Antilopes, chats, ours et panthères, éléphants, ibis et oiseaux d'or: exceptionnel par son propos et par sa volonté de remettre sur le devant de la scène la sculpture animalière du XXe siècle, cet ouvrage du musée des Années Trente de Boulogne- Billancourt présente une centaine d'oeuvres des plus grands noms de l'histoire de l'art: de Bourdelle à Bugatti, de Calder à Giacometti en passant par Arp, Duchamp-Villon, Lipchitz, Orloff, Pompon, Picasso ou Zadkine. Des oeuvres d'artistes contemporains majeurs, Miguel Barcelô, Michel Blazy, Jan Fabre, Alain Séchas ou Wim Delvoye, apportent également un éclairage nouveau à ce thème qui reste étonnamment moderne. | |
Ce large panorama de la presse en France des origines à nos jours ne raconte pas seulement son histoire tumultueuse, tant liée à son rapport au pouvoir et à la censure qu'à son rythme effréné de publication et sa recherche permanente du scoop. L'ouvrage se penche aussi sur la diversité graphique et la variété des genres du journal et de ses rubriques (fait divers, reportage de guerre, mondanités, sport). Outre les plus grandes unes, le lecteur est invité à découvrir l'envers du décor : salles de rédaction, techniques et grandes figures, " petits métiers " (livreur, crieur, correcteur, claviste, ou paparazzi) et astuces de la profession (montages et trucages, méthode de Gaston Leroux pour emporter une exclusivité...). | |
Ce livre propose de découvrir la technique du vitrail Tiffany et de réaliser des modèles contemporains pleins de créativité. Alors qu'une première partie illustrée de pas à pas permet d'acquérir facilement l'ensemble des gestes et techniques, une seconde partie propose de laisser libre cours à son imagination grâce à une vingtaine de réalisations, pour soi (bagues, broches, pendentifs) ou la maison (photophore, boîte, suspensions, lampes, miroir...). | |
L'exposition "Algérie, 1830-1962 avec Jacques Ferrandez", organisée par le Musée de l'Armée, retrace sous l'angle de l'histoire militaire les cent trente années de présence française en Algérie, de la conquête à l'indépendance, qu'accompagnent les dessins de la bande dessinée Carnets d'Orient. C'est l'occasion pour le grand public de découvrir ou de redécouvrir les importantes collections du musée de l'Armée qui se rapportent à l'Algérie, exceptionnellement associées à d'autres objets, œuvres, documents d'archives et archives audiovisuelles provenant de grandes institutions patrimoniales. | |
Dès le XVe siècle, les amateurs d’antiquités entreprennent de s’approprier ce passé mythique par la collecte de vestiges matériels. La constitution de collections devait assurer prestige et notoriété à leurs propriétaires : le livre illustré en assura la pérennité. Avec l’amplification du phénomène aux XVIe et XVIIIe siècles, les érudits y ont fréquemment recours pour assouvir leur frénésie de savoir. Le Siècle des Lumières verra les connaissances s’organiser en de vastes encyclopédies abondamment illustrées et ce n’est pas un hasard si ce siècle vit aussi la gestation d’une science nouvelle : l’archéologie. Les ouvrages présentés proviennent tous des collections patrimoniales de la Bibliothèque universitaire Moretus Plantin des Facultés universitaires Notre-Dame de la Paix (Namur) et du Centre de Documentation et de Recherche religieuses (Namur). | |
L'éclairage électrique a une histoire. Fondées sur une série d'expériences réalisées dans les dernières décennies du XIXe siècle, les applications de l'électricité à l'éclairage ont accompagné l'évolution des environnements construits tout au long du XXe siècle. La lumière démultiplie le champ des possibles, elle ouvre le chapitre de nouvelles conceptions spatiales et temporelles sources de mises en valeur stimulantes. De nouvelles formes, de nouveaux divertissements, de nouvelles ambiances, de nouveaux modes d'expression publicitaire, de nouveaux programmes architecturaux surgissent de la nuit pour transformer le quotidien. Les repères et les pratiques habituels sont bouleversés, marqués par l'avènement d'un art de la lumière. | |
L'Art d'aimer offre, à travers un choix audacieux de plus de deux cents peintures, dessins, photographies, correspondances, illustrations, un panorama large et original des représentations de l'amour au fil de l'histoire de l'art, et donne à voir l'évolution de ce sentiment d'Ingres à Doisneau. Parmi les artistes majeurs, citons François Boucher, Gustave Courbet, Jean- Dominique Ingres, Auguste Rodin, Maurice Denis, Pablo Picasso, Marc Chagall, Georges Rouault, Léonard Foujita, Tamara de Lempicka, Jacques Henri Lartigue, Robert Doisneau, Man Ray, Michel Haas ou encore Pierre et Gilles. Le livre est construit en huit étapes thématiques : - la naissance de l'amour - l'attraction - la capitulation - la promesse - le tourment - l'échange - la complicité - la volupté Le texte se déroule au fil de l'ouvrage et contextualise les oeuvres en mêlant histoire de l'art, histoire des mentalités et des moeurs : une véritable histoire de l'amour au travers du regard des artistes. | |
Rome baroque. À l'aube du XVIIe siècle en Italie, quand les femmes étaient mineures à vie, quand elles appartenaient à leur père, à leur mari, à leurs frères ou à leurs fils, Artemisia a brisé toutes les lois de la société en n'appartenant qu'à son art. En quête de sa propre gloire et de sa liberté, elle a travaillé pour des princes et des cardinaux, elle a gagné sa vie à la force de son pinceau, et construit son oeuvre, inlassablement. Par son talent et sa force créatrice, elle est devenue l'un des peintres les plus célèbres de son époque, l'une des plus grandes artistes de tous les temps. Le drame de sa vie personnelle, le viol qu'elle a subi dans sa jeunesse, et le retentissant procès que son père intentera par la suite à son agresseur, l'artiste Agostino Tassi, ont profondément marqué sa vie et sa carrière. Ce scandale a contribué à occulter son génie. | |
Cette activité manuelle facile permet de réaliser des ouvrages de toute beauté en un temps record. Vous êtes débutant ? Si vous n'avez jamais crocheté, les instructions simples et les photographies détaillées de cet ouvrage vous aideront à manier habilement le crochet en un rien de temps. Vous apprendrez toutes sortes de point fantaisie - pompons et mouchets, bouclette et picots, popcorns et coquilles, pour n'en citer que quelques-uns. Vous êtes expert, mais souhaitez étendre votre répertoire ? Découvrez la technique du broomstick, des entrelacs, du filet et du crochet à la fourche, ainsi que le crochet irlandais, tubulaire et tunisien, et bien d'autres encore. Et ce n'est pas tout... L'ouvrage vous montre comment obtenir de parfaites finitions pour vos pièces crochetées, et comment ajouter des touches décoratives telles que les franges, spirales, bordures et motifs en relief. | |
Ce livre, qui fourmille de conseils pratiques et d'astuces de pros, vous donnera toutes les informations que vous recherchez, du matériel et des supports aux propriétés de chaque peinture. Plus de 500 illustrations pas à pas, des schémas et des instructions détaillées vous guideront dans toutes les étapes de votre travail. Vous découvrirez l'importance de la composition et la théorie des couleurs. Vous apprendrez à choisir un sujet et à lui donner une touche personnelle ; à créer des effets subtils ou spectaculaires en mélangeant la peinture acrylique à divers médiums ; à utiliser l'acrylique pour obtenir des effets d'aquarelle, d'huile ou de gouache, etc. Au fil des rubriques, des encadrés " A l'essai " et " Conseil malin " vous suggèrent comment mettre en pratique vos nouvelles compétences et vous donnent des solutions simples pour remédier aux éventuels problèmes et rattraper vos erreurs. | |
