L'ouvrage «Paris 1950 : un âge d'or de l'immeuble» dévoile pour la première fois l'extraordinaire production des années 50, qui avec de 2 500 immeubles de logements construits à Paris en 10 ans, ont largement contribué à moderniser et dessiner le Paris d'aujourd'hui. | |
Voici la plus importante synthèse sur le mobilier traditionnel lorrain. Cc travail passionnant est l'aboutissement d'années de recherches menées conjointement par le Musée lorrain, à Nancy, et les musées de la Cour d'Or, à Metz. Plus de deux cents meubles, souvent inédits, y sont présentés en détail : historique, fabrication, matériaux, techniques, etc. Provenant de musées ou de collections particulières, ils offrent un large panorama de la production des XVIIIe et XIXe siècles. De l'exploitation du bois en forêt jusqu'à la reconnaissance de ce mobilier comme élément du patrimoine et de la mémoire des Lorrains, ce livre de référence, à travers près de quatre cents illustrations, propose une approche globale du sujet. Une vingtaine de spécialistes s'attachent à décrire les essences de bois, la fabrication des meubles, les formes propres à cette région... Tantôt sculptés, marquetés ou peints, les décors montrent l'inventivité et la diversité des meubles de chaque " pays " lorrain. Entre ethnologie et art décoratif, cet ouvrage est aussi une rencontre avec les familles qui ont utilisé et transmis ces meubles de génération en génération, ainsi qu'avec les menuisiers qui ont su leur donner la beauté qui nous charme aujourd'hui. | |
Jusqu'à ce jour, seuls quelques rares travaux d'érudition avaient été dévolus à la production armurière française de luxe. Les harnois commandés par François ler, Henri II, Charles IX ou par des souverains étrangers, aujourd'hui dispersés dans les grands musées d'armes du monde, comptent parmi les plus somptueux équipements défensifs. Les raffinements et l'exubérance maniériste caractéristiques des ornemanistes de l'école de Fontainebleau trouvent leur correspondance dans la virtuosité du travail au repoussé de ces armures, les métamorphosant en de véritables chefs-d'œuvre d'orfèvrerie. Leur confrontation avec les dessins préparatoires à leur décor renouvelle le regard qu'il convient désormais de porter sur des parures dont le degré d'excellence n'a rien à envier aux plus grandes oeuvres d'art. | |
L’art dans les chapelles, une association de 18 communes du centre Morbihan – Bieuzy-les-Eaux, Cléguérec, Guénin, Guern, Le Sourn, Malguénac, Melrand, Moustoir-Remungol, Neulliac, Noyal-Pontivy, Pluméliau, Pontivy, Quistinic, Saint-Barthélémy, Saint-Gérand, SaintThuriau, Saint-Aignan, Séglien et Silfiac – et de 2 communautés de communes – Baud et Pontivy communautés – invite, chaque été, depuis 19 ans, des artistes plasticiens à dialoguer avec le patrimoine religieux de la vallée du Blavet et du Pays de Pontivy, des chapelles édifiées pour la plupart aux XVe et XVIe siècles. | |
En réunissant plus de 200 oeuvres d’art exceptionnelles – pour la plupart jamais présentées au public – provenant de grandes collections privées et publiques européennes, le musée d’Aquitaine à Bordeaux propose, à travers l’exposition Arts d’Afrique, voir l’invisible du 21 mars 2011 au 21 août 2011, une lecture originale de la création africaine. Son rapport à l’invisible, révélateur d’une vision du monde singulière, est indispensable pour comprendre et découvrir les richesses passées et présentes des cultures du continent africain. Un premier espace couvre les principales aires culturelles de production des masques. Il présente des ensembles complets de masques avec costumes exceptionnels. Le deuxième espace évoque la spécificité de la statuaire africaine également perçue comme agent de communicatio avec l’invisible qui se manifeste entre autres au travers de rituels de protection ou de guérison; Le dernier espace traite de différents accessoires (boîtes,paniers, plateaux, figurines, cloches, talismans, agrégats…)qui, entre les mains des praticiens, permettent le contact avec l’invisible et restent des instruments énigmatiques. L’authenticité, la représentativité et le caractère inédit des oeuvres ont guidé le choix des objets provenant de musées français et européens (Quai Branly, Tervuren, Neuchâtel, Dapper) et de collectionneurs privés qui ont consenti des prêts exceptionnels au musée d’Aquitaine. | |
Les arts graphiques se développent à la fin du XIXe siècle. Dès le départ, la publicité s'empare de ce nouveau média, utilise les techniques les plus variées (de la sérigraphie au linoléum) et les langages visuels les plus avant-gardistes. Ils s'imposent pour définir l'image d'une marque, lancer une campagne publicitaire, mais sont également le vecteur de l'histoire : des périodes tragiques, avec les images de propagande à l'oeuvre aux heures sombres de la guerre, aux événements culturels, comme les expositions ou les spectacles. Enfin, ils s'imposent sur les murs des villes comme dans les magazines, sur les couvertures de livres ou les pochettes de disques. Alors que les professions d'illustrateur, de dessinateur ou d'affichiste commençaient à apparaître, de nombreux artistes se sont essayés aux arts graphiques. Citons parmi les plus célèbres Magritte, Rodchenko et Warhol. Cet ouvrage propose un panorama complet des arts graphiques, témoins et protagonistes de l'histoire du XXe siècle. | |
Une simple feuille de papier pliée crée un espace secret, que le lecteur ne découvre qu’en la dépliant. Découpes, plis ou déchirures, combinaisons de matières, de couleurs et de textes, rendent interactive et dynamique l’appropriation d’un objet par le lecteur et accroissent son impact. Cet ouvrage s’adresse à tous les graphistes, concepteurs, designers, professionnels de la communication ou de l’événementiel, et étudiants de ces domaines. Il présente l’art de transformer une feuille de papier en un objet 3D à travers plus de 110 réalisations inédites ou classiques (matériel promotionnel, flyers, livres, brochures...), conçues par des créateurs de renommée mondiale. Chaque réalisation présentée est décryptée : concept à l’origine de l’objet, considérations esthétiques, but recherché par l’auteur… Les techniques décrites vont du pli le plus simple aux pliages empruntant à l’art des origamis, en passant par le découpage à l’emporte-pièce et le collage de différents papiers destiné à créer des reliures animées et innovantes. A la fois source d’inspiration et outil de travail, cet ouvrage vous permettra de donner libre cours à toute votre créativité. | |
Une simple feuille de papier pliée crée un espace secret, que le lecteur ne découvre qu’en la dépliant. Découpes, plis ou déchirures, combinaisons de matières, de couleurs et de textes, rendent interactive et dynamique l’appropriation d’un objet par le lecteur et accroissent son impact. Cet ouvrage s’adresse à tous les graphistes, concepteurs, designers, professionnels de la communication ou de l’événementiel, et étudiants de ces domaines. Il présente l’art de transformer une feuille de papier en un objet 3D à travers plus de 110 réalisations inédites ou classiques (matériel promotionnel, flyers, livres, brochures...), conçues par des créateurs de renommée mondiale. Chaque réalisation présentée est décryptée : concept à l’origine de l’objet, considérations esthétiques, but recherché par l’auteur… Les techniques décrites vont du pli le plus simple aux pliages empruntant à l’art des origamis, en passant par le découpage à l’emporte-pièce et le collage de différents papiers destiné à créer des reliures animées et innovantes. A la fois source d’inspiration et outil de travail, cet ouvrage vous permettra de donner libre cours à toute votre créativité. | |
Paysagiste, passionnée par les arts visuels et le spectacle vivant contemporains, domaines dans lesquels elle a travaillé précédemment, ses projets éditoriaux et de jardins sont naturellement à la croisée de plusieurs disciplines, échos de nos mémoires collectives. Fruits des rencontres singulières de genres et de personnalités différentes qui se mêlent et s'entremêlent pour créer d'autres réalités, d'autres paysages... | |
Françoise Bergaglia a la passion des métiers. Après 20 ans passés dans tous les secteurs de l'industrie et des services de grandes entreprises et administrations à interviewer salariés et agents pour comprendre les composantes et anticiper les évolutions de leur activité, elle décide de se tourner vers un secteur différent de l'économie, celui des entreprises artisanales qu'elle accompagne depuis plusieurs années dans leur développement. Son goût personnel pour le bel ouvrage l'amène naturellement à se consacrer aux savoir-faire rares en lien étroit avec le patrimoine. Elle découvre à cette occasion qu'être artisan, c'est d'abord une façon de concevoir son métier et de vouloir le mettre en oeuvre. À travers cet ouvrage, elle a voulu donner la parole à des femmes et des hommes artisans de leur art tant par l'exercice exigeant de leur profession, que par les convictions et le bonheur qui les animent. Hermine Cleret est photographe indépendante. Depuis un tour du monde en 1990 et un reportage en Géorgie et Abkhazie en 1994, elle pose son regard sur le mouvement des visages et des paysages. Une exposition au théâtre de Suresnes en 2004 témoignait d'une rencontre inhabituelle: celle de danseurs de hip hop avec des artistes du cirque. Une autre exposition en 2007 à Perpignan dévoilait, à travers leurs gestes et postures, le travail des artisans restaurateurs polychromistes. Un livre sur la Singerie du château de Chantilly (2008) puis un autre sur les Ambassades à Paris (2009) montrent l'intérêt d'Hermine Cleret pour l'architecture et ceux qui la font : architectes et artisans. | |
