en matière d'éclairage de l'Antiquité jusqu'au XVIIe siècle. En Occident, on continuait à s'éclairer aux chandelles de suif ou de cire, grasses et fusibles, à la flamme aussi tremblante et fumeuse que la traditionnelle lampe à huile. Avant qu'en 1784, Ami Argand n'invente le bec à double courant d'air, que Carcel en 1800, ne mécanise la montée de l'huile, que Franchot en 1837, n'y mette le point final en régulant le débit, que l'on maîtrise l'usage de nouveaux combustibles, pétrole, essence, gaz de ville ou acétylène, de divers alcools ; parallèlement à la lampe à huile trois procédés d'éclairage furent utilisés selon les régions et les catégories sociales : la torche, l'éclat de bois résineux ou la moelle de jonc séchée, la chandelle de suif ou la bougie de cire. | |
Picasso ? L'inclassable, l'artiste à l'oeuvre profuse et insondable...? Une femme arpente cet immense territoire en suivant une piste toute personnelle : celle des femmes et des toros qui le peuplent. En s'attachant plus particulièrement aux années avec Françoise Gilot, son avant-dernière compagne, avec qui il partagea dix années de vie (1943-1953) et qui lui donna deux enfants, Claude et Paloma. La place de Françoise dans l'oeuvre de Picasso a toujours été un peu boudée par les critiques : peut-être parce qu'elle fut la seule femme à oser le quitter. Pourtant pendant ces années, Picasso se risque à des aventures artistiques originales, explorant de nouveaux supports, de nouvelles modalités, un nouveau langage formel. Au lendemain de la guerre, le couple choisit de s'installer sur la côte d'Azur. | |
Initié très tôt aux arts plastiques par son père et son grand-père, Álvarez Bravo interrompt ses études à l'âge de treize ans, époque où il reçoit en cadeau son premier appareil photographique. Il exerce différents métiers, en ne cessant d'approfondir sa technique photographique avec du matériel rudimentaire et en s'initiant aux courants et tendances artistiques de son temps. Dès 1927, il ouvre une modeste galerie dans son appartement de México où il expose notamment Frida Kahlo et Diego Rivera. Il est très vite remarqué par la critique internationale et se lie d'amitié avec de nombreux photographes dont Edward Weston, Paul Strand, Henri Cartier-Bresson. | |
Jupiter au secours de Latone, Pluton enlevant Proserpine, Diane au bain, Iphigénie sacrifiée... C'est tout un peuple de statues qui prend vie sous la plume du conservateur Alexandre Maral et l'objectif de la photographe Sophie Lloyd : Apollon, Hercule, Castor et Pollux, Achille, Ulysse, Didon, dragons et amazones, faunes et sylvains, nymphes et naïades... Les jardins du château de Versailles abritent, autour de leurs parterres et sous les ombrages de leurs bosquets et de leurs allées, des chefs-d'œuvre de la sculpture ; mais dans quelle mesure savons-nous les identifier et les interpréter ? Que nous racontent-elles ? Que viennent faire les dieux de l'Olympe et autres créatures humaines et fantastiques dans le parc du Roi Soleil ? Pourquoi un tel programme élaboré sous l'égide de Louis XIV et de son jardinier André Le Nôtre ? Riche d'une introduction historique sur l'élaboration du parc de Versailles, ce livre invite, sous la forme d'une promenade agrémentée de récits, à la découverte approfondie d'une trentaine des statues. Illustré d'exceptionnelles photographies d'ensemble et de détails, il se complète d'un plan des jardins. | |
Le musée de la Vie romantique s'associe au Cooper Hewitt, National Design Museum de New York pour présenter sa remarquable collection de quelque quatre-vingts "vues d'intérieurs" du XIXe siècle, réunies par le célèbre collectionneur Eugene Thaw qui les lui a offertes en 2007. L'exceptionnelle qualité et la richesse inattendue de cet ensemble d'aquarelles et gouaches sur papier invite à pénétrer dans l'intimité des intérieurs européens les plus raffinés. L'évolution du goût doit alors beaucoup à l'émergence d'une société nouvelle, confrontée, après le siècle des Lumières et la Révolution française, à d'ambitieux défis politiques, économiques et sociaux. A travers toute l'Europe - France, Angleterre, Allemagne ou Autriche - mais aussi jusqu'en Russie, voire en Amérique du Nord, s'impose un genre pictural trop longtemps considéré comme mineur, et pourtant très séduisant : celui de la "vue d'intérieur". | |
