Le design est en plein essor et l'intervention des designers se déploie aujourd'hui dans tous les secteurs, avec une forte croissance dans celui des services et l'administration. Afin d'éclairer cette discipline en pleine ébullition, l'APCI - Agence pour la promotion de la création industrielle - propose tous les deux ans un guide européen du design : Panorama Design, coédité par les éditions Archibooks. Ce livre est un outil précieux qui aide à la compréhension des différentes facettes du métier et des enjeux du design, ainsi qu'au choix de partenaires pour des projets innovants. A la fois annuaire professionnel présentant les agences, organisations, concours et salons, c'est aussi un guide pratique qui donne une vision de ce que recouvre la notion de design et ses métiers aujourd'hui. Essentiel pour les entreprises, les acteurs de l'innovation, les agences de design et les étudiants, ce panorama sur le design européen rend compte de l'évolution du rôle du designer, tous les jours plus important dans les échanges économiques et culturels. | |
Lux umbrae se compose d'une série d'oeuvres nourries de lumière, qui ont été conçues et réalisées pour les espaces du Musée archéologique de Santa Maria della Scala. Des faisceaux lumineux projetés sur les murs dessinent des formes, sortes de sculpture s'élevant jusqu'au plafond et transfigurant l'architecture des lieux. L'oeuvre de Mecarelli naît de la confrontation entre présence et absence, visible et invisible, lumière et ombre. | |
Fasciné par l'art sous toutes ses formes, Antoine de Galbert, fondateur de La maison rouge à Paris, se passionne pour l'art contemporain, l'art brut, comme pour les arts primitifs et populaires. Sa sensibilité autodidacte - revendiquée - laisse libre cours à une grande indépendance dans ses choix, lui permettant de réunir une collection rarement présentée, affranchie des normes traditionnelles de l'histoire de l'art. La sélection des oeuvres réunies pour l'exposition Ainsi soit-il invite le lecteur loin des sentiers battus à un cheminement intérieur sur le thème des croyances et de la magie, de la folie et de la déraison, de la vie et de la mort, du corps et de l'âme, et se livre comme une tentative d'autoportrait du collectionneur. | |
Découvrir les broderies citadines marocaines, c'est franchir le seuil de l'habitat et pénétrer au coeur même de l'intimité familiale traditionnelle et de son art de vivre. C'est aussi une imitation au voyage dans le temps et dans l'espace, afin de mieux saisir l'évolution de la broderie au Maroc du XVIIIe siècle à nos jours. L'exploration de ce savoir-faire, où la jeune fille commençait à broder dès son jeune âge en vue du mariage, préparant son trousseau au fil de longues années de gestes minutieux, évoque le goût élu raffinement qui caractérisait ce moyen d'expression privilégié dans les intérieurs féminins de la cité marocaine. À travers cet art au féminin, cette étude tente de démontrer comment des inspirations multiples venues d'ailleurs, de l'Occident comme de l'Orient, ont donné naissance à des ouvrages d'une grande originalité tels que des pièces vestimentaires ou d'ameublement et des objets de parure. Au détour des grandes cités historiques : Rabat, Salé, Fès, Meknès, Azemmour, Tétouan et Chaouen, la diversité des réalisations révèle toujours un travail minutieux. Armées de patience et de dévouement, les brodeuses n'ont cessé de nous surprendre à bien des égards par de brillants exercices dont le but est de réaliser l'ouvrage le plus beau, le plus lin, le plus raffiné. Ces gestes répétés au cours des siècles nous ont laissé des ouvrages brodés au fil de soie, d'or et d'argent, exécutés sur une cotonnade ou une étamine, du taffetas ou élu voile, dans des gammes monochromes ou bigarrées. Quant aux points, ils diffèrent d'une ville à l'autre ou se rejoignent dans un décor géométrique, floral, abstrait ou figuratif. La plupart de ces broderies ont été en usage jusqu'à la moitié du XXe siècle clans clos familles attentives à la tradition, fières d'arborer ces joyaux féminins... | |