Ce livre, qui fourmille de conseils pratiques et d'astuces de pros, vous donnera toutes les informations que vous recherchez, du matériel et des supports aux propriétés de chaque peinture. Plus de 500 illustrations pas à pas, des schémas et des instructions détaillées vous guideront dans toutes les étapes de votre travail. Vous découvrirez l'importance de la composition et la théorie des couleurs. Vous apprendrez à choisir un sujet et à lui donner une touche personnelle ; à créer des effets subtils ou spectaculaires en mélangeant la peinture acrylique à divers médiums ; à utiliser l'acrylique pour obtenir des effets d'aquarelle, d'huile ou de gouache, etc. Au fil des rubriques, des encadrés " A l'essai " et " Conseil malin " vous suggèrent comment mettre en pratique vos nouvelles compétences et vous donnent des solutions simples pour remédier aux éventuels problèmes et rattraper vos erreurs. | |
Avec plus de 200 conseils et techniques pour stimuler votre créativité, cet ouvrage dévoile tous les secrets permettant de maîtriser le moyen d'expression privilégié qu'offre l'aquarelle. Que vous soyez artiste en herbe ou peintre accompli, iAiqiuiairieililie vous accompagnera dans votre apprentissage et vous guidera pour développer un style qui vous ressemble. | |
Anne, mère de Marie et grand-mère de Jésus, est une illustre inconnue. Le Nouveau Testament n'a pas un mot pour elle. Or elle s'impose comme l'une des saintes les plus populaires. Son prénom est porté par des générations de femmes dans le monde et on ne compte plus les églises et lieux de pèlerinage placés sous son patronage. C'est cette figure de la culture judéo-chrétienne que Françoise Bayle et François Boespflug réévaluent ici selon une double approche théologique et artistique, à travers l'étude des textes, de son culte et de ses représentations. De Giotto à Titien, en passant par Cranach, Masaccio et bien sûr Léonard de Vinci, les plus grands artistes ont illustré les épisodes de sa vie : l'annonce de sa maternité tardive par un ange, la rencontre de Joachim à la porte Dorée, la Nativité de la Vierge... | |
C'est bien au Japon que l'on cultive et admire les mousses modestes, que l'Occident ignore si souvent. En elles se lisent pourtant l'éternité des dieux, la constance du coeur, l'accord avec le temps qui passe et se dépose sur les pierres. Entrer dans l'univers des mousses, c'est accéder aussi à ces valeurs fondamentales de l'esthétique japonaise : sobriété, naturel, goût pour la patine et les marques du temps que l'on nomme nabi, simplicité élégante et teintée d'archaïsme, doublée d'un attrait pour la quiétude et le retrait du monde que l'on nomme wabi. C'est à un voyage que nous convie ce livre : voyage dans des paysages de mousses, voyage intérieur autant que poétique dans les jardins du Japon, tant il est vrai que la langue japonaise donne aussi aux nuages, aux îles des jardins, à leurs lanternes de pierre comme aux mousses, ces noms qui enchanteront les lecteurs français. | |
Guide pratique complet des arts du papier, de la fabrication artisanale du papier aux pliages d'origami et aux sculptures graphiques. Les instructions détaillées et illustrées étape par étape sont accompagnées de photographies d'oeuvres d'artistes réputés dans le monde entier. Ce livre comprend également des modèles pour nourrir votre inspiration et passer de la théorie à la pratique. | |
Apparu à l'aube du XXe siècle, le Fauvisme explosa sur la scène artistique lors du Salon d'automne de 1905 en un scandale retentissant. En jetant des couleurs pures sur la toile, les Fauves défièrent les conventions artistiques. Matisse, Derain, Van Dongen ou encore Vlaminck expérimentèrent ainsi un nouveau langage chromatique en détournant la couleur de son signifié. Libérée de tout sens, la couleur saturée et appliquée en larges aplats devint leur principal matériau. Dans cet ouvrage, l'auteur entraîne le lecteur dans un tourbillon de couleurs vives et franches, et montre combien la violence des Fauves laissa son empreinte sur le chemin de la modernité. | |
L’univers complexe du dessin : sa capacité d’appréhender le monde par le moyen suggestif et cognitif du contour, à travers le trait, puis de l’ombre et de la lumière. Le dessin comme moyen de connaissance fait donc l’objet d’un panorama historique. Les pratiques des artistes puis les vastes champs d’application de la discipline (architecture, décor, anatomie, caricature, etc.) sont passés ensuite en revue avant l’examen détaillé des techniques (crayon, pastel, sanguine, aquarelle, etc.). | |
Charles Dufresne est un peintre quasi inconnu du public et de la critique. Comment expliquer qu’un artiste si présent durant les années 20 et 30 soit aujourd’hui tombé dans l’oubli ? Le peintre lui-même fut responsable de cet état. Conscient de son art, il ne souhaitait guère exposer et il n’encourageait pas la critique à s’intéresser à lui. Sa discrétion ne pouvait pas servir sa diffusion et la compréhension de son œuvre. | |
Charles Milcendeau, qui fut élève de Gustave Moreau, révéla ses talents de dessinateur et plus particulièrement de pastelliste à l'occasion d'expositions dans des galeries parisiennes de renom. Ses séjours en Espagne (de 1901 à 1909), en Corse (en 1910 et 1911), lui permettent de renouer avec la peinture, et d'exposer à Nantes, à Paris dans des galeries comme la galerie Druet ou à La Nationale. Son oeuvre compte parmi les plus remarqués des critiques d'art tels Tristan Leclère, Arsène Alexandre ou Gustave Geffroy. Son style réaliste, un peu en marge des courants contemporains, se caractérise par des portraits de paysans et de scènes d'intérieur et le recours au clair-obscur inspiré de ses maîtres hollandais. Les paysages qu'il donne à voir sont ceux des environs de Ledesma, village espagnol de la province de Salamanque dans lequel il avait l'habitude d'être reçu en compagnie de son épouse. Pendant la guerre, ce sont ceux du marais inondé avec ses bourrines, ses habitations de terre et de roseaux qui semblent flotter au milieu des eaux, qu'il s'évertue à restituer sur la toile. | |
Ce catalogue monographique présente une étude approfondie du travail et de la vie d’un des artistes majeurs de la Renaissance italienne, Giovanni Battista Cima (1459-1517), dit Cima da Conegliano, localité de Vénétie d’où il était originaire. Ancrée dans le contexte artistique du Quattrocento, l’oeuvre de Cima participe pleinement à l’essor de la peinture vénitienne, portée par le courant des idées humanistes. L’ordre chronologique adopté pour l’exposition, que suit également le catalogue, permet de comprendre, à travers la progression de l’art de Cima, le processus d’évolution de l’art à la charnière entre le XVe et le XVIe siècle et l’extraordinaire épanouissement de l’expression picturale dans cette période. | |
Jonas Netter fut sans doute le découvreur de Modigliani et de Soutine et également leur plus important collectionneur. Ayant débuté sa collection jeune et n'ayant pas la fortune des grands collectionneurs des impressionnistes, Jonas Netter va s'intéresser à certains artistes avant qu'ils ne prennent leur essor. Il est le premier acheteur et soutien du marchand Zborowski, lui-même rabatteur d'oeuvres pour Paul Guillaume et Albert C. Barnes. Il le soutiendra dans ses choix, au point d'éponger ses dettes et de lui acheter parfois l'intégralité des ses stocks. C'est ainsi que Netter deviendra le principal collectionneur de Modigliani à partir de 1916, puis de Soutine. En effet, à cette date, Paul Guillaume se lasse du tempérament ombrageux du jeune peintre italien et refuse de prendre en charge Soutine. Plus tard, quand Barnes arrivera à Paris, Paul Guillaume changera d'avis et tombera finalement amoureux de l'art de Soutine. | |