Né en 1968 à Volkel (Pays Bas), Mark Manders est sculpteur. Ses sculptures et installations intègrent la terre, le métal peint, les éléments de mobilier, le journal, la figure et les mots puisque le travail est aussi une sorte d’encyclopédie personnelle. À l’origine, Mark Manders vient de l’écriture et son travail apparaît comme une sorte de récit continu entrepris en 1986 sous le nom de Self-portrait as a building, un autoportrait mis à distance dans un monde parallèle. Les œuvres sont mises en forme lentement et peuvent être reprises. Tout au long de ces années, Mark Manders a constitué un vocabulaire immédiatement identifiable où se côtoient murs en briques, cheminées d’usines, animaux, personnages, sachets de thé. Souvent plus petites que le réel qu’elles évoquent, ces œuvres interrogent tant la question de l’échelle que la tradition de la sculpture et la position de la figure humaine dans un univers énigmatique et fascinant. Les assemblages surprenants placent immédiatement le spectateur dans la position du rêveur éveillé qui entre dans un univers qui, bien que figuré, est entièrement mental. L’exposition de Carré d’Art est la première exposition monographique consacrée à l’œuvre de l’artiste en France. | |
C'est à partir de l'exceptionnelle collection de papiers gouachés découpés du musée Matisse de Nice - "le ciel découpé", disait Aragon -, que se développe la réflexion des auteurs. Cet ensemble remarquable témoigne du travail accompli par Matisse, à la fin de sa vie, face au défi que fut le projet de la chapelle du Rosaire de Vence (1947-1951). La technique du papier découpé, synthèse idéale entre le dessin, la sculpture et la peinture, devient alors l'expression même de ses recherches sur la ligne et la couleur. Ce livre très illustré et documenté, catalogue de l'exposition du musée Matisse, nous invite à admirer cette exploration plastique nouvelle du grand artiste qui déclarait : "En créant ces papiers découpés et colorés, il me semble que je vais avec bonheur au-devant de ce qui s'annonce". | |
Cet ouvrage, consacré à l'artiste italien Maurizio Nannucci, présente l'exposition dédiée au travail qu'il a commencé à partir de 1967 sur l'écriture, la couleur et la lumière. Pour lui, « écrire avec le néon permet avant tout de mettre les pensées et les mots en lumière, de leur donner des couleurs propices à l'imagination ». L'écriture en tant qu'image autonome est constamment modifiée sous des aspects linguistiques, conceptuels et perceptifs. Ainsi, son travail d'installation en néon confère au texte une qualité à la fois plastique et immatérielle, mis en valeur par la monumentalité de la salle centrale qui lui a été proposée au Musée d'Art Moderne de Saint-Étienne, offrant une nouvelle forme d'installation murale dans des dimensions impressionnantes, inédite et produite pour l'occasion. | |
Georges Wolinski est un des dessinateurs français les plus publiés, avec une centaine d'albums dans des domaines aussi variés que le dessin d'humour, la politique, la bande dessinée, des livres de textes aussi, comme ses pensées ou des recueils sur des thèmes divers. Mais aucun ouvrage synthétique ne rassemblait jusqu'ici l'essentiel d'une oeuvre abondante et variée: dessins de jeunesse inédits, dessins de presse, illustrations, scénarios, affiches publicitaires et culturelles, carnets de croquis, oeuvres classiques et plus personnelles. Réuni dans cet ouvrage, l'ensemble met en lumière la personnalité complexe d'un homme qui a puisé dans son enfance à Tunis, dans ses lectures des romans d'action, de BD et dans les séances de cinéma où il admirait les belles actrices américaines la matière d'un monde imaginaire qui ne le quittera jamais. Ses débuts en tant que dessinateur ont été influencés par Harvey Kurtzman et Albert Dubout, un goût pour l'absurde et l'étrange, propre à l'esprit surréaliste, et les dessinateurs de la revue américaine Mati. | |