Le dessin nourrit toute l'oeuvre d'Antoine Bourdelle et l'accompagne sa vie durant. "Rien fait à l'école que du dessin", disait-il à son entourage ou encore, à ses élèves : "Il faut dessiner constamment, le savoir en sculpture c'est le dessin." Extraits du fonds exceptionnel, plus de six mille deux cents feuilles, conservé au musée Bourdelle, quelque deux cents dessins, les plus représentatifs de la diversité d'expression de l'artiste, sont réunis dans cet ouvrage. A côté d'oeuvres connues (croquis d'Isadora Duncan, dessins préparatoires pour Héraklès archer, motif récurrent du centaure...), quantité de feuilles rares, voire inédites, sont enfin publiées, au terme d'un inventaire tout juste achevé. Dessins préparatoires mais aussi d'après nature, sur le vif ou de mémoire, de fantaisie ou de ressassement... Un ensemble étonnamment varié qui éclaire l'oeuvre d'un grand sculpteur. "La sculpture, finalement, ce n'est pas autre chose que du dessin dans tous les sens." | |
La carrière d'Yves Gastou débute en province où il remet à l'honneur l'Art nouveau et l'Art déco, puis découvre en 1972, à Toulouse, André Arbus. Ce grand ébéniste des années 40 demeure en quelque sorte la charnière qui déplace son goût vers la seconde moitié du XXe siècle. Dès son installation à Paris, il se tourne vers les années 40, 50 puis 70, sans oublier le design des années 80, dont il demeure le promoteur contemporain. En décembre 1985, Yves Gastou ouvre sa galerie parisienne, rue Bonaparte, accolée à l'Ecole des Beaux-Arts, en plein coeur de Saint-Germain-des-Prés avec une façade réalisée en terrazzo noire et blanche par Ettore Sottsass. Une exposition du créateur de Memphis inaugure le nouvel espace, dont la vocation se tourne ab initio vers la présentation de designers contemporains, ces "antiquités du futur" qui se confrontent à toute la palette de la création historique de 1935 à 1960. Il sera en effet le premier marchand à Paris à oser le mélange entre les arts décoratifs et le design contemporain, du jeun Ron Arad, à la philosophie progressiste d'Alchymia et de Memphis dont les envolées bariolées aspirent à changer le monde, à la modernité baroque et précieuse d'André Dubreuil, ou encore à la poésie aérienne de Shiro Kuramata. Ainsi d'Ettore Sottsass à Alessandro Mendini, en passant par Andrea Branzi, Tom Dixon, Gaetano Pesce, ou les intrépides collectifs de designers Solid et Bolidistes, et plus récemment Zaha Hadid qu'il présente pour la première fois en France, tous trouvent en cette galerie singulière, une tribune pour défendre une nouvelle conception de l'habitat, un design utopiste appuyé par la pensée. | |
Le projet de l´exposition est né de la restauration exceptionnelle du grand tableau du musée des Augustins Saint Félix de Cantalice. Cette œuvre ruinée par une inondation a été sauvée par les mains expertes des restaurateurs. La reconstitution du contexte de cette peinture a été à l´origine d´une rencontre passionnante avec un homme, un artiste et un œuvre au carrefour de trois cultures. Notre exposition retrace le parcours atypique de cet artiste, européen avant l´heure, et la passionnante aventure de la restauration de Saint Félix de Cantalice. Elle présente enfin le film documentaire réalisé par Gini Barrès qui a suivi cette restauration et ces recherches. | |
Malmenée, bousculée, sans cesse remise en question par les avant-gardes qui se sont succédées au XXe siècle, la peinture semble ne plus pouvoir s’affirmer que dans un mouvement d’autodestruction, ou un élan dialectique contre une autre peinture. C’est dans cette problématique que s’inscrit L’"Ubermalungen" ou "surpeinture" d’Arnulf Rainer. Ce recouvrement partiel d’une image existante par de violentes "biffures" participant de l’expressionnisme, Rainer l’a d’abord appliqué à sa propre image avec les autoportraits photographiques de la série des Faces Farces qui demeure la part la plus célèbre de son oeuvre. Figure majeure de la scène artistique contemporaine autrichienne et internationale, Arnulf Rainer est un boulimique d’images, hanté par la peur du vide. Travaillant sur divers types de reproductions (photocopies, estampes, photocopies de photographies...), il a étendu son champ d’intervention aux oeuvres de grands artistes passés ou modernes. | |