Alors qu’à ses débuts, la photographie a semblé devoir remplacer définitivement le travail du peintre, par un renversement de la situation, Corinne De Battista se sert de l’image photographique pour développer son acte pictural. Le portrait, plus précisément. Dans une certaine fidélité au modèle, elle s’en distancie comme pour lui donner une existence propre, retient la composition générale, les grandes lignes structurantes, les taches de lumière et d’ombre. Quelques touches de couleur, par zones, viennent faire vibrer les noirs et les blancs, dominants. Dans des espaces généralement assez peu pourvus de repères, quelquefois juste l’infime pour orienter la pensée, Corinne De Battista campe ses personnages. Figés dans leur pose, de belle taille, ils nous font face, semblent nous dévisager depuis leur cadre. Ils se découpent de façon très contrastée sur un fond, qui, fait de recouvrements et de couches successives, est la genèse de la toile. Couvrir et encore couvrir, que les couches supérieures se chargent au passage du prisme des couleurs sous-tendues. Que le gris ne soit jamais tout-à-fait gris, mais, selon la circonstance, influencé de rose, infiltré d’ocre, nuancé de pourpre… parce que, dans l’alchimie de ses compositions, le noir intervient toujours pour venir casser la pureté de la couleur. | |
Ce catalogue met en lumière la richesse et la diversité de l'art égyptien au cours du dernier millénaire de l'histoire pharaonique (1069-30 avant notre ère). Il réunit plus de cent pièces exceptionnelles provenant des plus grandes collections internationales d'antiquités égyptiennes, dont l'Ägyptisches Museum de Berlin, le British Museum, le Musée du Louvre et le Metropolitan Museum of Art. Au cours de ces dix siècles rythmés par des crises politiques et des invasions, l'art égyptien, nourri d'une longue tradition pharaonique, conserve tout son prestige et toute sa force. Servie par une maîtrise éprouvée de la technique et un goût prononcé pour la pureté des lignes, la production artistique de cette période, qui mêle élégance des proportions, délicatesse des formes et sobriété des détails, se distingue par des réalisations d'une perfection inégalée, tout particulièrement dans le domaine de la statuaire. | |
Claude Debussy, sans doute le compositeur le plus fécond de sa génération, puisa pour bonne part son inspiration dans la poésie et les arts visuels de ses contemporains. A l'occasion du 15oe anniversaire de sa naissance, cet ouvrage a pour ambition 4e mettre en perspective les développements thématiques de sa musique avec l'imaginaire qui leur a donné naissance. A travers des oeuvres de Degas, Renoir, Monet, Vuillard, Maurice Denis, Bonnard, Munch..., s'esquissent des passerelles possibles entre formes mélodiques et images, permettant de dessiner ainsi une autre histoire des arts du tournant des XIXe et XXe siècles. Historiens de l'art, musicologues, compositeur, chacun évoque ici à sa manière la "chimie musicale" de Debussy. | |
Première grande exposition monographique consacrée à Edgar Degas (1834-1917) à Paris depuis la rétrospective de 1988 au Grand Palais, Degas et le nu participe de l'ambition du musée d'Orsay de donner à voir l'avancée des connaissances sur les grands maîtres de la deuxième moitié du XIXe siècle, après les hommages à Claude Monet (1840-1926) et Edouard Manet (1832-1883).Cette exposition explore l'évolution de Degas dans la pratique du nu, de l'approche académique et historique de ses débuts à l'inscription du corps dans la modernité au cours de sa longue carrière. Occupant avec les danseuses et les chevaux une place prédominante dans l‘oeuvre de l'artiste, les nus sont présentés à travers toutes les techniques pratiquées par Degas, la peinture, la sculpture, le dessin, l'estampe et surtout le pastel qu'il porte à son plus haut degré d'achèvement. Organisée avec le Museum of Fine Arts, Boston, l'exposition bénéficie du très riche fonds d‘oeuvres graphiques du musée d'Orsay, rarement montré pour des raisons de conservation, auxquels s'adjoignent des prêts exceptionnels des plus grandes collections, comme celles du Metropolitan Museum of Art de New York ou de l'Art Institute de Chicago | |
Karin Delaunay-Delfs découvre la tapisserie d'art en 1971. Insatisfaite des laines qu'elle trouve dans le commerce, elle se met à teindre elle-même toutes sortes de fibres : laine, soie, coton, lin, chanvre, abaca, raphia... Mais les teintures chimiques la déçoivent également. Elle consulte l'Encyclopédie de Diderot et d'Alembert, se familiarise avec les directives de Colbert, se plonge dans d'anciens manuels : la découverte des teintures naturelles est pour elle une révélation. Elle ne cesse depuis d'expérimenter, toujours curieuse de connaître et d'échanger des recettes avec des teinturiers du monde entier. Sa formation initiale de biochimiste lui permet de comprendre, et de faire comprendre, les processus en jeu, de mieux choisir ses plantes tinctoriales, de préparer ses fibres et ses bains, puis de teindre et nuancer ses couleurs... Elle enseigne la tapisserie et la teinture à des élèves de tous horizons, notamment au Conservatoire des Ocres et de la Couleur en Provence, ainsi qu'à Toulouse et Paris. | |
Parfois appelée la « reine de la dentelle », la dentelle d’Alençon débute au XVe siècle dans une concurrence avec le « point de Venise ». Vers les années 1660, Marthe La Perrière invente le « point d’Alençon » qui obtient alors de Colbert un privilège de manufacture royale. Le « point d’Alençon », dont le secret fut longtemps jalousement gardé, est une dentelle à l’aiguille caractérisée par un réseau de mailles bouclées, des points de fantaisie appelés « modes », des brodes (mèches de fils recouvertes de points de feston serrés formant les reliefs) recouvertes de points de boutonnière serrés et, après 1775, parfois faites de crin de cheval. Le réseau de mailles bouclées est mis au point vers 1690, mais n’est appelé « point d’Alençon » que vers 1720. À partir de 1855 apparaissent les motifs ombrés (séries de points plus ou moins serrés de manière à obtenir un effet de clair obscur). | |
L'impression de motifs sur tissu et papier fait appel à diverses techniques plus ou moins sophistiquées. Ce livre s'adresse à celles et ceux qui ne savent pas par où commencer mais souhaitent obtenir des résultats rapidement. Les projets exploitent le potentiel de plusieurs méthodes, parmi lesquelles la linogravure ou la sérigraphie, sans oublier des techniques élémentaires comme l'impression à la pomme de terre ou à la gomme. Ces projets ne demandent en général qu'assez peu de matériel et, par conséquent, un faible investissement de départ. En suivant les instructions pas à pas, vous prendrez plaisir à raviver un vêtement passé de mode, enjoliver des serviettes de table ou personnaliser du papier peint à l'aide des gabarits en fin d'ouvrage. Les modèles proposés sont variés et visent à vous faire découvrir ces techniques tout en encourageant votre créativité. De nombreuses illustrations vous guideront dans vos choix et votre inspiration. | |