Matériau fascinant, le bronze a toujours suscité l'intérêt des amateurs d'art. Les études des historiens se sont toutefois concentrées sur les sculptures et sur les statuettes, laissant souvent dans l'ombre une multitude d'objets dont la vocation utilitaire est sublimée par l'exubérance de leur décor et l'élégance de leur forme. Cet ouvrage propose une réhabilitation de la production française d'ustensiles de bronze. Il dévoile pour la première fois de nombreuses oeuvres signées ou datées permettant d'esquisser un nouveau panorama des fondeurs français aux XVIe et XVIIe siècles et de replacer plus précisément leur création dans leur contexte artistique. | |
A partir du IIe siècle, la culture figurative produite par Rome tend à s'eloigner progressivement des modèles grecs, tandis que l'Empire universel qui domine la Méditerranée se transforme : le défi permanent que représente le gouvernement d'un territoire immense et de plus en plus intégré, les alarmes provoquées par les peuples "barbares", les transformations du paysage religieux, subtiles ou saisissantes, métamorphosent le monde romain. Au cours de cette période (192-395) qui s'étend de la fin du principal de Commode à la mort de Théodose le Grand, les arts figuratifs connaissent une transformation radicale. L'ouvrage de R.Bianchi Bandinelli décrit ces mutations à la fois à Rome et dans les provinces, où les influences autochtones prennent une importance croissante, ouvrant la porte à des formes artistiques nouvelles. | |
L’événement s’est attaché à explorer les relations actuelles liant la bande dessinée à l’art contemporain. La bande dessinée possède depuis longtemps déjà ses maîtres du trait, de la composition, de la planche et de l’art du récit. Pour ne citer qu’eux, il y eut George Herriman avec Krazy Kat ou encore Frank O.King avec Gasoline Alley. Destiné, en apparence, à un public pour enfants, l’Histoire a passé sous silence le graphisme étourdissant des récits d’un Calvo ou d’un Franquin. La contre-culture des années 1970 participera à la légitimité future de la bande dessinée. Elle ne sera plus instrumentalisée, mais gagnera en autonomie. Des auteurs tels Robert Crumb, Moebius, Philippe Druillet ou encore Enki Bilal surent s’affranchir des critères traditionnels et amorcèrent une importante transition : la bande dessinée quitta son statut de « genre » et devint un « format », au même titre que la peinture ou la sculpture. La biennale d’art contemporain du Havre se veut le témoin et l’écho, non pas de cette mutation, mais de cette lente progression. | |
Au tournant du siècle, Bonnard prend l'habitude de séjourner de plus en plus longuement loin de Paris, et il entame un long dialogue avec la nature et la couleur. Le paysage devient alors l'une de ses sources d'inspiration essentielles et c'est en Normandie, près de Claude Monet, qu'il choisit d'acquérir une maison en 1912. Il y séjourne surtout l'été, faisant de son jardin, de sa terrasse et des sites des environs, ses sujets de prédilection. Pendant plus de vingt ans, Bonnard peint ainsi la lumière normande, dont il aime toutes les subtilités. Son art se détache progressivement du réel, qu'il transpose avec un sens de plus en plus aigu de la couleur et de la lumière. C'est cette part normande de l'oeuvre de Bonnard que ce catalogue met à l'honneur. Il présente un grand nombre de dessins et de peintures, étudiés par quatre spécialistes internationaux de l'oeuvre de l'artiste. | |
Sandro Botticelli (1445-1510) est l'artiste qui, mieux que tout autre, exprime la pensée de la Renaissance florentine, de ses splendeurs inquiètes, de ses idéaux moraux, culturels et esthétiques. Longtemps, on a donné de lui l'image romantique d'un artiste quelque peu isolé. Il n'en fut rien : à la tête d'un atelier florissant, il s'imprégna de la culture de son temps, comme le montre bien l'introduction de Cristina Acidini, surintendante des musées de Florence et en particulier de la galerie des Offices, qui abrite la plus vaste collection au monde d'oeuvres de Botticelli. | |
A l'ère du numérique et du (presque) tout écran, on pourrait se demander s'il est de quelque utilité de savoir dessiner une lettre à la plume et d'assembler un mot en gérant les espaces au point près. La typographie développée depuis l'invention de l'imprimerie par Gutenberg au XVe siècle a-t-elle quelque chose à apprendre à la PAO, Publication Assistée par Ordinateur d'aujourd'hui ? Les très nombreuses compositions " Indispensable ! Incontournable ! " répondent les auteurs. Et ils le prouvent au fil de cet ouvrage remarquablement documenté, fruit de leur expérience de graphistes et d'enseignants. Les très nombreuses compositions rythmant ces pages montrent comment les graphistes ont su accompagner les évolution. Typographie la lettre, le mot, la page propose un parcours progressif. Des exercices variés permettront à l'étudiant d'acquérir une parfaite maîtrise des bases techniques de la typographie et stimuleront sa créativité. Les professionnels trouveront dans ces pages de quoi se ressourcer. Hommage aux grands noms de la typographie et aux ouvriers de labeur, ce manuel est surtout une invitation à la création, en connivence avec les technologies qui pointent. La typographie vit au rythme de son temps. Aux typographes de profiter de l'effervescence qui règne autour des écrans : une nouvelle esthétique est à inventer. | |
Excessives, incisives et parfois de très mauvais goût, les caricatures racontent la Première Guerre mondiale plus vite, plus fort et de manière plus émouvante que bien des livres de textes. Horreurs de la guerre, généraux impitoyables, politiciens obèses, soldats-chair à canon, rien n'échappe aux crayons des caricaturistes. Qu'ils soient français, anglais, allemands ou russes, ils savent nous raconter les effrois de la Grande Guerre. | |
Si les champs d'application du design n'ont cessé de s'étendre depuis son invention, il aura fallu attendre le XXIe siècle pour que les designers s'intéressent de près au domaine de la cuisine. Pourtant, lié aussi bien à l'artisanat qu'à l'industrie, l'économie et la science, le design culinaire a légitimement sa place parmi les nombreuses formes de design. Bien évidemment, son ambition n'est pas de se substituer à l'art de la gastronomie, mais de s'ouvrir à une complémentarité pertinente. Cette nouvelle branche du design convoque en effet tous les sens à sa table : si le gustatif a la place d'honneur, le design culinaire suscite aussi d'autres questionnements, visant à exprimer des intentions, des références ou des émotions, sans pour autant intellectualiser te message. Coécrit par Stéphane Bureaux, l'un des pionniers du design culinaire, et Cécile Cau, journaliste spécialisée en gastronomie, cet ouvrage très richement illustré dresse un large panorama de cette jeune discipline, en France et à l'étranger. Décomposé en douze chapitres qui sont autant de lectures possibles de ce récent terrain d'investigation, il met en évidence les connivences étroites existant entre le design culinaire et les grands chefs (Ferran Adrià, Heston Blumenthal, Thierry Marx, Pierre Hermé...), la science (Hervé This), les arts de la table, ou même l'humour. | |
Dans le sillage de Holbein et de Bronzino, Jean et François Clouet révolutionnent dès le deuxième tiers du XVIe siècle le portrait de cour. Acuité psychologique et richesse des effets de matière augurent déjà des splendeurs des deux siècles suivants et du brio d'un Rigaud ou d'un Largillierre. Longtemps, pourtant, on a confondu les deux artistes et leur entourage. Le château de Chantilly conserve 78 portraits peints et plus de 350 dessins, non seulement des Clouet mais également de leurs suiveurs, Pierre Dumoutier ou François Pourbus. Cet ensemble exceptionnel éclipse les collections du Louvre. A l'occasion de l'exposition « L'Art du portrait à la cour des Valois », présentée à Chantilly à partir de mars 2011, deux spécialistes universels ont sélectionné pour ce livre une centaine d'effigies parmi les plus saisissantes. | |
" Je me suis référé au grand livre universel qu'est la Bible. Dès mon enfance, elle m'a rempli de visions sur le destin du monde et m'a inspiré dans mon travail. Dans les moments de doute, sa grandeur et sa sagesse hautement poétique m'ont apaisé. Elle est pour moi comme une deuxième nature ". Marc Chagall lors de l'inauguration des vitraux de la Fraumünster de Zurich le 5 septembre 1970. | |
Plus de 150 oeuvres issues des collections du Musée national d'art moderne permettent de retracer une période particulièrement féconde de l'histoire de l'art du XXe siècle, l'avant-garde russe, avec comme fil conducteur l'univers fascinant d'un des grands poètes de la peinture moderne : Marc Chagall. Le Centre Pompidou présente pour la première fois dans cette ampleur les plus belles oeuvres de sa collection d'art russe, dont les fleurons sont les ensembles Chagall et Kandinsky. Plus particulièrement, l'exposition s'organise autour de Chagall, et met en évidence les rapports qu'il entretint avec le milieu artistique de l'avant-garde russe. Issu d'un art populaire profondément enraciné dans la culture du pays, fruit d'une rupture avec l'académisme et d'échanges nombreux avec les avant-gardes européennes de Paris, Berlin ou Munich, cet art russe prend des formes très singulières. Des peintures et des sculptures révèlent ce nouveau langage plastique mais aussi des dessins, des gravures, des photographies, des affiches, des projets de décors, des reliefs et des constructions.L'exposition qui rassemble de manière tout à fait exceptionnelle plus de 150 pièces et réunit 24 artistes autour de Chagall met en perspective la naissance et l'épanouissement de cette avant-garde, du néo-primitivisme au constructivisme, en passant par les collaborations avec le monde du spectacle. | |