Le musée du Jouet de Poissy (Yvelines) présente la première exposition rétrospective consacrée aux jouets imaginés par André Laclôtre dit André Hellé (1871-1945). Conçue avec Béatrice Michielsen, co-fondatrice de l'association Les Amis d'André Hellé, et créatrice de jouets elle-même, l'exposition Drôles de jouets ! entend témoigner de la modernité de ses jouets de bois. L'exposition se fait l'écho d'un double anniversaire : le centenaire de son album icônique Drôles de bêtes édité par Tolmer et celui de son jouet emblématique, l'Arche de Noé et ses 24 animaux en bois, commercialisé dès 1912 par les Grands Magasins du Printemps et conservé notamment dans les collections du musée du Jouet. | |
Mini Graphics, a stunning presentation of quirky, innovative graphics in a mini format. Presenting examples of work created by leading studios, this inspirational volume includes interviews and information about each designer and client with a description of the individual design concept and creative process behind each project. | |
La photographie a tout juste dix ans, quand une génération d'hommes et de femmes réunis sous l'égide de Gustave Le Gray, peintre, chimiste, « photographiste », inventeur, impose un nouveau langage artistique en complète rupture avec les traditions héritées de la Renaissance. Accueillis dans une grande maison-phalanstère aux limites de Paris par un maître bienveillant, ces pratiquants du nouvel art, amateurs issus de l'aristocratie ou de la bourgeoisie aisée pour la plupart, conçoivent d'instinct l'identité irrévocable du nouveau médium. Tant dans la construction des images que dans le traitement du sujet, leur style reconnaissable autorise le concept d'école. Dans cette période si féconde des débuts du Second Empire (1850-1860), et bien avant les audaces célébrées de l'impressionnisme, les photographes du cercle de Le Gray sauront préfigurer la vision révolutionnaire du siècle suivant. | |
Son nom suffit à évoquer l’Ailleurs, le voyage, l’immensité des steppes, les galops des cavaliers nomades, les yourtes… La nouvelle exposition du musée Albert-Kahn plonge le visiteur dans l’univers menacé de la Mongolie du début du 20e siècle. Si le mode de vie nomade est toujours d’actualité aujourd’hui, bon nombre des autres réalités captées par l’objectif de Stéphane Passet en 1912 et 1913 seront vite balayées par la marche de l’Histoire. Dans cette région dominée par les deux géants que sont la Chine et la Russie, les révolutions sont en marche et bientôt la face du monde sera changée. | |
Cet ouvrage est la rétrospective de 10 années de création et d'installations, d'une décennie d'expositions originales à Châteaubourg. En 100 photographies, vous découvrirez des œuvres insolites, avec une année "Anniversaire", 2012, poétique et bigarrée. L'action de mécénat a débuté en 2003 et elle est devenue durable par l'engagement de 18 Entrepreneurs ; véritable tremplin pour des artistes contemporains. Une belle aventure artistique et une initiative de mécénat originale : financer une exposition annuelle de sculptures monumentales dans le merveilleux par d'Ar Milin" en Bretagne. | |
Cet ouvrage vous propose de découvrir un large choix de motifs autour du monde du fantastique. Ce thème qui dépeint un monde magique et surnaturel, propose des créatures immatérielles, des monstres et de terrifiantes bêtes, issus des contes de fées, des mythes anciens et des légendes. Ces dessins se prêtent aussi bien à la broderie qu'ils inspireront les adeptes de la peinture sur tout support, de l'appliqué, de la gravure, ou plus exactement de toute activité qui démarre par un dessin. | |
Cet ouvrage vous propose de découvrir un large choix de motifs autour de l'art oriental : fleurs, végétaux, oiseaux et personnages, issus de l'art persan, chinois et japonais. Ces dessins se prêtent aussi bien à la broderie qu'ils inspireront les adeptes de la peinture sur tout support, de l'appliqué, de la gravure, ou plus exactement de toute activité qui démarre par un dessin. | |