Figure majeure dans l'art du XXe siècle, Miro a laissé une œuvre incontestée dont le rayonnement n'a cessé de s'étendre. Dix ans après sa mort et l'année du centième anniversaire de sa naissance, la parution d'un grand livre monographique s'imposait. Cet ouvrage, qui reprend partiellement les analyses du premier essai important de l'auteur sur Joan Miro publié en 1961 chez le même éditeur, a été considérablement remanié et enrichi : il tient compte, bien entendu, des deux dernières décennies du travail du peintre, mais aussi d'un grand nombre de documents découverts après sa mort - projets, carnets, textes, correspondance -, auxquels Jacques Dupin a eu accès en raison de ses relations privilégiées avec la famille de Miro, et des travaux d'historiens d'art et d'organisateurs d'expositions publiés depuis vingt ans. Loin de limiter son étude à la seule peinture de Miro, Jacques Dupin l'a élargie au champ, illimité, de ses curiosités. | |
De tout temps, les artistes ont eu recours à l'arbre. Nul besoin d'en dessiner les détails ou d'en préciser l'espèce. Marqueur stylistique, l'arbre est un fil précieux pour suivre l'évolution de la peinture. | |
Le catalogue Hommage à la forêt reproduit l’ensemble des clichés sélectionnés dans le fonds de photographies anciennes des Beaux-arts de Paris, complété par une trentaine de photographies contemporaines, qui constituent la matière de cette exposition. Présenté dans le cadre de l’Année internationale de la sauvegarde de la forêt, proclamée pour 2011 par l’assemblée générale des Nations-Unies afin de sauvegarder un patrimoine menacé, l’évènement fait partager les regards des artistes, qui par leur sensibilité propre, contribuent à cette réflexion sur une question désormais cruciale, de l’extrême précarité du patrimoine forestier dans le monde aujourd’hui. | |
Appelé aussi plastique dingue ou plastique magique, le plastique fou se présente sous la forme d'une feuille transparente plastifiée d'un côté et mat de l'autre. On peut dessiner ou décalquer dessus ses motifs, la colorier, la découper et la cuire pour obtenir au final une forme plus petite (le plastique en chauffant perd environ 5 fois sa taille) et plus épaisse. C'est une matière très facile à travailler et qui se trouve partout en grandes surfaces ou magasins de loisirs créatifs. | |
Dans son nouveau livre, la créatrice Dominique Fave, artiste et auteure reconnue dans le monde du boutis, propose son interprétation de la parure textile en boutis de soie. Grâce à un film technique détaillé, elle vous donne les clés pour que vous puissiez, à votre tour, créer de somptueuses parures qui susciteront l'admiration de votre entourage. Mais comme elle aime à le rappeler, Dominique vous engage vivement à choisir vos palettes de couleurs et vos propres dessins pour des bijoux personnalisés et uniques !? | |
Ce livre est le catalogue du 27e Festival International de Mode et de Photographie et des expositions qui l'accompagnent à la Villa Noailles à Hyères du 27 avril au 27 mai 2012. Il rend compte des expositions présentées lors de ce festival, qui réunit 10 stylistes et 10 photographes : Yohji Yamamoto, Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, Jason Evans, Matthew Cunnington & Jonathan Sanderson, Lynsey Peisinger & The Stimuleye, Anouk Kruithof, Ina Jang, Joël Riff, Fabrics Interseason, Maison Rondini, TEED, Léa Peckre, Céline Méteil. | |
Pour un novice, un magasin de fournitures pour artistes, c'est un peu la caverne d'Ali-Baba. Une multitude de pinceaux, toutes sortes de papiers et des dizaines de pigments différents, dans des teintes somptueuses, vous tendent les bras ! Toutefois, ce n'est pas l'achat de tous les pigments dont vous rêvez qui fera de vous un artiste, mais plutôt la capacité de tirer parti d'une palette bien plus restreinte. | |
Louis François Lejeune (1775-1848), dont les quatorze tableaux conservés au château de Versailles révèlent un peintre original, est une figure unique du XIXe siècle : il mena de front plusieurs carrières, artistique, militaire et politique. Du siège de Charleroi en 1794 jusqu’à la bataille de la Moskova, ses œuvres sont d’abord des documents historiques retraçant son engagement au sein de l’armée où il livra dix sept campagnes. Il est donc à proprement parler le reporter de l’épopée. En s’appuyant sur un matériel pédagogique contemporain de l’artiste, l’exposition se propose de montrer comment s’élabore un tableau d’histoire à partir de l’observation militaire, des relevés topographiques et des compositions fragmentaires. Quelle est la part de la vérité et de la propagande, comme des manipulations pour cacher les horreurs de la guerre. A partir du mouvement artistique culturel et politique dans lequel Lejeune s’inscrit, toutes les formes du reportage sont abordées ici pour analyser la place de la vérité historique dans le spectacle de la guerre napoléonienne. | |
Les naturalistes finnois Tari Haahtela, Kimmo Saarinen, Pekka Ojalainen et Hannu Aarnio sont passionnés par les lépidoptères et la macrophotographie. Auteurs de plusieurs ouvrages en finlandais sur les papillons diurnes et nocturnes, ils ont sillonné toute l'Europe pour étudier les espèces décrites dans ce guide, leur premier ouvrage adapté en français. | |
Une certaine image de l'art contemporain japonais s'est développée, façonnée notamment par l'artiste Takeshi Murakami et l'esthétique manga. Or, depuis une dizaine d'années au japon, cette influence est non seulement dépassée mais aussi rejetée par la plupart des artistes. Nés autour des années 1970 et portés par les mutations de la société japonaise, les artistes contemporains reposent les questions essentielles du sens de l'art et de leur rapport au réel. Sortant de la vieille problématique de positionnement vis-à-vis de l'Occident, ils découvrent de plus en plus des modes d'expression qui leur sont propres. Etant japonais "naturellement", comme ils le disent souvent, ils entretiennent des rapports au temps, à la réalité ou à l'espace issus de leur culture traditionnelle et de leur philosophie, et se font les témoins des multiples bouleversements de leur pays. Ce livre présente un large panorama de la création contemporaine au japon, et montre la vitalité de cette nouvelle génération d'artistes du XXIe siècle. | |
Barry Herniman vous explique comment utiliser les lavis d'une manière créative, des techniques les plus simples aux plus complexes et gratifiantes. Ce livre comporte un grand nombre d'exercices qui vous permettront d'améliorer votre savoir-faire ainsi que cinq démonstrations en pas à pas comprenant une étude de ciel époustouflante, une scène de rivière merveilleuse et un paysage de montagnes impressionnant. | |
À la fois outil pédagogique et ouvrage de référence, Dessin de construction du meuble est un grand classique indispensable pour tous ceux qui sont amenés à analyser et à proposer des conceptions de meubles pour l’artisanat ou l’industrie. Il est également utile à toute personne en relation avec l’architecture intérieure et la création de modèle. Bénéficiant d’une nouvelle présentation et de mises à jour, en particulier dans les représentations et les spécifications, cette nouvelle édition présente les dessins et leurs explications sous forme de planches. Pédagogique, c’est un véritable livre compagnon aussi utile lors de la scolarité que tout au long de la vie professionnelle. | |
Le tout dernier volume Illustration Now! présente une sélection de 150 illustrateurs du monde entier. Mélange fascinant entre néophytes et maîtres reconnus travaillant à partir d un large éventail de techniques, Illustration Now! Volume 3 met en avant des professionnels de 30 pays différents, avec des informations sur leur carrière et une sélection d expositions. De plus, l introduction est rédigée par Steven Heller, spécialiste des tendances actuelles dans ce domaine. Un ouvrage idéal pour les graphistes, les créatifs, les étudiants en illustration et tous ceux qui apprécient le dessin et l expression visuelle. | |