Rompant avec le canon du siècle de Périclès, le monde hellénistique a longtemps été considéré comme une période de décadence, annonçant la mainmise des Romains sur la Méditerranée. Les grandioses découvertes par M. Andronikos en 1977 des tombes royales macédoniennes ont radicalement changé notre point de vue. Là où nous avions des copies romaines, nous nous trouvons désormais face à des originaux du IVe siècle. De même, la multiplication des fouilles au-delà des frontières de la Grèce classique, sur les territoires occupés par les Grecs depuis l'Egypte lagide jusqu'au Penjab, nous montre la grandeur inouïe de l'art et de la civilisation de ces trois derniers siècles av. J.-C. L'architecture, la peinture, la sculpture, l'art du feu - métal, verre, céramique -, tous les domaines sont revisités. Dépassement des frontières, curiosité pour les peuples nouvellement côtoyés au quotidien, dans leurs croyances et dans leurs expressions artistiques : cette acculturation du monde hellénistique allait produire des chefs-d'oeuvre originaux et exceptionnels dans tous les domaines. Le texte d'origine de Jean Charbonneaux, Roland Martin et François Villard, illustré par une documentation photographique largement en couleur, est introduit par une nouvelle présentation et augmenté d'une bibliographie mise à jour dues à Jean-Yves Empereur, directeur de recherche au CNRS. | |
Comparé fréquemment aux plus grands artistes de la Renaissance pour la diversité de ses talents, Charles Garnier (1825-1898) symbolise tout l’art exubérant du Second Empire. Le catalogue essaie de restituer et de comprendre la personnalité de l’architecte qui se cache derrière ces superlatifs, un caractère complexe et attachant oscillant entre raison et fantaisie, à l’image des bâtiments qu’il édifia. Le catalogue réunit 145 dessins, une soixantaine de photographies et une trentaine de peintures qui présentent un portrait intime de l’artiste et dressent un panorama de sa production. | |
Catalogue de l’exposotion qui c’est tenue du 5 octobre au 11 décembre 2010 "Chin 4 siècles de céramique de la Corée au Japon, une odyssée familiale, 15 générations de céramistes Chin Jukan" à l’espace des Arts Mitsukoshi-Etoile à Paris. Les reproductions sont présentées en trois chapitres, comme suit : 1. De l'époque Momoyama (1568-1603) à la fin de l'ère Edo (1603-1868); 2. L'âge moderne : de l'ouverture de Meiji (1868-1912) aux années Taishô (1912-1926) [(1) Ustensiles pour la cérémonie du thé, (2) Vases, (3) Brûle-parfum, (4) Objets d'art]; 3. Des années Shôwa (1926-1989) à nos jours. | |
A la suite de l'exposition Sainte Russie présentée en 2010 et de la saison russe en France, le Musée du Louvre a souhaité rendre compte de la Russie au présent avec la présentation de travaux d'une quinzaine d'artistes : Yuri Albert, Erik Boulatov, Olga Chernysheva, Diana Machulina, Pavel Pepperstein... | |
Lucas Cranach occupe une place prépondérante dans l'histoire de l'art européen. Peintre officiel de la cour de Saxe et portraitiste de talent, il fut aussi l'ami de Luther et des réformateurs dont il contribua, par ses peintures et ses gravures, à diffuser les idées en Allemagne. C'est à la richesse de son oeuvre et à son parcours jalonné de rencontres déterminantes avec les représentants majeurs de la vie politique, artistique et religieuse de la première moitié du XVIe siècle, que l'exposition "Cranach et son temps", au musée du Luxembourg, rend hommage. | |
Dada est un mouvement artistique, littéraire et politique, apparu à Zurich en 1916. Souvent présentée à tort comme un groupe de plaisantins potaches et destructeurs, la cinquantaine d'artistes qui forment la constellation internationale des créateurs dada - Tristan Tzara, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, Paul Eluard, Francis Picabia, Man Ray, Marcel Duchamp... - a une influence majeure sur l'art du XXe siècle et d'aujourd'hui. Lucide, sérieux, rationnel, engagé, distant, frivole, angoissé, révolté, individuel, collectif, Dada concerne tous les médias, toutes les disciplines, tous les genres, sans aucune hiérarchie. Le mot et l'image ne font qu'un. Le peintre et le poète sont inséparables. La revue a autant d'importance que le tableau. Dada est la vie. Il n'y a pas de style dada. Dada réinvente les processus de création et libère l'art de ses carcans. Ce n'est pas Dada qui est absurde, c'est l'époque. Ce livre invite à un parcours dans la folie de la révolte dada. Après une rétrospective des plus importantes manifestations dadas depuis 1916, l'ouvrage se concentre sur la grande exposition itinérante de 2006 coproduite par le Centre Pompidou à Paris et la National Gallery of Art à Washington, en association avec le MoMA à New York. Dada Paris Washington New York offre des vues comparées des trois scénographies, apportant ainsi un témoignage exceptionnel sur les accrochages successifs. | |
À la croisée de la peinture impressionniste et de la photographie, cet ouvrage richement illustré évoque l'univers artistique et intime de Gustave et de Martial Caillebotte, témoins d'une époque de mutation urbaine et technique et d'un nouvel art de vivre de la fin du XIXe siècle. Publié à l'occasion de l'exposition " Dans l'intimité des frères Caillebotte ; Peintre et photographe " présentée au Musée Jacquemart-André puis au Musée national des beaux-arts du Québec, ce catalogue dévoile les affinités qui unissaient les deux frères, en faisant dialoguer pour la première fois une cinquantaine des oeuvres de Gustave et plus de cent trente photographies de Martial. | |
Apprendre à reconnaître et à décoder les éléments architecturaux représentatifs, depuis l’Antiquité grecque jusqu’à nos jours. Un ouvrage accessible à tous est une mine de renseignements sur l’architecture. Dans ce livre vous trouverez une définition des styles architecturaux, des différents usages et des matériaux de constructions. Puis une étude des éléments architecturaux tels que les colonnes, les cheminées, les toits, les escaliers, les fenêtres, les portes, ou encore l’ornementation. | |
Créée aux Pays-Bas en 1917, la revue De Stijl reste l'une des sources majeures des avant-gardes historiques. Réunissant autour de Theo Van Doesburg une quinzaine de créateurs incontournables dont Piet Mondrian, Bart Van der Leck, Vilmos Huszàr, Jacobus Johannes Pieter Oud, Gerrit Rietveld et Cornelis Van Eesteren, De Stijl diffuse ses théories sur le " néoplasticisme " dans toute l'Europe. Bien que cette revue soit, tout comme le Bauhaus, à l'origine de l'idée même de modernisme, il n'existait à ce jour aucune publication en français rassemblant les documents permettant de comprendre les enjeux esthétiques de ce courant fondateur de l'abstraction, qui a largement oeuvré pour une synthèse des arts. Le catalogue de l'exposition, dirigé par Frédéric Migayrou, fait appel à une nouvelle génération de chercheurs ainsi qu'aux conservateurs du Centre Pompidou pour présenter les domaines de réflexion explorés par De Stijl : la relation de la conception et de la forme, les outils de l'élémentarisme, l'usage de la couleur, le statut de l'image, ou encore le rapport à l'architecture, au design et à l'urbanisme. Découpé suivant quatre entrées thématiques que vient compléter une anthologie des textes de Theo Van Doesburg, ce catalogue s'inscrit, par son ambition critique et documentaire, dans la tradition des ouvrages de référence proposés par le Centre Pompidou. | |
«Je me défendrai toujours d’être un photographe : cette attraction me fait peur, il me semble qu’elle peut vite tourner à la folie, car tout est photographiable, tout est intéressant à photographier, et d’une journée de sa vie on pourrait découper des milliers d’instants, des milliers de petites surfaces, et si l’on commence pourquoi s’arrêter ?» «La photo qu’un autre que moi pourrait faire, qui ne tient pas au rapport particulier que j’ai avec tel ou tel, je ne veux pas la faire.» «J’aime dans le travail le moment où il décolle imperceptiblement vers la fiction après avoir pris son élan sur la piste de la véracité.» Hervé Guibert. | |
Les monstres nous ont toujours intrigués. D'abord peints sur les murs des grottes préhistoriques, ils étaient au coeur des mythes religieux égyptiens et mésopotamiens, pour apparaître sous les traits de Béhémoth et du Léviathan dans l'Ancien Testament. Dans la mythologie classique, les monstres incarnent le fantasme des dieux et s'apparentent à la plus cruelle punition des hommes. Du Minotaure au manga, ils revêtent souvent une forme mi-animale mi-humaine, même si certains, comme le griffon ou le dragon, d'apparence animale, n'ont d'humain que leur esprit calculateur. D'autres, tels que le loup-garou ou le vampire, prennent tour à tour plusieurs visages. Les monstres témoignent de l'imagination infinie et indestructible de l'homme. Ce livre présente ces créatures, qu'elles soient bonnes ou maléfiques, au fil des époques, là où la cruauté libère notre imagination. Les illustrations fantastiques et étranges font de Monstres un recueil visuel à la fois sombre et captivant, dans lequel s'incarne l'esprit humain, souvent de façon surnaturelle et sauvage. | |
C’est en 1912 que le romancier américain Edgar Rice Burroughs crée le personnage de Tarzan, qui connaît d’emblée un tel succès planétaire que le cinéma s’en empare dès 1918. Bientôt cent ans ! Belle occasion, pour le mythique seigneur de la jungle de se demander aujourd’hui si le 7e art, la télévision et la BD ont su rester fidèles au héros inventé par l’écrivain à l’imagination débridée et reproduire scrupuleusement l’image du roi des singes. Quels réalisateurs, quels acteurs, quels dessinateurs ont réussi l’alchimie d’incarner à la fois le tueur d’antilopes mangeur de viande crue et l’élégant lord anglais qui parle plusieurs langues et dialectes ? Cent ans après, cet ouvrage retrace, à travers le regard de Tarzan lui-même, non seulement l’épopée foisonnante des images qu’il a suscitées – 21 acteurs pour 43 films au cinéma et 57 séries télévisées – mais aussi la forêt vierge des 500 émissions de radio et des 12 000 bandes dessinées et illustrés pour enfants qu’il a inspirés pour savoir s’il y retrouve son propre personnage, tel que le décrivait Edgar Rice Burroughs, « géant bronzé aux yeux gris, visage adouci d’un dieu grec sur un corps de gladiateur »… | |