Du XVe siècle à nos jours, de Dürer à Rembrandt, Piranèse à Hernandez, Picasso à Bellmer, de Yersin à Akira Abé, cette exposition souhaitée par Cécile Reims à l’occasion de la parution du catalogue raisonné de son œuvre gravé (Cécile Reims, l’œuvre gravé, 1949-2011, éditions Cinq Continents, Musée Jenisch, Vevey, 2011), trace une filiation des Maîtres de la gravure d’autrefois à ceux qui, aujourd’hui encore, à l’écart des projecteurs d’une modernité effrénée, attachée à bousculer le regard, œuvrent de la main du graveur à celle du taille-doucier, dans le silence et la patience afin que l’art demeure le médiateur de l’indicible. | |
Paul Delaroche a exercé son talent dans de nombreux genres, grandes décorations, peinture religieuse et portraits ; mais il est surtout connu pour ses évocations historiques se concentrant sur des épisodes dramatiques de la Renaissance et du XVIIe siècle, choisis plus spécifiquement dans l'Histoire de la France et celle de l'Angleterre, comme L'Exécution de Lady Jane Grey (National Gallery de Londres) reproduite dans cet ouvrage et exceptionnel-lement prêtée pour cette exposition. Le don de l'évocation historique se conjugue dans ses dessins avec un graphisme de haute qualité. Ses portraits n'ont rien à envier à ceux d'Ingres dans leur empathie à l'égard des modèles. | |
Conques, par le détroit gris-blanc des vitraux de Pierre Soulages, des Ténèbres jusqu'à l'insoutenable Lumière, se prépare une expérience fondamentale. Architecture temporelle de noirs, obscure clarté des gris nocturnes, entre chien et loup et jusqu'aux couleurs de l'habitude, le champ visuel n'est que couleurs. Les yeux fermés, l'étonnement ! Fond bleu nuit, liseré pourpre en forme de vitrail, au centre un jaune d'or presque uniforme, puis les couleurs changent, vert saturé se transforme en jaune migrant vers le haut, ou encore bleu de Prusse puis outremer, pourpre-violet en son milieu, ocre, bleu, indigo, orange, rose. | |
Les œuvres présentées par Perturbations ont été réalisées par une trentaine d’artistes, jeunes talents et artistes confirmés, français et étrangers. En confrontant les générations et les styles, elles donnent un aperçu de la création céramique et verrière contemporaine. Sur les trois niveaux de l’Hôtel de Cabrières-Sabatier d’Espeyran, Perturbations vient bousculer les œuvres anciennes de l’hôtel particulier, en proposant une mise en perspective de la céramique utilitaire et de l’argenterie des vitrines du rez-de-chaussée, ou se fondant dans les décors des étages. Dans ce lieu aux décors opulents et somptueux, les œuvres contemporaines de Perturbations, qui s’égrènent au fil du regard, jouent du contraste ou de l’harmonie dans ce cadre raffiné. Parfois ludiques, caustiques, impétueuses ou provocantes, elles aspirent toutes à chahuter la sérénité de l’illustre demeure bourgeoise. | |
Parsemé de schémas et d'illustrations, ce manuel propose des descriptions concises et fournit toutes les clés fondamentales, de la théorie à la pratique. Compilé par des graphistes pour des graphistes, un condensé de connaissances concrètes et de conseils. | |
La photographie s'est immiscée dans tous les aspects de la vie de Gustave Courbet, comme dans celle de la plupart de ses contemporains artistes : dans sa vie privée - les fréquents envois à sa famille de ses portraits photographiques et des reproductions de ses oeuvres, à ses amis et à ses nombreuses relations sentimentales ; le très significatif envoi d'un stéréoscope et de soixante photographies à ses soeurs -, dans sa vie publique - rare-ment, jusqu'ici, un artiste n'avait été à ce point livré au public et à l'opinion par l'intermédiaire, entre autre, de la photographie -, et dans sa vie artistique - les usages, avérés dans quelques cas significatifs, ou très souvent supposés, de photographies comme sources d'inspiration pour ses tableaux. Courbet fut, comme Delacroix, un des artistes importants ayant eu avec la photographie un rapport fort et original. Certes, si, à cette époque, se faire photographier, entre-tenir des relations avec des photographes, fussent-ils renommés, ou utiliser des photographies pour réaliser des tableaux n'étaient pas des attitudes nouvelles, la réitération, durant toute une vie d'artiste, de ces pratiques - soumises elles-mêmes à de multiples variations - et le discours parfois explicite tenu sur la photographie par l'un des principaux maîtres du réalisme pictural méritaient, à l'évidence, d'être étudiés. | |