Ce catalogue vous propose de pénétrer dans l'univers poétique et sensible d'un créateur hors norme. À la fois artiste et auteur, Jan Fabre donne à voir un monde qui lui est propre, empreint de métaphores, de fantasmes, de symboles et de réalités. Souvent présenté comme un artiste subversif, Jan Fabre nous fait découvrir ici l'Heure Bleue, cette heure de la levée du jour qui immerge notre réalité dans un univers étrange, dans lequel les formes échappent à leur contour pour se noyer et diffuser leur présence dans un bleu profond. Cette heure poétique devient l'entre-deux propice à toute forme de métamorphose ou d'apparition et c'est ainsi que des animaux, des figures, des objets apparaissent et affleurent sur la couche griffonnée au Bic bleu des dessins de Jan Fabre. | |
"Livres, estampes et multiples sur papier, 1978-2012" est une édition bilingue (français - anglais : "Books, prints and multiples, 1978-2012"). Le présent catalogue raisonné a été publié en collaboration par le Musée du dessin et de l'estampe originale de Gravelines et la Galerie Lelong de Paris. L'ouvrage reprend et vient compléter de 48 références supplémentaires « Livres, estampes et multiples sur papier, 1978-2004 » qui avait été publié par l'Institut Valencià d'Art Moderne (Valence, 2004). Après trois textes d'introduction ("De l'image au mot" de Caroline Joubert, "Jaume Plensa en son jardin" de Paul Ripoche et "Le mordant hollandais" de l'artiste lui-même) le catalogue raisonné proprement dit s'ouvre sur le répertoire des oeuvres. Celui-ci présente 276 références pour les multiples sur papier de l'artiste : soit 270 estampes n°1 à 270 du catalogue et les livres (n°I à VI du catalogue). L'ouvrage est clos par une bibliographie sélective. L'oeuvre gravé de Jaume Plensa montre une grande diversité d'images et de techniques, de l'intime au monumental. Attaché aux techniques traditionnelles, l'artiste, curieux de tout, ne se prive d'aucune nouvelle technologie, créant sa propre alchimie, son imaginaire et sa philosophie. | |
Laurent Millet l’atteste, il est photographe. Ce qui n’est pas évident lorsque l’on regarde son travail de près. Prolifique, il aime se muer en sculpteur, dessinateur, voire en architecte, quand il ne prend pas la caméra vidéo. Néanmoins, toutes ses constructions ou objets ne sont conçus que pour être photographiés in fine. | |
Les œuvres de Jean-Jacques Lebel figurent dans de nombreux musées parmi lesquels le Musée National d’Art Moderne de Paris/Centre Georges Pompidou, le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, le musée Ludwig de Budapest, l’Israël Musée (collection Arturo Schwarz) de Jérusalem, le musée de l’Objet (collection Éric Fabre) de Blois, le Museo Vostell de Malpartida, le musée Berardo à Lisbonne (Portugal), le musée d’Art Moderne (MACBA) de Barcelone, le Museum Kunst Palast de Düsseldorf, la Neue Galerie de Graz, le musée des Beaux-Arts de Montréal, le musée d’Issoudun, etc. | |
Le titre trouve son origine dans un poème de 1923, The Right of Way de William Carlos Williams, poète et romancier américain, mais aussi pédiatre et médecin généraliste. Il est l’un des représentants du modernisme et de l’imagisme. Le poème aborde la question du "regard fixe mobile". Le titre fait également référence au genre pictural du panorama, central dans le film. Un panorama (mot anglais du XVIIIe siècle, du grec pan [tout] et horama [spectacle]) est une vue en largeur d’un espace physique. La double projection du film immerge le spectateur au cœur de celui-ci, rejouant en partie la « fenêtre illusionniste ». | |
Les artistes, que l'appel de l'Orient conduit dans les contrées du pourtour méditerranéen au début du XIXe siècle, croisent des communautés juives, une rencontre inattendue qui offre un autre visage pittoresque à cet Orient souvent fantasmé avant dêtre visité. Eugène Delacroix au Maroc, Théodore Chassériau en Algérie emplissent leurs carnets de dessins de figures juives qui nourriront leurs grandes toiles. Au-delà de l'Afrique du Nord, le périple en Terre sainte est porteur d'enjeux plus symboliques. Mû par des aspirations religieuses et une nouvelle curiosité archéologique, qui s'applique de l'Egypte à la Mésopotamie, l'Occident poursuit au Proche-Orient une quête de ses origines. | |
Le kabuki est l'une des plus anciennes formes du théâtre traditionnel japonais. Apparu au début de l'époque d'Edo, cet art dramatique, toujours très vivant, se fonde sur un répertoire de pièces codifiées, écrites spécifiquement ou bien adaptées du théâtre nô. de récits traditionnels, et surtout du bunraku, théâtre de marionnettes. Ces représentations sont exclusivement jouées par des acteurs masculins, dont les fameux onnagata spécialisés dans les rôles de femmes, auxquels les spectateurs japonais vouent un véritable culte. Les costumes, extravagants dans leur conception, somptueux dans le choix des motifs et des tissus, et richement colorés, occupent une place centrale. Ils répondent à une symbolique très précise, révélatrice de la personnalité du rôle. Présentant les plus beaux costumes de kabuki accompagnés de leurs accessoires, illustré d'estampes anciennes et de photos d'acteurs, cet ouvrage rend hommage à cet art dramatique qui élève le théâtre et la danse à leur plus haut niveau. | |
Découvrez dans ce livre une vingtaine de fleurs délicates, toutes saisissantes de réalisme, à réaliser en pâte polymère. De la glycine à la fleur de cerisier, en passant par la rose, les résultats sont étonnants de finesse et de beauté ! Chaque réalisation est illustrée par une technique détaillée en pas à pas photos et des explications simples. | |
Le Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne Métropole présente une exposition consacrée à Kimsooja, artiste née à Taegu en Corée en 1957 et vivant entre Seoul, Berlin et New York. L’univers de cet artiste, connue pour ses performances filmées et projections multi-écrans, est caractérisé par une modestie de moyens, un effacement de l’artiste, au profit d’une évidence et d’une simplicité s’incarnant formellement dans des flux et des lignes. | |
La bande dessinée semblait née pour devenir un genre littéraire visuel exigeant, apte à raconter des histoires d'une manière totalement neuve. Il a pourtant fallu près d'un siècle pour qu'elle devienne consciente de sa propre existence et qu'on la nomme : illustrés, bandes dessinées, comics, funnies, fumetti, tebeos, historiettas ou mangas ... Un peu partout, ce succès populaire s'est accompagné de condescendance, de méfiance ou de mépris. Des générations de collectionneurs et de passionnés ont peu à peu cherché à démontrer les qualités de la bande dessinée, en l'amenant dans les salles de ventes ou les musées, en fondant des clubs ou des revues. Des auteurs se sont attaché à traiter des thèmes adultes ou importants et à produire des oeuvres d'une qualité artistique impossible à nier, tandis que des théoriciens se sont passionnés pour l'extraordinaire potentiel technique de son langage. Paradoxalement, ces démonstrations se sont parfois faites au prix d'un dénigrement de la culture populaire de la bande dessinée. | |