Les Dogon, qui très tôt ont occupé les falaises de Bandiagara au Mali, comptent dix siècles d'existence. De cette culture, on connaît surtout les masques impressionnants et la statuaire fascinante, alors que l'ensemble de la création plastique dogon compte bon nombre d'autres pièces, cultuelles ou d'usage quotidien, à l'esthétique remarquable. Cet ouvrage s'attache à nous faire découvrir l'histoire politique, culturelle et artistique du peuple dogon, dans toute sa complexité, et rend hommage, à travers plus de 300 chefs-d'oeuvre, à la force et la majesté de l'art dogon. | |
Née à Rotterdam, Sacha Van Dorssen, plus connue sous le nom de Sacha, étudie à l’Académie des beaux-art Sint Joost de Breda. Elle vient à Paris en 1963 et rencontre le directeur artistique du magazine Elle, Peter Knapp, qui lui commandera ses premières images. À partir de 1964, elle travaille régulièrement pour ce titre et pour de nombreux magazines français et étrangers. En 1977, elle engage une étroite collaboration avec le mensuel Marie Claire qui va se poursuivre jusqu’en 1999. Parallèlement, elle travaille pour des maisons telles que Hermès, Louis Vuitton ou Yves Saint Laurent, et pour des agences de publicité parmi lesquelles Mafia. Elle contribue à plusieurs ouvrages de référence sur la mode aux éditions du Regard. Elle continue aujourd’hui de travailler, entre autres pour le magazine Bloom. | |
Des balbutiements de l'imprimerie aux années 1960, une grande épopée illustrée qui a su se renouveler et évoluer au fil des époques. Une iconographie d'une incroyable richesse. A vos souvenirs ! Replongez-vous dans ces anciens alphabets découverts dans un grand livre ou sur ces cubes colorés reçus à Noël... Albums, cubes, chromolithographies, gravures, jeux de cartes... des supports variés pour l'apprentissage de la lecture. Un univers qui a suivi les progrès de la pédagogie et du graphisme. | |
Élève de Gustave Moreau, ami de Georges Rouault, Émile Brunet (1869-1943) fut l’un des rares représentants de la peinture symboliste à Bordeaux. Son art – qui suggère plus qu’il ne montre – a su rendre compte des mystérieuses correspondances que la nature entretenait avec son monde intérieur. Aussi ses sujets profanes ou mystiques – femmes en communion avec la nature, immatérialité de l’atmosphère si particulière des paysages du Bassin d’Arcachon, spiritualité des œuvres religieuses –, s’expriment tous avec un sentiment d’attente, de silence et de recueillement. L’originalité de la peinture de Brunet tient aussi à sa technique. La matière est obtenue par des accumulations de pâte qui se superposent, laissant pointer ça et là le goût de joaillier de son maître Gustave Moreau. Mais parfois, le peintre fait subir à son dessin une épuration plus synthétique qui l’entraîne du côté des Nabis, des Fauves ou des Cubistes. Cette œuvre sensible, très personnelle, totalement en décalage avec les productions bordelaises de l’entre-deux-guerres, est à redécouvrir et à méditer dans le contexte de notre époque troublée. | |
Grande famille nobiliaire hongroise dont les origines remontent au Moyen Âge, les Esterházy, fidèles à la couronne impériale des Habsbourg, ont servi l'Autriche aussi bien dans l'armée que dans l'administration. Dès le XVIIe siècle, les princes Esterházy - le grand palatin Paul (1635-1713) et Nicolas Ier « le Magnifique » (1714-1790) - constituent leur collection d'art comme témoignage de leur magnificence. La collection atteint son apogée avec Nicolas II (1765-1833), mécène et amateur éclairé ; elle comprend à la mort de celui-ci 1156 tableaux. | |
Installé à Montmartre en 1871, Eugène Grasset fait ses débuts au cabaret du Chat Noir. Sa rencontre avec l'imprimeur et collectionneur Charles Gillot est essentielle. C'est lui qui le fait participer au renouveau du livre illustré et de l'affiche, à l'enseigne du japonisme et du médiévisme. Ne concevant l'art du futur qu'à la lumière des enseignements du passé, ce fils d'ébéniste conjugue une culture encyclopédique et une connaissance sans égale des matériaux et des techniques qu'il met au service de sa vision d'un art pour tous, répandu dans les objets du quotidien (mobilier, tapisserie, céramique, vitrail, joaillerie). Marqué par les esthétiques préraphaélite et symboliste, Grasset expose au Salon de la Rose+Croix, à La Libre Esthétique de Bruxelles, à la Sécession viennoise. Il triomphe en 1900 à l'Exposition universelle de Paris, où il expose des bijoux dessinés pour Henri Vever et réalise le décor du Salon du costume. | |
Un manifeste de Thomas Hirschhorn sur Manuel Joseph c'est une exposition, un livre, un film ! Au-delà des supports de la poésie traditionnelle, l'artiste suisse Thomas Hirschhorn s'intéresse aux nouvelles formes adoptées par les poètes d'aujourd'hui à travers les écrits de son ami, le poète Manuel Joseph. À partir d'une collection constituée sur 15 ans, de mots, de lettres et d'objets signés du poète, l'artiste livre une exposition s'attachant à traduire la réalité de cette discipline artistique et à y impliquer le public. Je veux exposer la poésie de Manuel Joseph. Depuis 25 ans que je le connais, Manuel Joseph m'a démontré que la poésie est sa réalité et qu'il la vit dans une radicalité inouïe - avec ses livres, ses lectures publiques, les textes intégrés, ses papiers disséminés, ses échanges administratifs. Je veux essayer de montrer que cette réalité - la réalité d'un poète aujourd'hui - va bien au-delà du fait d'être imprimé dans un livre à couverture blanche. Je veux montrer que la poésie de Manuel Joseph possède les ressources pour impliquer le public. | |
Cet ouvrage est consacré aux salons privés de Paris fin de siècle qui exercèrent une influence artistique indéniable. Un certain nombre de personnalités féminines comme la princesse Mathilde, ou la princesse de Polignac, Madame Baignière ou Madame de Saint-Marceaux surent imprimer à la vie mondaine une qualité culturelle indéniable, en particulier dans le domaine musical. D’autres, comme Madeleine Lemaire, peintre de son état, attirèrent également les talents de la République naissante. Marcel Proust, qui fréquentait les unes et les autres, s’est fait le chroniqueur de cette vie culturelle fin de siècle. Sous le signe de la rose et d’un déluge de fleurs, les talents féminins dans le domaine pictural y avaient pour noms Madeleine Lemaire, Laure Abbema, Rosa Bonheur, Louise Breslau, Marie Bashkirtseff, Marie Laurencin, Berthe Morisot, Blanche Odin. L’ouvrage restitue les œuvres de ces artistes et l’atmosphère de ces salons chroniqués par Proust, Montesquiou ou Raynaldo Hahn. | |
Résidence d'agrément, lieu de vie des souverains et siège du pouvoir, le palais des Tuileries accompagne l'histoire de France de sa silhouette devenue composite au fil des siècles. Entrepris par Catherine de Médicis, le palais des Tuileries est poursuivi et agrandi par Henri IV. Louis XIV en fait un séjour habitable pour la famille royale et la cour tout entière. Haut lieu de l'Ancien Régime, il est le théâtre de sa chute le 10 août 1792. Mis à sac, le palais retrouve sa splendeur sous l'Empire. Napoléon III y effectue à son tour des travaux titanesques et réalise enfin le grand projet d'unification avec le Louvre. Pris dans les tourmentes de la Commune, les Tuileries sont ravagées par un incendie tragique en 1871. Leurs vestiges calcinés, fantôme du palais au coeur de Paris, ne sont abattus que douze ans plus tard au terme de combats politiques acharnés. Chaque époque est marquée par l'intervention des architectes les plus talentueux : Philibert Delorme, Jean Bullant, Baptiste Androuet du Cerceau, Louis Le Vau, Jacques-Germain Soufflot et Ange-Jacques Gabriel, Charles Percier et Pierre-François-Léonard Fontaine, Hector Lefuel... tous oeuvrent à la construction, à la transformation et à l'agrandissement du palais, repensant en profondeur la logique du projet pour le compte de leurs prestigieux commanditaires. Grâce à une description et une analyse architecturale du bâtiment au cours des siècles, Guillaume Fonkenell signe avec Le Palais des Tuileries un ouvrage de référence, faisant le point sur les dernières recherches. Le recours à la technologie 3D donne à voir le palais aujourd'hui entièrement disparu grâce à des restitutions virtuelles exceptionnelles, offrant ainsi au lecteur une appréhension renouvelée de ce lieu mythique. | |
Le Musée Carnavalet de Paris recèle des collections exceptionnelles reconstituant des intérieurs parisiens à travers les siècles. L’auteur nous présente dans cet ouvrage une description des boiseries qui décorent les pièces du musée et qui sont autant de témoins de la virtuosité des artisans ornemanistes et sculpteurs. | |
François Morellet a choisi de consacrer cette exposition à un aspect particulier de son oeuvre : les installations. " Depuis 48 ans, j'ai souvent pris un plus grand plaisir à imaginer et réaliser ces installations, mises en place éphémères d'éléments légers disposés différemment selon l'architecture de chaque lieu d'exposition, qu'à organiser des rétrospectives classiques [...]. Le titre Réinstallations est tout à fait justifié si l'on admet que la qualité la plus spécifique d'une installation est d'être éphémère : elle se doit de mourir pour éventuellement renaître, modifiée, bien entendu, par le nouvel espace qu'elle occupera. " Conçu à l'occasion de cet événement, l'ouvrage dirigé par les deux commissaires de l'exposition, Alfred Pacquement, directeur du Musée national d'art moderne, et Serge Lemoine, professeur d'histoire de l'art à la Sorbonne, retrace le parcours unique de l'artiste sous le prisme de ces Réinstallations. | |
Une rétrospective consacrée à l'artiste, qui compte parmi les artistes conceptuels les plus importants de la seconde moitié du XXe siècle. C'est au cours de sa première exposition, réalisée en 1973, qu'il a enoncé la première de ses 294 "définitions-méthodes", un mode de création dont le but est de détruire les modes d'existence du tableau. | |