Artiste incontournable de la seconde moitié du XXe siècle, Paul Rebeyrolle a développé pendant plusieurs décennies une œuvre organisée par séries successives, interrogeant sans compromission la nature, le politique, la société et ses travers. Violent, passionné, irréductible aux modes et aux usages, son travail assigne à l'art une mission essentielle : celle de faire surgir sur la toile la réalité même, hors de toute concession au bon goût, avec une soif de liberté qui ignore les limites. La violence du monde n'a d'égale que la violence faite à la représentation elle-même ; l'artiste s'approprie tout ce qui passe à sa portée : tissus, grillages, colles, cartons, qui révèlent une beauté rageuse devant laquelle le spectateur ne saurait conserver une position confortable, ni rester en retrait. La peinture de Rebeyrolle, au sens propre, s'expose, et embarque avec elle celui qu'elle croise. Elle rejoint en cela la lignée des grands peintres tant admirés de l'artiste : Rubens, Courbet, Géricault, Caravage, dont la puissance évocatrice bouleverse la contemplation. | |
Peintre et aquafortiste, Rembrandt est également un dessinateur d'un talent exceptionnel, utilisant les techniques les plus variées et abordant les thématiques les plus diverses. Le fonds de l'Ecole des Beaux-Arts se compose de figures exécutées « sur le vif » à différentes époques de la vie del'artiste, à la pierre noire, à la plume, encre brune ou au lavis brun, d'une étonnante plasticité. Il comporte également des paysages, les Bords de l'Amstel et la Vue d'une ferme par exemple, qui rendent compte des promenades de Rembrandt à Amsterdam et dans les environs. Le Cabinet Jean Bonna fait un état des lieux, par cette exposition, des travaux de réattribution des oeuvres de Rembrandt menés depuis les années 1950 par les plus grands spécialistes. Réunis grâce à la générosité de quelques donateurs, comme Armand-Valton, Léon Bonnat ou surtout Jean Masson, ces dessins ont été publiés par Frits Lugt en 1950 dans son inventaire consacré à l'école hollandaise de cette institution. | |
Les rêves d’Orient du XIXe siècle sont le fruit d’une longue évolution du goût qui s’amorce dès le Moyen-Âge. Les charmes de Byzance et des pays musulmans n’avaient pas échappé aux Croisés qui avaient ramené au pays de nombreuses innovations artistiques, scientifiques et culinaires. Les XVIIe puis surtout le XVIIIe siècle jette les bases du futur mouvement orientaliste : la visite en France de l’ambassade de Turquie en 1720 aura une influence majeure dans les arts plastiques (Liotard, Van Loo, Fragonard), la littérature et le théâtre où les turqueries dépeignent une civilisation opulente, parfois cruelle, mais sage et magnanime (Zaïre de Voltaire, les Lettres Persanes de Montesquieu, Le Bourgeois Gentilhomme de Molière, La Caravane du Caire de Grétry, La Belle Esclave de Philidor etc.). | |
Avec les danseuses et les chevaux, les femmes nues à leur toilette constituent l'un des principaux sujets de l'oeuvre d'Edgar Degas (1834-1917), inlassablement repris pendant plusieurs décennies. Loin de se répéter, Degas exploite toute la richesse du thème, associée à diverses techniques, peinture, sculpture, dessin et surtout pastel. Il s'émancipe très vite de sa formation traditionnelle fondée sur la pratique du nu pour représenter les femmes nues de son temps dans toute leur vérité, du quotidien souvent trivial jusqu'aux scènes de bordel. A la fin de sa vie, il dépasse cette perception naturaliste du monde pour se concentrer sur des recherches purement plastiques, dans à une liberté formelle radicale, un style dont la modernité inspire les jeunes artistes du début du XXe siècle tel Picasso. | |