L'œuvre de Laurent Grasso tend vers une autre réalité, en se situant toujours à la limite entre réel et fiction. Son travail s'empare de la vidéo, de la sculpture, de la peinture, du dessin et du dispositif, mêlant sources documentaires, historiques et mythologiques à condition qu'elles contiennent un potentiel esthétique et fictionnel. Le musée du Jeu de Paume consacre une exposition à ce jeune artiste, lauréat en 2008 du prix Marcel Duchamp, en mettant l'accent plus particulièrement sur ses derniers travaux. Une scénographie originale, conçue par l'artiste, permettra au public de découvrir des œuvres inédites mais aussi de se familiariser avec les vidéos et néons qui l'ont fait reconnaître du monde de l'art contemporain. Le catalogue publié à cette occasion a pour ambition de rendre perceptibles les rapports formels entre les créations de l'artiste et ses sources d'inspiration grâce à des enchaînements visuels soulignant les multiples imbrications d'une œuvre à une autre. La cohérence et la richesse du discours de l'artiste y apparaissent ainsi, éclairées par les essais de critiques d'art et conservateurs de grandes institutions françaises et étrangères. | |
Accroché des deux bras à un reverbère ou sautant en l'air chassé par des missiles, Li Wei s'amuse de situations cocasses et improbables. Cet artiste contemporain chinois est connu dans le monde entier pour sa façon singulière et déroutante de se mettre en scène, seul ou accompagné. | |
Ouvrage épuisé chez l'éditeur, très bon état, out of print, very good condition.Catalogue de l'exposition du Musée du Quai Branly, Paris (Avril-Juillet 2012).Dans la plupart des cultures, des traditions mettent en scène des forces contraires qui se disputent le monde en un combat nécessaire et sans fin. Tout ordre, y compris l'ordre divin, est fondamentalement imparfait, limité, menacé d'implosion. Cette conscience du désordre semble être commune à toute civilisation et les forces perturbatrices, nécessaires à l'équilibre de l'univers et à sa continuité.Articulée en 3 grandes sections, l'ordre imparfait, la maîtrise du désordre et la catharsis, l'exposition analyse la notion de désordre à travers les différents modes de négociations mis en place pour le contenir.L'exposition s'intéresse aux figures du désordre, inscrites au panthéon de nos croyances et des cultures, de Dionysos à Seth Typhon, et aux techniciens, chamanes et autres intercesseurs ici appelés « maîtres du désordre », chargés des négociations avec les forces du chaos. Dans ce compromis permanent entre turbulence et raison, les rites sont le mode privilégié de négociation avec les puissances qui gouvernent les sociétés humaines. | |
Peintre, dessinateur, sculpteur, Henri Matisse fascine par une oeuvre toujours à la recherche d'un équilibre des couleurs et des formes. Le Centre Pompidou à Paris présente une exposition événement qui réunit un ensemble inédit de plus d'une trentaine de paires et de séries, des œuvres peintes provenant des plus grands musées du monde. Elle est basée sur le travail de Matisse autour de l'exploration et de la répétition. Pendant près d'un demi-siècle, l'artiste dépeint de mêmes motifs à travers différentes versions, parfois opposées ou symétriques, parfois sous le mode de variations, et selon des modalités plastiques multiples – paires, triptyques, séries, transformations captées par la photographie... Grâce à cette approche originale, à la qualité des reproductions comme par les clés de compréhension qu'offrent les meilleurs spécialistes du sujet, cet ouvrage de référence permet d'entrer dans 1'oeuvre de Matisse et d'en découvrir les processus de création. | |
Le peintre nous invite ici à découvrir ses extraordinaires aquarelles consacrées au textile empreintes d’une nostalgie perceptible. Comme il a pu l’écrire "J’ai tout à coup pensé que cela pourrait bien être lié à ma mère qui était brodeuse. Je l’ai vu broder pendant toute mon enfance et même assidûment jusqu’à la fin de sa vie ; j’ai aussi toujours vu sans les voir des armoires pleines de linge brodé, des piles de draps (les trousseaux !), des nappes et des serviettes..." Ainsi la matière et la délicatesse des couleurs dans les tissus anciens admirablement rendues par une technique parfaitement maitrisée et l’empilement des textiles sur des étagères renvoient à l’histoire personnelle du peintre. | |
La Pinacothèque de Paris présente la découverte archéologique la plus importante de la dernière décennie au Mexique : les masques en mosaïque de jade. Ces masques exceptionnels, entièrement restaurés par les plus éminents spécialistes en archéologie maya, représentent les visages de la divinité. Créés pour les gouverneurs les plus prestigieux des cités perdues mayas, ils avaient pour mission d’assurer la vie éternelle à ces hauts dignitaires après leur mort. Les archéologues datent l’installation des Mayas en Amérique centrale aux alentours de 2000 ans avant notre ère. Leur implantation culturelle comprend la péninsule du Yucatan et la région de Chiapas au Mexique et s’étend jusqu’au Honduras, Salvador, Belize et Guatemala actuels. Cette civilisation brillante s’illustre dans tous les domaines : l’astronomie, les mathématiques ainsi que dans un système complexe d’écriture à base de glyphes, récemment déchiffré. Contrairement à l’organisation centralisée de l’empire inca, le système politique maya s’apparente à une mosaïque de cités-États indépendantes, qui alternent, au gré des événements, conflits armés et alliances. | |
Tout au long de sa carrière, Maurice Denis n'a cessé de célébrer la magnificence du printemps. Printemps sylvestre, avec ses représentations de la forêt de Saint-Germain, lieu des premières déambulations du jeune Denis contemplant le réveil de la nature. Printemps de l'amour, où l'éveil de la nature se conjugue à la rencontre de l'élue au temps des fiançailles. Printemps de la vie et du bonheur à construire, dont les oeuvres se teintent de sacré. "Printemps de l'éternelle vie" avec des tableaux religieux célébarnt l'Annonciation et la Résurrection, dans lesquels s'exprime un véritable renouvellement de l'art sacré. Mais cet hymne au printemps, Denis l'entonne plus magistralement encore dans son oeuvre de peintre décorateur, notamment avec ses plafonds pour la demeure d'Ernest Chausson et surtout son chef-d'oeuvre, le décor de l'Eternel Printemps pour al salle à manger du mécène Gabriel Thomas C'est au travers de quatre-vingt-dix de ses plus belles oeuvres consacrées au thème du printemps que le musée des impressionnismes Giverny a choisi de faire découvrir ou redécouvrir celui que l'on a appelé le "nabi aux belles îcones". | |
C'est un fait connu mais encore négligé de l'histoire de l'art : l'oeuvre de Michel-Ange est au XIXe siècle une source d'inspiration majeure, un puissant accélérateur de modernité. Depuis l'âge classique un interdit pesait sur son oeuvre, jugée trop intimidante et licencieuse pour être donnée en exemple. Au début du XIXe siècle, à l'heure de l'Académisme renaissant, l'auteur de la chapelle Sixtine s'est imposé aux jeunes artistes romantiques comme un génie tutélaire, un modèle superlatif à imiter pour s'affranchir de normes éculées. Michel-Ange au siècle de Carpeaux explore cet héritage à travers l'exemple du sculpteur d'origine valenciennoise Jean- Baptiste Carpeaux (1827-1875). Figure capitale de la scène artistique du Second Empire, trait d'union entre les sculpteurs romantiques et Rodin, Carpeaux a trouvé en Michel-Ange un maître, un modèle, un miroir. Tout au long de sa vie l'auteur d'Ugolin ne cesse de s'identifier au génie de la Renaissance et son oeuvre constitue le paradigme d'un michelangelisme à la française. | |