De Chanel à Dior, en passant par Cartier et Guerlain, le monde des parfums est synonyme de luxe et de volupté. Or on oublie trop souvent que l'histoire d'un parfum commence avec une fleur, un fruit, une écorce odorante... Belles exotiques ou simples herbes folles, ces plantes ont en commun le pouvoir d'éveiller nos sens par leur odeur parfois surprenante. Les cultivateurs-extracteurs sont les premiers à entrer en piste : ils repèrent les meilleures variétés, les testent, les cultivent puis récoltent avec soin cette matière première qui vaut déjà de l'or. Les plantes vont ensuite être transformées grâce à différents procédés pour en extraire les essences, huiles et eaux florales. À partir de ces extraits, les parfumeurs, à la fois artistes et scientifiques, font leur alchimie ; entre essais et coups de génie, c'est de leurs mains que sortent ces délicates fragrances qui font nos parfums préférés. | |
Voici un tour du monde des textiles islamiques, superbement illustré de 700 photographies : tapis de prière brodés de Turquie, manteaux anatoliens en « ikat », bourses de tricot ottomanes, chaussettes ornées de perles des Balkans, voiles berbères, robes syriennes à motifs en réserve, calottes au crochet iraquiennes, tentures saoudiennes à décor appliqué, robes indigo du Yémen, sacs en soie rayée du Caucase, sarongs en batik d Indonésie, lés étroits cousus bord à bord d'Afrique de l'Ouest. L'Islam n'a pas seulement propagé l'une des grandes religions du monde depuis le VIIè siècle, il a aussi créé un vaste réseau commercial qui a permis de développer l'artisanat textile de façon considérable. Le rejet des formes humaines ou animales a poussé les artisans à créer de riches décors, des motifs abstraits, à utiliser la vie végétale ou des formes géométriques, à s'inspirer de la calligraphie et de mettre fortement l'accent sur l'ornementation. Ne sont-ils pas les inventeurs de l'arabesque, ce motif de ligne courbe ininterrompue ? Ils ont créé le coton, la matière première privilégiée de l'habillement (en arabe qutun). | |
De nos jours, les mots "toiles de Jouy" sont synonymes de toiles monochromes aux charmants décors bucoliques. En réalité, ces toiles de coton imprimées ont été produites dans une gamme de couleurs et de motifs extra-ordinairement variée, non seulement à la célèbre manufacture Oberkampf de Jouy-en-Josas, mais aussi dans les innombrables fabriques qui prospérèrent en France au XVIIIe siècle et au début du siècle suivant. Cet ouvrage présente l'histoire de ces toiles imprimées, leur fabrication, l'origine de leurs motifs ainsi que leur rôle décoratif dans l'habillement et l'ameublement. L'auteur raconte la naissance de cette mode qui a suivi l'introduction des cotons indiens en France aux XVIe et XVlle siècles, ainsi que l'histoire des manufactures qui employèrent des dessinateurs talentueux chargés de la création de motifs aux styles variés: floral, littéraire, néoclassique, allégorique, bucolique ou commémoratif. Nombre de ces toiles étaient destinées à la robe et aux intérieurs de l'aristocratie. Avec l'avènement de l'ère industrielle, cependant, la modernisation des outils de production et la fabrication en série marquèrent le déclin de ces toiles imprimées. Leur style bien particulier tombe en désuétude au milieu du XIXe siècle pour retrouver plusieurs décennies plus tard une popularité certaine. Les toiles de Jouy restent aujourd'hui en effet des imprimés de référence célèbres dans le monde entier. | |
La grimace ne cesse, depuis la Renaissance, de s’immiscer dans les débats théoriques sur l’imitation et l’expression de la nature : loin de se réduire à un simple motif, elle est une façon détournée et parodique de poser la question de la figuration. L’intérêt des artistes de la fin des Lumières - les bustes de Franz Xavier Messerschmidt, les fantasmagories de Francesco Goya, les autoportraits sarcastiques de Joseph Ducreux et de Jean-Etienne Liotard ou les rictus de l’architecte Jean-Jacques Lequeu - montre que l’histoire des passions ne concerne pas seulement les mouvements expressifs sous contrôle, mais également ceux qui s’écartent le plus des conventions sociales, culturelles et esthétiques. Tel est l’objectif de cette généalogie des représentations de la grimace. Elle emprunte plusieurs pistes, balisées de nombreuses images, parfois méconnues ou dispersées, replacées ici dans leur contexte intellectuel et artistique. C’est ainsi qu’émerge peu à peu une conception des rapports du physique au moral et au mental dont nous sommes aujourd’hui les héritiers. | |
Avec cette exposition, la ville d’Evian a choisi d’explorer un thème qu’elle connaît particulièrement bien, celui de l’eau. L’exposition a présenté une sélection de travaux réalisés par 22 artistes internationaux qui - par le biais de différents médias (sculpture, installation, vidéo, photographie, peinture) - se confrontent au thème de l’eau à travers une approche du sujet très différente - du naturel à l’artificiel, de leur vision des paysages à la forme humaine, d’une approche ludique à une déclinaison catastrophique. Les artistes : Andrea Abati, Doug Aitken, Andreoni_Fortugno, Stefano Arienti, Lina Bertucci, Daniele De Lonti, Flavio Favelli, Douglas Gordon, Jeppe Hein, Noritoshi Hirakawa, Damien Hirst, Carsten Höller, Karen Kilimnik, Sharon Lockhart, Eva Marisaldi, Carmelo Nicosia, Enzo Obiso, Hermann Pitz, Toshio Shibata, Fiona Tan, Charles Ray, Nobuko Tsuchiya. | |
«J'ai passé la plus grande partie de ces dernières années à sillonner les régions rurales de la Chine. La réalité de la vie quotidienne se révélait à travers toutes sortes de rencontres, parfois instantanément, parfois au gré d'un échange plus long. Une petite plongée dans l'univers intime de ces êtres humains.» Robert van der Hilst voyage beaucoup et sans doute a-t-il hérité en cela de la tradition hollandaise. Ce livre est l'aboutissement d'un long périple commencé en 2004 à travers les villes et les campagnes de ce pays en pleine mutation, à la rencontre de son peuple. Sensible au regard porté par Robert van der Hilst sur son pays, Yu Hua, le célèbre romancier chinois, s'est lié d'amitié avec le photographe : «Je suis heureux de présenter Intérieurs chinois : ses photographies viennent du cœur et expriment la dignité de l'homme. Voici un livre qui fera date.» | |
Le fantastique n'est il pas une dimension inhérente à la création artistique, qu'elle soit littéraire, plastique ou musicale ? En un sens, tout artiste pourrait dire, avec Baudelaire, qu'il " préfère les monstres de sa fantaisie " à " la laideur de la nature " (Salon de 1859) Dimension si essentielle qu'elle unit des oeuvres littéraires aussi distinctes que celles de Borges, de Poe, de Maupassant ou de Hoffmann ; et que, en dehors même du genre consacré, elle imprègne les récits plus " réalistes " de Pulfo (Pedro Parramo), de Balzac (Le Chef-d'oeuvre inconnu), d'Henry James (What Maisie knew) Le risque est de l'envisager comme une notion si vaste et si confuse qu'elle englobe tout ce qui s'oppose au plat naturalisme : toutes les oeuvres d'imagination pourraient, dès lors, s'y rattacher. Ou, à l'inverse, de le définira priori selon des catégories abstraites qui le distinguent du fabuleux, du merveilleux, du féérique, et de l'enfermer en un étroit pédantisme. L'approche de Werner Hofmann s'écarte de la confusion comme du dogmatisme. Elle est concrète, ouverte, subtilement analytique. De chaque oeuvre il extrait l'essence particulière du fantastique qui en émane : et de cette sensuelle approche, se dégage une vision plurale du fantastique, perçu non pas négativement, comme ce qui refuse le réel, mais, plus profondément et selon l'étymologie du terme, comme ce qui " apparaît " en lui, émanant de la réalité par étrange déviation, ou rompant brutalement avec lui. | |
Géricault introduit dans la peinture le mouvement, la couleur, et les thèmes réalistes qui permettent de parler, à partir de Delacroix, son héritier spirituel, d'une nouvelle école : le romantisme. Né le 26 septembre 1791 à Rouen, mort à Paris le 26 janvier 1824, Théodore Géricault n’aura que deux passions : l’art et le cheval. Sa mère meurt en 1808, et grâce à son héritage, le jeune Théodore entre dans l’atelier de Carle Vernet, peintre spécialisé dans l’étude des chevaux. Après avoir échoué au concours du Prix de Rome en 1816, il voyage en Italie, découvre les peintres de la Renaissance italienne, Michel-Ange, Raphaël et le peintre flamand Rubens. De retour à Paris, il s’installe rue des Martyrs, pas loin de son ami Horace Vernet, et prépare une oeuvre monumentale : le Radeau de la Méduse, qui sera présentée au Salon de 1819. | |
Ce livre est une invitation à explorer l'étrange univers des costumes de scène, façonnés dans des matières bien éloignées des brocarts, dentelles, soies et satins... Les ateliers de couture chargés de créer les tenues de scène se transforment très souvent en laboratoire expérimental où l'imagination du décorateur et des couturiers est libre et presque sans limite. Devenant tour à tour alchimistes, peintres, sculpteurs, ensembliers, ces artistes et ces artisans s'ingénient à teinter, malaxer, brûler, lacérer ou superposer des matières où se mêlent carton, bois, métal, toile cirée, rhodoïd, skaï, lycra, éponge et jute... Le caoutchouc devient armure de métal, le plastique cotte de maille, la ficelle et le latex se métamorphosent en délicates broderies, boulons, vis et clous se muent en bijoux. Des traitements parfois rudes font oublier les textures d'origine et donnent vie à des effets, se prêtant au jeu du rêve et de l'imaginaire, au pouvoir de la suggestion et à l'imitation décalée du vrai. | |
Le catalogue de cette exposition se tiendra au musée de la Vie romantique du 8 mars au 17 juillet 2011 réunira, à travers une centaine de peintures, dessins et objets d’art, certaines des plus emblématiques réalisations qui ont marqué l’histoire des parcs et jardins français. Cet ouvrage nous invite à une balade dans le jardin pittoresque avec son cheminement qui offre une infime variété d’impressions sensorielles au promeneur qui découvre tour à tour, grottes, ponts surplombant des cascades, moulins, bois parsemés de tombeaux, ermitages et « fermes ornées »… jusqu’aux jardins « paysagers » où s’affirment de vastes pelouses encadrées de massifs et groupes d’arbres. Il est également une histoire de la botanique de la fin du XVIIIe siècle au milieu du XIXe et une histoire de l’art de concevoir les jardins depuis le parc d’Ermenonville du marquis de Girardin jusqu’à la transformation du parc Mont Louis en cimetière du Père La Chaise par Brogniard. | |