La sculpture des peintres est un des phénomènes les plus intéressants de l'art du XIXe siècle et encore plus du XXe siècle, d'autant que depuis la Renaissance la spécialisation des arts ne permettait pas à celui qui maniait le pinceau de tenir l'ébauchoir. L'aventure de la sculpture de 1850 à 1950 (dates retenues pour cette exposition) ne pourrait être racontée sans recenser le nombre important de peintres qui ont consacré, à un moment de leur vie, leurs réflexions dans ce domaine qui leur était apparemment inconnu. | |
Vous arrivez devant les toiles d'Anne Slacik avec une mémoire qui vous rassure mais dont vous ne mesurez ni l'ampleur ni la précision. Vous en attendez qu'elle facilite l'accueil de ce que vous allez voir parce qu'elle vous armera d'une reconnaissance. Vous oubliez que l'on n'a jamais vu ce que l'on voit dans l'instant où le regard vous en dévoile la présence. Vous vérifiez cela tout de suite en perdant mesure et mémoire devant des jets de lumière blanche et des horizons bleus. Vous voyez des brassées de couleurs, des masses d'air saisies à bras-le-corps et jetées là pour en finir avec la platitude et créer du volume. Vous percevez vivement ces mouvements, ce combat. Vous les voyez et ne les voyez pas, bien qu'ils dansent justement dans votre regard tandis que tout l'espace de la toile se lève. Vous êtes parmi des comètes nuageuses et des tourbillons blancs. | |
Publié à l'occasion de l'exposition Survage, les années Collioure : 1925-1932, Musée d'art Moderne de Collioure (16 Juin - 30 Septembre 2012). Entre 1925 et 1932, Léopold Survage effectue plusieurs séjours à Collioure, port méditerranéen où Matisse et Derain, quelques années auparavant, ont produit quelques-uns des chefs-d'œuvre du fauvisme. Il s'éloigne alors du cubisme et de l'abstraction de ses débuts. La lumière et l'architecture si caractéristiques de la ville déterminent ses peintures et dessins de pêcheuses, taureaux échappés, bouviers, paysages... À Collioure, Survage revisite le mythe de la femme méditerranéenne tour à tour porteuse, marchande de poisson, rêvant à la fenêtre... Ce catalogue, avec un chronologie très complète de Daniel Abadie, présente la première étude des œuvres des "années Collioure" à travers lesquelles Survage fait ressurgir la tragédie et les allégories antiques. | |
Issue d’une famille d’artistes, Suzanne Lalique-Haviland (1892-1989) débute sa carrière de décoratrice aux côtés de son père, le célèbre maître verrier René Lalique, pour lequel elle exécute de nombreux dessins préparatoires. Remarquée par le couturier et mécène Jacques Doucet qui lui achète ses premiers paravents, Suzanne Lalique appartient à cette génération d’artistes dont le dynamisme et l’élan créatif sont reconsidérés à l’occasion du premier conflit mondial et qui participent dès l’issue de la guerre au bouillonnement artistique des Années folles en France. Le talent de cette décoratrice française s’exprime dans de nombreux domaines, du textile à la décoration intérieure, du verre pour la maison Lalique à la porcelaine pour la manufacture de Sèvres puis pour la manufacture Théodore Haviland à Limoges. Curieuse et intuitive, puisant son inspiration aux sources de sa vie quotidienne et affective, l’artiste élabore très vite un répertoire personnel de motifs qui participe d’un véritable Style Suzanne Lalique. | |
Dès 1965, l'Institut universitaire d'architecture de Venise devient le centre d'un nouveau courant critique animé par Carlo Aymonino et Aldo Rossi qui, sous l'influence du mouvement structuraliste, revendique une approche linguistique de l'histoire de l'architecture, à travers les concepts de typologie architecturale et de morphologie urbaine. En 1973, l'exposition "Architettura razionale", à la Triennale de Milan, formalise ce retour vers l'histoire qui, loin de l'abstraction du modernisme et de toute idée d'avant-garde, s'imposera comme une simple tendance, la Tendenza. | |