Misia Godebska (1872-1950) est une figure de légende de la vie artistique française de la Belle Epoque aux Années folles. Elle commence à se faire connaître par son talent de pianiste. Son mariage en 1893 avec Thadée Natanson, le directeur de La Revue blanche, la propulse au centre d’un groupe de créateurs défendant un art symboliste et décoratif. Au sommet de son influence, elle devient l’une des femmes les plus portraiturées de son temps, posant pour Bonnard, Vuillard, Vallotton, Toulouse-Lautrec, Renoir. Amie de Diaghilev, Nijinsky, Stravinski, Cocteau, Chanel, elle finance les Ballets russes pendant plus d’une décennie. Cet ouvrage, publié en coédition avec le musée d'Orsay est le miroir de l'exposition pluridisciplinaire qui se propose de réunir des portraits de Misia et de son entourage ainsi que des oeuvres, des documents et des témoignages d’artistes contemporains illustrant le foisonnement de la création au temps où Misia était la Reine de Paris. | |
Tricotez avec finesse une merveilleuse peluche pour vos enfants ou offrez à un ami la réplique réaliste de son compagnon à quatre pattes ! Bête de scène est le cadeau idéal pour les amoureux des chiens et les tricoteurs de tout poils ! | |
Rolex symbole du luxe, vaisseau amiral de la Flotte des montres suisses, cette marque mythique a produit un grand nombres de modèles et de variantes. Dans cet ouvrage, un panorama détaillé des 50 montres les plus marquantes de Rolex, s’offre au collectionneur, à l’amateur au simple curieux. A travers ce choix est ainsi illustrée l’histoire de la marque, complété pour chaque référence, de descriptions précises et de cotations par un expert auprès de l’une des plus prestigieuses salles de vente européennes. Les montres présentées évoqueront les grands thèmes qui ont fait le succès de Rolex, de la Submariner de James Bond à la GMT de Che Guevara en passant par l’explorer de Sir Hillary, la Daytona de Paul Newman et bien d’autres modèles rares ou extraordinaires, l’essentiel de Rolex en 50 montres. | |
Ce nouveau titre de la collection technique "A-Z initiation et perfectionnement" est destiné à tous les "chasseurs d'images", débutants, amateurs avertis, voire même aux reporters professionnels ! La première partie de l'ouvrage présente l'histoire de la photographie, les divers équipements argentiques et numériques, l'éclairage, le transport et portage du matériel... Tous les thèmes de la photographie dans la nature sont ensuite abordés : le paysage, le voyage, la macrophotographie, l'animalier mais aussi l'action pour figer à tout jamais les sports Outdoor (randonnée, escalade, canyoning, ski, plongée...). Les derniers chapitres sont plus accès sur le travail numérique de l'image (ordinateurs, logiciels, traitements, montages, impression, diffusion...). Tout le long de l'ouvrage, l'auteur prodigue des conseils de pro, fruits de trente années de grand reportage à travers le monde. | |
Ce premier livre, consacré au stylisme et à l'histoire de la botte, présente avec élégance les dernières créations des plus grands chausseurs du monde entier. Des bottes cavalières aux stilettos hauts perchés, des low boots aux cuissardes à lacets, sans oublier les compensées. Ce livre étonnant et singulier explore l'obsession, le fétichisme et les styles qui sont liés à cette pièce iconique parmi les chaussures. Style urbain chic ou de la rue, fétichisme sexy ou innovation sans bornes, les créations des plus grands stylistes internationaux sont illustrées avec des détails foisonnants : matériaux, techniques, talons et formes. Ce volume présente avec précision comment ces créateurs contemporains s'appuient sur un artisanat intemporel et des styles d'antan pour produire les bottes qui font la mode d'aujourd'hui. La Botte recèle des informations précises sur les plus grands chausseurs actuels : Manolo Blahnik, Chanel, Christian Louboutin, Sergio Rossi, Gucci, Alexander McQueen, Marc Jacobs, Christian Dior, Jean-Paul Gaultier... avec des photographies et des croquis de leurs créations. Grâce à ce superbe livre vous saurez tout sur leurs sources d'inspiration et leurs techniques. | |
Le sculpteur Nicolas Gerhaert de Leyde (vers 1430-1473) est considéré comme l'un des plus important artistes de la fin du XVe siècle au Nord des Alpes, auteur d'innovations décisives tant sur le plan formel qu'iconographique. Le parcours européen de cet artiste, depuis les Pays-Bas dont il était probablement originaire jusqu'en Autriche, comprend un séjour marquant à Strasbourg entre 1462 et 1467. Il y réalise plusieurs ensembles conséquents, en particulier l'épitaphe du chanoine de Busnang dans la chapelle Saint-Jean de la cathédrale (datée 1464 et signée) et surtout le portail de la Chancellerie de la ville, bâtiment aujourd'hui disparu mais dont quelques fragments sculptés subsistent. L'ouvrage présente une grande partie de l'œuvre sur bois et sur pierre de cet artiste, dont le Musée de l'Œuvre Notre-Dame conserve quatre bustes d'hommes en grès dont le très célèbre Homme accoudé mélancolique, véritable " portrait de la conscience de soi du sujet moderne ". Elle permet en particulier de rassembler les deux fragments encore existants du décor du portail de la Chancellerie de Strasbourg, la Tête d'homme barbu du Musée de l'Œuvre et son pendant, la Tête de jeune femme conservée au musée de Francfort. | |
Auteur prolifique, Robert Crumb est une figure de la culture underground américaine, et probablement l'un des plus grands dessinateurs de ces cinquante dernières années. Son oeuvre a profondément marqué le monde de la BD américaine et française, et tous s'accordent à voir en Crumb celui a changé le dessin par son trait, d'une énergie et d'une densité sans égales. Il est le premier Américain à avoir reçu le Grand prix d'Angoulême en 1999, et le seul à avoir bénéficié d'expositions dans les musées du monde entier, à San Francisco, Cologne et Vienne. | |
"Fenêtre sur l'art" propose une démarche originale pour présenter et mettre en lumière l'art japonais de l'époque d'Edo (de 1600 à 1868 environ). Entrez dans le monde de l'art. Cet ouvrage invite le lecteur à admirer et à explorer vingt des chefs-d'oeuvre les plus significatifs de l'art pictural japonais, de la célèbre Grande Vague de Hokusai aux délicates pièces à thé de Ninsei. Des fenêtres soigneusement positionnées et réversibles permettent de magnifier un détail. Un texte et des images résument la technique et la palette de l'artiste. Chaque oeuvre d'art magnifiquement reproduite est accompagnée d'une chronologie pour la situer dans le mouvement. Une approche résolument moderne de l'art japonais. | |
Comment s'amuser facilement avec les tous petits ? Tout simplement avec des boîtes d'allumettes vides, de toutes tailles. Pour cela, Claude vous propose plus de 40 modèles originaux ! Des lapins malins, des moutons douillets, des grenouilles cachotières, des fillettes en luge... Des trains, des camions, des bateaux... Mais aussi des crayons rigolos, des boîtes à secrets, des livres et des meubles miniatures... Quelques boutons et de la feutrine, des chutes de tissus et des bouts de laine, des yeux mobiles et un peu de peinture... vous voilà équipés pour un bel après-midi créatif en famille. | |