Jean-Louis Forain acquiert une immense renommée en publiant pendant un demi-siècle des dessins pleins d'ironie dans la presse. Il sait faire rire les Parisiens, notamment en dénonçant les travers du bourgeois. Destinés à des journaux aussi variés que Le Figaro, Le Courrier français, The New York Herald ou Le Rire, ses dessins sont ensuite réunis dans des volumes dont le premier, La Comédie parisienne, paraît dès 1892. Au-delà de la simple satire, Forain est un peintre de moeurs qui révèle les dessous de la société, depuis la Belle Epoque jusqu'aux Années folles. Fort de douze essais thématiques et plus de deux cents reproductions, cet ouvrage présente une exceptionnelle aventure plastique, de la jeunesse du plus incisif des impressionnistes à l'apothéose expressionniste de ses dernières années. L'art de Forain - aussi bien ses huiles, aquarelles, gouaches et pastels que ses dessins ou estampes - suscitera souvent l'admiration, de Toulouse-Lautrec aux caricaturistes d'aujourd'hui, comme Plantu qui signe la préface de cette publication, la plus complète sur l'artiste à ce jour. | |
Jean Luc Tartarin, né en 1951, lauréat à 20 ans du prix Nicéphore-Niépce et professeur de photographie à l'école des Beaux-Arts de Metz, expose pour la deuxième fois à la Cour d'Or de Metz. Ce photographe, dont le talent est reconnu au-delà de nos frontières, place le paysage au centre de son travail. Traitant en grand format des thèmes variés (Grands paysages, Bestiaires, Fleurs, Ciels), Tartarin s'inscrit dans une démarche créatrice rigoureuse qui l'amène à constituer de grands ensembles à la forme parfaitement maîtrisée. Les paysages de Tartarin explorent les infinies variations de la réalité atmosphérique selon l'heure, le temps ou la saison et poussent la photographie à l'extrême de ses possibilités descriptives. Cette attention à la nature et à l'instant révélateur et cette préoccupation descriptive constituent le leitmotiv de son œuvre et la rapproche de la peinture et de la photographie des premiers temps. Une expérience de la beauté que cet ouvrage nous invite à partager. | |
Félix Vallotton (1865-1925), Suisse d'origine, acquiert la nationalité française à 17 ans. Après des études à l'Académie Julian, il intègre le groupement des Nabis, mouvement encourageant à se débarrasser de la contrainte imitative de la peinture, à user de couleurs pures et vives, à exagérer ses propres visions et à donner à ses oeuvres sa logique décorative et symbolique. Le présent ouvrage a pour objet de faire découvrir la vision personnelle que Vallotton a de la nature, qu'elle soit recomposée, morte ou humaine. En effet, le peintre « recompose » les paysages au moyen de couleurs tour à tour vives ou douces et de formes inattendues, voire fantastiques si l'on considère ses arbres aux ramures majestueuses et abondantes, surmontées de troncs élancés et parfois même étranges. Multiples, ses paysages n'en sont toutefois jamais monotones, tant le choix des motifs est varié et les compositions différenciées lorsque le sujet est analogue. La palette des couleurs est infinie est varie fondamentalement d'un lieu à l'autre, radicalement transformée entre Honfleur et Oléron, entre Paris et Bussigny, le Léman et La Loire. Quant à la nature humaine, Vallotton l'inclus de facto dans ses scènes d'intérieur, ses nus ou encore les compositions impliquant son épouse Gabrielle, son entourage ou dans ses célèbres scènes de ville, qu'elles soient peintes ou gravées. | |
Avec ces Jeux d'écriture, Denise Lach propose de véritables images écrites, tissées et tricotées sur une calligraphie parfaite, ouvrant un autre chemin entre la " belle écriture" classique et les possibilités nouvelles de l'informatique. Bien loin d'être le fruit du hasard ou des caprices de la graphiste, ses textures tramées se déclinent avec rythme et puissance. II n'est pas nécessaire de posséder des compétences spécifiques pour jouer avec les lettres : partant de son écriture manuscrite personnelle, chacun peut déjà s'y essayer. Néanmoins, quelques connaissances de la calligraphie permettront de maîtriser l'exécution et d'enrichir ses compositions. L'épaisseur du trait, la liaison des lettres et des mots, l'équilibre entre les blancs et les noirs, la rapidité du geste, le support, l'outil et son maintien sont autant de facteurs déterminant dans l'aspect des textures obtenues. II en est d'autres encore. Des règles existent, les connaître permet de s'en dégager : dans ces jeux graphiques, si l'écriture est centrale, la lisibilité n'est pas de rigueur. Tous les exercices proposés sont des points de départ et peuvent être complétés et développés selon la sensibilité de chacun. Denise Lach étonne par la richesse de sa créativité et de sa fantaisie, que ce soit dans les outils qu'elle utilise - plume, pinceau, pipette, tampon, bardeau, cola-pen - ou les motifs qu'elle décline sans fin, puisant son inspiration dans la nature, invitant à l'observation et peut-être aussi à la méditation si souvent liée à l'écriture. | |
Découvrir la collection personnelle de Bernar Venet ouvre un monde où s'articulent les données fondamentales de ses propres créations : la transcription du concept et de l'idée dans la matérialité de l'oeuvre. Cette collection témoigne vertigineusement d'un goût particulier pour l'expression de la sobriété, "un art du contenu plus que de la surface" , aime à dire Bernar Venet. Elle rassemble les oeuvres de plus de cinquante artistes qui sont autant de ténors dans l'histoire de l'art de la seconde moitié du XXe siècle, les plus fameux représentants du Nouveau Réalisme, du minimalisme et de l'art conceptuel avec lesquels Venet n'aura cessé d'échanger et de construire entre Nice et New York., entre Europe et Etats-Unis. | |
Dans cette véritable bible technique, Stan Lee, l’un des pères fondateurs des comics US, co-créateur de Spider-Man, X-Men et de centaines de personnages Marvel, vous dévoile les secrets entourant la naissance d’une bande dessinée, du crayonné à la mise en couleurs. Plus de 220 pages d’astuces, richement illustrées ! | |
Parmi les richesses artistiques qui embellissent les chapelles et les églises de nos villages, les plus émouvantes - et néanmoins les plus méconnues -sont les peintures murales qui en ornent les parois intérieures et, parfois, extérieures. Ces oeuvres exceptionnelles nous replongent dans le cadre et les mentalités de la société médiévale, une société où la foi et les croyances imprègnent les consciences. Les unes témoignent de la pureté romane ou du faste gothique ; d'autres annoncent le raffinement de la Renaissance ou restent fidèles à l'authenticité de l'art populaire. C'est à la découverte de ce patrimoine insoupçonné et fascinant que cet ouvrage, richement illustré, nous invite. | |
L'Orient a fait irruption dans notre civilisation par le biais de la tradition judéo-chrétienne. Souvent ignoré pendant le Moyen Age, l'Orient devient une menace permanente pour l'Occident avec la formation de l'Empire byzantin, l'affrontement avec le monde arabe en Espagne, les croisades en Terre Sainte, la prise de Constantinople par les Ottomans. Mais la nécessité de développer de nouvelles routes commerciales, l'attrait pour sa culture, ses moeurs, ses mystères, poussent les voyageurs à l'explorer et les peintres à le représenter. Dès la Renaissance, de grands artistes (les Bellini, Carpaccio, Dürer) s'attachent à décrire cet univers à la fois séduisant et un peu inquiétant dans leurs oeuvres. Le Siècle d'Or est à son tour hanté par ce qui est devenu une nouvelle manière de théâtraliser l'histoire ou de lire la Bible. La campagne de Bonaparte en Egypte donne une impulsion formidable à la connaissance de l'Orient. Les artistes se passionnent pour les découvertes de l'archéologie. | |
Le nom Chanel est devenu en près d’un siècle, un véritable mythe dépassant le strict domaine de la mode pour atteindre à l’universel. Eternelle Chanel, en s’appuyant sur les temps forts de l’histoire de l’art, survole le parcours créateur de la légendaire Mademoiselle. Il s’ouvre sur une brève histoire de la mode et du costume, depuis l’Egypte ancienne jusqu’à l’époque contemporaine, évoquant en parallèle les événements marquants de la vie de la créatrice et les personnalités qu’elle a côtoyées ou aimées : Colette, Jean Cocteau, Serge Diaghilev, Igor Stravinsky, Raymond Radiguet, mais aussi Romy Schneider ou Lucchino Visconti. Les plus grands photographes de mode ont immortalisé ses créations : Henry Clarke, Edward Steichen, Hoyningen-Huene, Irving Penn…Marc Lambron signe une postface consacrée à Karl Lagerfeld, directeur artistique de la maison Chanel depuis 1983. Chanel en quelques dates :1883 : naissance à Saumur 1910 ; ouverture de sa première boutique à Paris, rue Cambon1921 : création de son premier parfum, No 51926 : Chanel impose la petite robe noire, en rupture avec les codes vestimentaires de l’époque 1932 : première création de haute-joaillerie, la ligne « Bijoux de diamants »1971 : Chanel s’éteint à l'âge de 88 ans dans sa chambre du Ritz1983 : Karl Lagerfeld devient directeur artistique de Chanel. | |
Germaine Krebs (1903-1993) ouvre sa propre maison de couture à l’enseigne de Grès (anagramme du prénom de son mari, le peintre Serge Cezrefkov) en 1941, après avoir été l’associée en 1933 d’Alix Barton. Plus connue sous le nom d’Alix, la maison se fait remarquer par de remarquables tenues de plage. Dès ces années là, Alix se distingue par l’utilisation de matériaux comme le jersey de soie que la couturière drape à l’antique. Madame Grès n’abandonnera jamais cette recherche minutieuse qui de petits plis en petits plis fixés construit des robes savantes, inoubliables. L’extrême longévité de la Maison Grès n’a d’égale que l’autonomie de création et le caractère obstiné qui caractérise les modèles, manifestes de haute couture plus que de mode. Madame Grès, est au-delà des modes. Elle se voulait sculpteur, ne cessera-t-elle jamais de répéter. « Je voulais être sculpteur. Pour moi, c’est la même chose de travailler le tissu ou la pierre ». Ses robes, asymétriques souvent, drapées à l’antique, ou volumétriques quand elle use de la faille ou du taffetas sont à ce titre des sculpteurs molles pour le corps. | |