Ce catalogue porte un regard sur la manière dont le peintre sublime ses sujets, à l’image d’un instantané presque photographique. Au travers de compositions savantes, par le jeu de cadrages d’une étonnante frontalité, le peintre propose des sujets dont l’anecdote est bannie. Dans ses paysages, dans ses portraits mettant en scène des êtres habités et rêveurs, Van Rysselberghe utilise une subtile « alchimie de couleurs » qui contribue à transcender l’instant présent. Les quelque quatre-vingt-dix œuvres reproduites, dont certaines inédites, montrent les grandes étapes stylistiques de l’artiste : du réalisme à l’impressionnisme en 1886, de l’adoption de la touche divisionniste en 1888 jusqu’à son apogée à la fin des années 1890, le choix d’un style plus personnel à partir de 1903 et un retour vers le classicisme à partir des années de guerre. Des dessins mettent en exergue les liens qu’il entretient avec le milieu intellectuel de l’époque : les peintres Paul Signac, Maurice Denis, les poètes et écrivains Émile Verhaeren, André Gide ou le compositeur Georges Flé. | |
Comme beaucoup d’autres artistes, le peintre français Tobeen (1880-1938) quitte Bordeaux pour s’installer à Paris en 1907 ; il suit de près l’évolution du cubisme comme cela apparaît clairement dans son oeuvre. Il trouve son style personnel, un réalisme poétique dont les thèmes et les sujets sont puisés dans sa terre natale du Bordelais, mais aussi du Médoc et du Pays Basque. En 2012, une rétrospective a été présentée au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux et au Musée Flehite d’Amersfoort (Pays-Bas). La présente monographie souligne l’importance de Tobeen, peintre du style parallèle (proche du cubisme de Picasso et de Braque) et entend le faire connaître au grand public. | |
L'ouvrage fait la part belle à une large iconographie illustrant le travail de céramiste de l'artiste à la manufacture Henriot. Outre une biographie détaillée replaçant l'importance de la création céramique dans l’œuvre de l'artiste, un texte sur la peinture de Jim Sévellec et un texte de "souvenirs" de René Le Bihan (ancien conservateur du Musée des beaux-arts de Brest) ajoutent à la connaissance de l'homme. De plus, une liste judicieuse et ô combien utile pour les amateurs et collectionneurs figure en fin de volume. Cette liste, dont c'est à ma connaissance la première publication, reprend a priori in extenso l'ensemble des œuvres créées par Sévellec pour la manufacture Henriot. | |
Les quelque 600 images de ce livre, vous feront traverser cent ans d'histoire des marques et de la publicité automobile. Parmi des milliers de documents, l'auteur a sélectionné des dépliants, des catalogues, des annonces de presse, des affiches, des panneaux publicitaires et aussi des photos d'événements comme les concours d'élégance et les Salons de l'automobile. Ce livre raconte en images et anecdotes, non pas les progrès techniques, bien des ouvrages les ont déjà traités, mais plutôt l'avancée progressive de la communication entre les constructeurs, les fabricants d'accessoires et les futurs acquéreurs d'une automobile. Il ne faut pas oublier qu'au début du siècle dernier il fallait choisir la marque de son moteur, puis aller chez un carrossier qui fabriquait du "presque sur-mesure". Le véhicule était ensuite équipé d'accessoires, de roues, de pneus, de sièges, d'où la profusion de publicités pour chaque élément. Il faut absolument lire quelques textes des annonces pour réaliser combien le langage publicitaire a évolué, il était dans le passé étonnamment "élitiste", ne s'adressant qu'à une couche très aisée de la population, les arguments pour séduire étaient l'élégance et la vitesse ; Aujourd'hui on parle plus souvent d'économie de carburant, de prix et de confort intérieur. Les temps ont changé : L'automobile et la publicité aussi !. |
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