Le musée Cernuschi nous offre aujourd'hui le privilège de découvrir une des grandes figures de l'art japonais de la fin du XIXe siècle, Shibata Zeshin, peintre et laqueur. Shibata Zeshin (1807-1891) fut l'un des artistes japonais les plus singuliers du XIXe siècle. Devenu presque aussi célèbre pour ses peintures sur rouleaux de soie ou de papier que pour ses boîtes et plateaux en laque, ce que personne n'avait accompli avant lui, il a également inventé une forme de « peinture à la laque » (urushi-e). Sa réputation repose sur des oeuvres (laques, peintures et peintures à la laque) exécutées au cours de son dernier quart de siècle, période qui coïncide avec certains des bouleversements majeurs que le Japon a éprouvés durant sa longue histoire. Ses créations, parmi lesquelles les fameux décors de vagues en laque noire lui valurent une renommée internationale. | |
L’exposition du musée des arts asiatiques Guimet présente une sélection d’oeuvres représentatives de l’art de la calligraphie japonaise contemporaine et du concours organisé chaque année à Tokyo par la Fondation Mainichi Shodokai, qui réunit les plus grands maîtres calligraphes du Japon. Le catalogue de l’exposition propose une immersion unique dans cet art traditionnel, qui est l’un des plus populaires au Japon, et permet d’en appréhender l’histoire, de témoigner de la vivacité contemporaine de son expression et de rendre compte de sa réception en Occident. À l’instar de cette discipline du Shôdo (la voie de l’écriture), où image et langage sont intimement liés, les 41 oeuvres reproduites en pleine page invitent à la jouissance esthétique autant qu’à la réflexion et à la méditation sur les textes calligraphiés : le jeu entre le vide et le plein, le trait et la suspension du pinceau prennent sens grâce à la traduction des titres et des textes sources, mais également par les mots d’artistes qui, en regard des oeuvres et en quelques phrases, expriment l’énergie, le souffle et l’émotion qui ont animé leur geste. | |
Que vous soyez débutant ou amateur, le Guide des techniques de peinture trouvera vite sa place près de votre chevalet et sera une source inestimable d'inspiration. Cet ouvrage présente de nombreuses techniques de peinture et de préparation qui donneront vie à vos créations. Grâce à des pas à pas détaillés, vous reproduirez ces procédés facilement et pourrez les expérimenter pour choisir ceux qui conviennent le mieux à vos tableaux. Au sommaire, lavis, empâtement, glacis, frottis, grattage, projections... au total, plus de 40 techniques. Des instructions claires vous indiquent comment tirer le meilleur parti de votre médium : huile, acrylique, pastel ou aquarelle. Et les illustrations qui les accompagnent vous montrent les gestes indispensables pour obtenir de bons résultats. En fin d'ouvrage, une section entière est consacrée aux thèmes. Vous y trouverez des techniques adaptées à vos sujets, quels qu'ils soient : nature morte, portraits, paysages, animaux... | |
Dans la première moitié du XIXe siècle, Paris a été la capitale internationale du théâtre ; tous les genres, du vaudeville à l'opera seria, du mélodrame à la pantomime, s'y sont épanouis dans la plus grande concentration de salles existant alors en Europe : Comédie-Française, Ambigu, Porte-Saint-Martin, Théâtre-Italien, mais aussi Funambules, Gaîté, Variétés ou Gymnase. Alors que les influences les plus diverses, de Shakespeare à Goethe, de Byron à Victor Hugo, y forgeaient de nouveaux modèles, une étonnante effervescence intellectuelle y rassemblait les plus grands acteurs, Talma, Mars, Rachel, les compositeurs les plus célèbres, Rossini ou Meyerbeer, les divas les plus admirées, Maria Malibran, Marietta Alboni, Pauline Viardot, les étoiles de la danse les plus adulées, Marie Taglioni, Fanny Elssler ou Carlotta Grisi, sans oublier le mime par excellence, Jean-Gaspard Deburau. Une centaine d'oeuvres provenant du musée Carnavalet, portraits, aquarelles, dessins, décors, études de costumes, souvenirs, rappellent cette intense créativité et évoquent les principales figures qui l'ont illustrée. | |
"Je souhaiterais évoquer le livre sans passer par l’écrit. C’est, en quelques propositions plastiques, un hommage visuel au livre », déclare Jean-Philippe Toussaint à propos de l’exposition Livre/Louvre, pour laquelle le musée du Louvre lui a donné carte blanche. Dans le prolongement exact de cette exposition, La main et le regard. Livre/Louvre est un ouvrage qui, par l’image et non par l’écrit, entend rendre hommage au livre ; mise en abyme apparemment paradoxale et pourtant naturelle pour un écrivain, Jean-Philippe Toussaint, qui est aussi cinéaste et plasticien. Jean-Philippe Toussaint, à propos de son livre La main et le regard. | |
Accompagnant une exposition présentant une sélection d'une centaine d'estampes et de dessins, ce catalogue recense l'intégralité de la collection de dessins du XIXe siècle du Musée (soit environ 3.100 pièces) comprenant des oeuvres de Girodet, Delacroix, Delaroche, Flandrin, Gérôme, Fantin-Latour, Bresdin, Redon, etc. | |
Découvrez Un jour, j'acheterai une momie, Emile Guimet et l'Egypte antique - Catalogues de l'exposition présentée au Musée des Beaux-Arts de Lyon, du 30 mars au 2 juillet 2012, le livre de Geneviève Galliano. Cette exposition et l'ouvrage qui l'accompagne évoquent la relation qu'Émile Guimet (1836-1918), industriel lyonnais, entretint tout sa vie avec l'Égypte antique, de la naissance de sa vocation de collectionneur à la création de musées dans sa ville natale et à Paris. En 1865, au retour dâ un voyage en Égypte, Émile Guimet commence une impressionnante collection d'antiquités Égyptiennes. Peu à peu il centre ses collections sur les religions et philosophies des peuples de l'Antiquité et de l'Orient lointain. | |
Une rétrospective de l'œuvre de Maxim Kantor, peintre russe contemporain, observateur satirique de la société post-soviétique à travers la présentation de 71 lithographies et d'une série de toiles. | |
Parce que le noir, c'est chic et intemporel, parce que le noir va avec tout, Sato Watanabe a conçu des vêtements élégants, avec à chaque fois, sa petite touch originale qui signe ses créations. Elle décline, dans cette couleur qu'elle affectionne tant, blouse, chemisier, veste et robe, en jouant sur les contrastes des tissus, sur l'originalité de la coupe, sur les détails... Vous trouverez sans aucun doute le petit vêtement noir qui vous ira si bien ! | |
The Victoria and Albert Museum has an unrivalled collection of Iranian textiles from the first half of the nineteenth century. There are over 900 examples of woven, printed and embroidered fabrics, which were used as garments and accessories, as well as for furnishings and religious textiles. This book presents, for the first time, over 200 Qajar textiles, and describes the political and economic context against which they were produced. Many of these beautiful fabrics will seem surprisingly familiar, so strong was their influence on European manufacturers. This collection, published with new photography and superb details, will interest interior designers, textile students and anyone involved in fashion. | |
Tout ce qu'il faut savoir pour réaliser et créer des chibis : ces mini personnages de mangas ! Les bases du dessin et de la mise en couleur sont clairement expliquées, qu'il s'agisse des moyens traditionnels (crayons de couleur, marqueurs à alcool, gouache...) ou numériques (Photoshop, Illustrator, Manga studio...). La méthode est simple. Chaque réalisation illustrée étape par étape inclut des lignes de base qui peuvent être copiées, scannées ou décalquées par les grands débutants. Les progrès sont rapides. Grâce aux astuces visuelles et aux formes qu'on s'exerce à simplifier et à exagérer, on peut réaliser 40 chibis typiques (lolita, ninja, koala...) et créer ses propres héros complètement kawaïs. Un premier pas dans l'art manga ! |
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