Unique évidemment, érotique et politique, très autobiographique, ironique souvent, et tourné en permanence vers l'espace public, l'art de Manet fut ludique aussi. Mettre en jeu, se mettre en danger, ramasser la mise si possible, les trois choses étaient vitales à ce grand ambitieux. L'ancien marin naviguait à vue et toujours en pleine mer. Nul repli, nulle chapelle, nulle dérobade. Manet eut moins peur de ses doutes que de l'échec et de la routine. S'enfermer dans une formule ou une spécialité eût été le pire des renoncements. Révolutionnaire sans doute, peintre d'histoire à sa façon, il fut surtout un peintre de salon, prêt à en découdre avec le jury et le public pour imposer le Moderne dans le grand art. | |
Dès 1944, Mirô réalise des céramiques en collaboration avec Josep Llorens Artigas. A la même époque, il fait ses premières petites sculptures en bronze. Quatre ans plus tard, il expose à la galerie Maeght, où toute sa production sera désormais présentée. En 1964, joan miro participe à la création de la fondation Maeght, où il trouve un lieu pour lequel il va imaginer des oeuvres sculptées monumentales. Pour la première fois, la sculpture de miro se trouve intentionnellement associée à l'architecture et à la nature, source infinie de son inspiration : il va ainsi créer un jardin de sculptures et de céramiques, monde onirique qui peuple le labyrinthe. C'est cette atmosphère et cette perspective que cet ouvrage, accompagnant l'exposition présentée au musée Maillol, se propose de recréer à travers plus de cent quarante oeuvres de cet artiste majeur du XXe siècle, qui renouvela autant la sculpture que la peinture. | |
Première rétrospective jamais consacrée à Alexandre Cabanel, l'un des peintres les plus adulés de son temps, cette exposition réunit tableaux, dessins, photographies, sculptures et cinéma pour restituer un XIXe siècle foisonnant, voué au culte du précieux et du beau. En tout, près de 250 oeuvres en provenance des plus prestigieux musées internationaux sont présentés dans cette exposition qui a obtenu le label d'intérêt national. Autour de la figure centrale d'Alexandre Cabanel, les plus grands maîtres de la tradition classique y sont également mis en lumière. | |
Picasso, Duchamp, Cocteau, mais aussi Hemingway, Joyce ou Chanel: Man Ray les a tous photographiés. En 1921, lorsqu'il arrive à Paris, l'artiste américain devient portraitiste, pour gagner sa vie. Dans son studio de Montparnasse, il photographie autant ses amis dadaïstes et surréalistes que les Américains de Paris ou les personnalités de la mode, du spectacle et du cinéma. En 1940, l'invasion allemande l'oblige à retourner aux Etats-Unis. Installé à Hollywood, il photographie l'intelligentsia européenne qui s'y est réfugiée, les acteurs et les producteurs américains : Thomas Mann, Jean Renoir, Paulette Goddard ou Ava Gardner. De retour à Paris en 1951, c'est désormais en couleurs qu'il fixe l'image des vedettes du moment: Yves Montand, Juliette Gréco ou Line Renaud. Sans équivalent pour la période, cette extraordinaire archive dessine le visage d'une époque. | |
A Rome, dans la première moitié du XVIIe siècle, la peinture de paysage connaît un développement exceptionnel : auparavant réservée aux fonds des compositions peintes, elle devient un genre pictural autonome et connaîtra dès lors un succès considérable. Venus de l'Europe entière, notamment des Flandres, de nombreux peintres se côtoient dans la Ville éternelle où se multiplient les transformations architecturales et urbanistiques, et où leur présence favorise une exceptionnelle effervescence artistique. Des courants stylistiques très variés enrichissent cette nouvelle expression picturale et contribuent à une diffusion très large du goût pour la peinture de paysage. D'Annibal Carrache à Adam Elsheimer, de Paul Bril à Pierre Paul Rubens, de Claude Lorrain à Nicolas Poussin en passant par Gaspard Dughet, quelques-uns des plus grands peintres du XVIIe siècle ont contribué à l'émergence du paysage peint. Cet ouvrage présente certaines de leurs créations les plus abouties à travers quelque quatre-vingts peintures et une vingtaine de dessins. | |
La couleur habille la ville, l'illumine, l'enjolive et la sculpte. Elle est une composante essentielle de notre environnement et libère des messages qui agissent sur notre inconscient et nos états d'âme. La couleur s'invite dans tous les domaines de la création, que ce soit la mode, le design, l'urbanisme, l'architecture ou l'art. Ce livre, magnifiquement illustré, nous promène de siècle en siècle et d'un continent à l'autre dans l'univers de la symbolique des couleurs. II met en lumière l'évolution du langage de la couleur à travers les civilisations. Dans la ville, comme dans l'art ou la décoration, les harmonies de couleurs sont en constante mutation. Interactions passionnantes entre les formes urbaines et le design, de l'Antiquité à nos jours. | |
Les nus de Marcel Gromaire apparaissent comme des allégories de la beauté, de la peinture même, bien plus que de simples représentations de nus sensuels féminins. Mise en scène ou non, déshabillée ou nue, la femme habite le monde du peintre comme modèle, sujet ou symbole. Loin des grandes icônes de la vie quotidienne, de la grandeur tragique de l'art austère et rude qui ont fait de Marcel Gromaire l'un des peintres français les plus renommés des années 1930, le nu, cette part méconnue de sa création, apparaît avec une étonnante constance dans la totalité de son oeuvre peint, dessiné et gravé. Niée par l'artiste qui n'écrivit pratiquement jamais sur cette thématique de la nudité dans l'art, cette dimension de son oeuvre apparaît cependant aujourd'hui comme l'une des tentatives les plus audacieuses d'érotisme de l'art du XXe siècle. Peintures, aquarelles, eaux-fortes et dessins inédits de grands musées et des collections particulières prestigieuses illustrent cet ouvrage étayé par des essais passionnants sur cet artiste majeur des années 1930. | |
"L'or traverse l'histoire de l'art et n'a cessé de fasciner les artistes", écrit Gérard-Georges Lemaire dans son texte introductif, revenant sur l'utilisation et les valeurs symboliques de l'or depuis l'Égypte ancienne jusqu'à nos jours. Cet ouvrage, le premier consacré à ce sujet, réunit plus de 200 oeuvres, de Robert Rauschenberg, Yves Klein, James Lee Byars, Hans Haacke à Jan Fabre, Anish Kapoor, Orlan, Giuseppe Penone, Jean-Pierre Raynaud, Marc Quinn et de nombreuses autres figures majeures de la scène artistique d'aujourd'hui. Ce large corpus iconographique est assorti de nombreux textes d'artistes et commentaires d'oeuvres permettant au lecteur de saisir dans sa diversité l'usage fait de l'or, à la fois matière, couleur, lumière, valeur, dans l'art contemporain. | |
Que nous dit l'architecture du logement collectif sur les modes de vie et leur évolution ? Cet ouvrage - qui accompagne et prolonge l'exposition éponyme commanditée par l'Ordre des architectes d'Île-de-France - est une perspective nouvelle sur l'habitat collectif, du point de vue du privé et de l'intime. C'est l'occasion de montrer l'architecture vue de l'intérieur, le « chez-soi » de ceux qui habitent un immeuble en Île-de-France, à partir d'une analyse historique de l'espace domestique et de ses représentations. C'est une question centrale pour l'habitation qui est posée : qu'est-ce qui, du « dedans », participe à la fabrication du « dehors » ? Il s'agit ici de révéler le lien entre l'évolution des modes de vie des différents groupes sociaux et la conception architecturale et donc, de présenter des exemples d'habitat social, de production courante et de luxe construits depuis 1945. Le logement collectif et particulièrement le logement social a été le vecteur et le substrat de nombreuses innovations architecturales et urbaines. Le catalogue met en évidence l'impact des règlements sur la conception du logement, le rapport entre les usages et les dispositifs de l'architecture domestique, les ambiances liées à l'époque, les slogans et idéaux esthétiques du moment. | |
L'Orient des femmes vu par Christian Lacroix, catalogue de l'exposition, est une invitation à la découverte de l'art vestimentaire séculaire des femmes du Proche-Orient. | |
Le paysage parisien n'est certes pas né avec la ville haussmannienne, les illustrateurs ayant toujours exploré ce thème. Mais Paris, telle qu'elle se développe au XIXe siècle, fournit aux artistes de nouveaux motifs, traduits à l'aide de moyens picturaux inédits. La ville est saisie comme une entité mouvante et les artistes négligent l'étude des monuments ou de l'anecdote pour lui préférer la recherche de ce "merveilleux moderne", de cette poésie urbaine dont Baudelaire se fait le héraut. Paris s'impose, lisible, ample, monumentale, dans les compositions de Manet, Caillebotte ou Monet. Les impressionnistes s'identifient à la vie urbaine dynamique, toujours changeante selon les variations de la lumière, et la montrent sous un jour neuf. Les transformations de Paris engendrent de grands bouleversements dans le mode de vie de ses habitants: cafés et cafés-concerts, brasseries, bals, cirques, opéras et théâtres, parcs et jardins publics, courses, se multiplient, fournissant autant de thèmes aux artistes à la recherche de cette "beauté mystérieuse". | |
Couleurs est un grand livre de photos, un objet précieux, un hommage des plus grands photographes du monde à toutes les nuances de couleurs. Les couleurs sont omniprésentes dans nos vies, elles nous entourent, influencent notre environnement, nos comportements, notre langage et notre imaginaire avec leur sens caché. À travers le rouge, le vert, le jaune, le bleu, le noir et le blanc Croma donne vie à un dialogue silencieux de 347 images (paysages, portraits, objets...) La préface et les textes d introduction de Michel Pastoureau donnent toutes les clés pour comprendre le sens et appréhender la force des couleurs. | |
En 1950, Pierre Gassmann crée, rue de la Comète à Paris, le modeste laboratoire Pictorial Services. Amateur passionné de photographie et complice de Brassaï, technicien hors pair et personnalité charismatique, Gassmann, soutenu par ses amis photographes (dont certains viennent de fonder l’agence Magnum), se lance solitairement dans une entreprise commerciale quasi inconnue en France: le tirage haut de gamme d’épreuves photographiques. Soixante ans et quelques révolutions technologiques plus tard, le laboratoire PICTO poursuit son activité et son développement en s’attachant à perpétuer la volonté initiale de son fondateur : faire du technicien le complice dévoué de l’artiste. | |
1910-1920 opposent un retour à la tradition nationale tout en s'inspirant des mouvements artistiques contemporains : la couleur orientale des Ballets russes, les formes esthétiques de l'art nègre, du cubisme et du suprématisme. L'Exposition de 1925 se fera le reflet des nombreuses tendances de l'époque : celle des contemporains qui se nourrissent de la tradition du bel ouvrage d'ébénisterie destiné à une élite Ruhlmann, Groult, celle des modernes qui transposent leur environnement quotidien Chareau, Dunand, et enfin celle des novateurs qui réfléchissent sur leur rôle social et utilisent les nouvelles possibilités techniques, annonçant ainsi la création de l'Union des Artistes Modernes en 1929. Les ouvrages de la collection « Le mobilier français », placée sous la direction de Claude-Paule Wiegandt, ont été confiés à des auteurs dont la formation et les fonctions au sein des musées les ont amenés à se spécialiser dans ce domaine. Chaque ouvrage replace les meubles dans leur époque, évoque le cadre pour lequel ils avaient été conçus, étudie leur mode de fabrication ainsi que les influences venues d ailleurs. | |
Précieux et fragiles, les livres manuscrits demeurent protégés dans les réserves des bibliothèques, laissant méconnu tout un pan de l'histoire de l'art. En réunissant des exemples parfois célèbres, le plus souvent peu connus, allant du Ve au XVe siècle, Roland Recht nous révèle le monde de l'enluminure médiévale. Donnant la priorité aux oeuvres, restituées à l'aide de reproductions d'une grande qualité, Roland Recht les accompagne d'un texte à la fois informé et sensible. Les miniatures qui ornent les manuscrits sont non seulement considérées ici sous leur aspect " documentaire " - qui nous renseigne sur la mentalité et la spiritualité médiévales - mais surtout en tant qu'oeuvres d'art. Le parcours que propose l'auteur n'est pas chronologique. En premier lieu, il éclaire la signification du livre et des images, puis il insiste sur l'importance du couple commanditaire - peintre auquel on doit ces grandes créations de l'art de tous les temps. Roland Recht aborde ensuite les singularités de l'enluminure médiévale, successivement par l'étude de l'ornement, de l'expression et de l'espace. D'abord simple accompagnement du texte, la peinture dans le livre finit par occuper une place croissante sur la page, au point de mobiliser toujours davantage l'attention du lecteur sur elle, sur ses audaces colorées, sur l'inventivité dont elle témoigne, sur le sens qu'elle véhicule. Ce livre raconte comment, dans l'Occident médiéval, l'art visuel est né à partir de l'écrit, puis a rivalisé avec lui pour, en fin de compte, s'en émanciper. | |
Constituées à partir de la fin du XVIIe siècle, les collections impériales russes comptent rapidement parmi les plus importantes d'Europe. Dès 1785, le comte Ernest de Munich le confirme : « Les étrangers et les curieux du pays admis à visiter ces vastes et riches galeries de peinture en admirent avec raison la magnificence ». En l'espace de deux siècles, les Romanov ont élaboré l'une des plus belles collections du monde et construit un musée moderne, ouvert au grand public dès 1805. | |
Sebastião Salgado est l'un des photojournalistes en activité les plus respectés d'aujourd'hui, qui a forgé sa réputation grâce à des décennies de dévouement et de clichés saisissants de gens bouleversés en noir et blanc, pris dans des lieux où la plupart des gens n'oseraient pas se rendre. Même s'il a fait des photos dans le monde entier, il s'est surtout concentré sur l'Afrique où il a réalisé plus de 40 reportages en une trentaine d'années. Des tribus Dinka du Soudan ou Himba en Namibie jusqu'aux gorilles et volcans de la Région des Grands Lacs, en passant par les populations déplacées à travers le continent, Salgado nous montre toutes les facettes de la vie en Afrique aujourd'hui. Il sait exactement comment saisir l'essence d'un moment et ses images rendent habilement compte des effets désastreux de la guerre, de la pauvreté, des maladies ou des conditions climatiques hostiles. | |
La Cour de Versailles était un lieu d échanges; bien des savants la fréquentaient de façon assidue, précepteurs des princes ou officiers de santé... D autres y venaient pour une présentation au roi, consécration suprême et moyen d obtenir des subsides pour poursuivre des travaux ou trouver des débouchés pour des inventions. La création de l Académie des Sciences en 1666 instaura un contrat entre le pouvoir et les savants, et, jusqu à la Révolution, il n y eut aucun hiatus entre milieux académiques et de Cour : statutairement l Académie des Sciences comptait dix «honoraires» choisis par le roi parmi les grands seigneurs éclairés qui raffolaient des « cabinets de curiosités ». | |
Psychedelic Vinyls est le premier ouvrage exhaustif sur les pochettes de disques de ce mouvement qui, de 1965 à 1973, a profondément modifié l'histoire de la musique et du graphisme. Découvrez plus de 1300 pochettes présentées par artistes englobant tous les courants du genre, de San Francisco à Londres, du Jefferson Airplane à Ame Son. Un véritable voyage dans le temps, à la découverte du mouvement Psychedelic, au travers des pochettes de vinyles, supports d'expression des artistes depuis plus de 50 ans ! | |
Ce catalogue rassemble les principales oeuvres de l'artiste ainsi qu'une présentation des diverses techniques qu'il utilise (ronde bosse, relief, dessin). La production des dix dernières années de l'artiste est particulièrement mise en évidence. | |
Des illustrés pour la jeunesse de la Libération aux mangas d'aujourd'hui, la Seconde Guerre mondiale n'a jamais quitté les vignettes de nos bandes dessinées. Depuis plus d'un demi-siècle, auteurs et illustrateurs s'inspirent des figures et des symboles forts de cette période insurrectionnelle et en nourrissent notre imagination. Pour la première fois, historiens, journalistes et spécialistes du 9ème art interrogent au fil du temps et des albums l'image du résistant. Ils reviennent sur la présence du thème dans la bande dessinée et rendent compte de l'importance réelle et symbolique de la Résistance dans nos consciences et notre imaginaire collectif. | |
Ce catalogue de l'exposition permet de découvrir les deux plus importantes collections privées au monde sur ce peintre, l’une suisse et l’autre également internationale, ainsi que des œuvres provenant d’institutions publiques et d’autres collections particulières, jamais exposées pour beaucoup d’entre elles, et s’attache à réhabiliter l’œuvre de l’artiste et à analyser les liens qui ont été les siens avec les peintres plus tardivement devenus fauves. | |
L’oeuvre de Van Dongen, se focalise sur l’image de la femme, les visages fardés et déformés par la lumière électrique sont en quelque sorte sa marque de fabrique. Par son usage de la couleur, Van Dongen reste l’artificier du fauvisme. Ses voyages au Maroc, en Espagne et en Egypte au début des années 1910, lui permettent de réinventer une forme d’orientalisme. Mais Paris reste le sujet principal de sa peinture : la verve populaire et la vie de bohème de Montmartre (il y rencontre Picasso et Derain), Montparnasse, avant et après la guerre de 1914 dont il est l’un des principaux animateurs. Dans le Paris des « années folles » que Van Dongen qualifie de « période cocktail », il se consacre exclusivement à la nouvelle élite parisienne : hommes et femmes de lettres, stars du cinéma, du théâtre, aujourd’hui oubliés. Les poses sont outrées, les costumes et les accessoires théâtralisés soulignant la nature factice de ses personnalités. L’exposition présente environ 90 peintures, dessins et un ensemble de céramiques, de 1895 au début des années trente. | |
"Affiches déchirées" met aussi en évidence la dynamique particulière des affiches de format mondial qui ornent les murs de nos villes. Publicitaire, politique ou culturel, peu importe le message. L'affiche se métamorphose, se détourne de son but premier. Ses strates font apparaître en filigrane la trame du tissu urbain pour nous parler du transitoire, de violence ou de poésie. | |
On connaît et reconnaît les autoportraits quasi monochromes de Kimiko Yoshida, ces photographies de grand format carré à la lumière subtile qui sont sa signature depuis 2001. L'artiste, qui voit dans le monochrome une figure de l'infini, ne conçoit l'autoportrait que comme disparition : entièrement conditionné par l'expérience de la transformation, son art développe une réflexion très contemporaine sur la servitude volontaire, les stéréotypes du genter et les déterminismes de l'hérédité. "L'art est une délicate opération de transposition. une lutte assidue contre l'état des choses. Être là où je ne pense pas être, disparaître là où je pense être, voilà l'important." Sa nouvelle série de photographies, majestueux et indéchiffrables portraits conçus dans le souvenir de l'histoire de l'art, s'intitule Peinture. |
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