Un monde de références plein d'astuces et de conseils professionnels afin d'apprendre à dessiner, pas à pas, les divers personnages des mangas féminins. | |
Alexandre le Grand a marqué les esprits par la fulgurance de son destin, par son charisme et par des qualités de stratège qui lui ont permis de bouleverser en l'espace de onze années l'équilibre géopolitique du monde antique. La Macédoine, qu'il a quittée à vingt-deux ans pour n'y plus revenir, a longtemps été oubliée et minorée. Pourtant, sans son éducation de prince macédonien, Alexandre n'aurait pu mener à bien la mission que Philippe II, brutalement assassiné, s'était assignée : venger, à la tête des puissances grecques réunies, l'affront perse des guerres médiques ; l'une des conséquences majeures de ses conquêtes fut l'afflux considérable de richesses en Macédoine. Les quelque six cents oeuvres présentées ici, qui illustrent l'histoire du royaume d'Alexandre le Grand depuis la fin de l'âge du bronze jusqu'aux siècles de la domination romaine, sont peu connues, parfois même inédites. Créations virtuoses, élaborées pour des rois et pour l'élite de la cour, elles représentent le plus haut degré de la commande royale. Préservées durant des siècles par les terres qui recouvraient les sépultures, elles ont conservé souvent intacte leur apparence originelle, notamment leur polychromie. Les découvertes qui se sont multipliées en Grèce du Nord depuis près de trente années sont exceptionnelles. Elles confèrent au royaume de Philippe et d'Alexandre un statut désormais comparable à ceux de l'Attique et du Péloponnèse. Elles renouvellent la connaissance de la civilisation grecque antique. | |
L'histoire de la lingerie est liée à celle de l'émancipation des femmes et témoigne de l'évolution des sociétés, des courants économiques et de certaines approches de l'intimité. | |
Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris organise une exposition consacrée aux sculptures de Georg Baselitz (né en 1938). Cette manifestation proposera une lecture rétrospective d’un des aspects de l’œuvre de cet artiste allemand, d’abord peintre et graveur, en présentant, la quasi-totalité d’une production peu montrée en France qui s’étend sur plus de trente ans. Désormais autonome par rapport à la peinture, la sculpture de Baselitz, qui occupe une place privilégiée au sein de son œuvre, a gagné en monumentalité. Une quarantaine de sculptures en bois peint exécutées entre 1979 et 2010 montreront le cheminement de l’artiste qui a réinventé un langage plastique à part entière à travers ce medium spécifique. En contrepoint des sculptures, plusieurs peintures et œuvres sur papier de Baselitz éclaireront l’extrême cohérence d’une œuvre, quel que soit le médium dans son traitement de la figure, des sources et le défi aux règles habituelles de la perception. La présentation d’un grand ensemble de dessins mettra en évidence le lien avec les sculptures, qu’il s’agisse d’esquisses ou d’évocation de formes en trois dimensions : corps et têtes. | |
La carrosserie peut être légitimement apparentée aux autres arts appliqués. En effet, la confection de pièces uniques ou en nombre très limité a donné lieu à des créations exceptionnelles, particulièrement dans une période qui s'étend du début du XXe siècle au milieu des années 1960. De nombreux artistes, architectes, designers et stylistes ont ainsi associé leur nom à l'automobile, de Jean Dunand à Frank Lloyd Wright, en passant par Jacques-Émile Ruhlmann ou René Lalique. Ce livre raconte les grands courants esthétiques qui ont influencé l'histoire de la carrosserie à travers 30 voitures de légende sélectionnées chez les plus prestigieux constructeurs (Rolls-Royce, Bugatti, Isotta-Fraschini, Duesenberg, Alfa Romeo...). Les photographies dévoilent à la fois les lignes recherchées de ces voitures mythiques, mais aussi et surtout, l'intimité de leurs habitacles, le détail de leurs équipements, soulignant la qualité et la variété des matériaux, de la bakélite au maillechort, du macassar aux peaux de reptiles ! | |
Boutiques et magasins au design novateur séduisent les consommateurs et transforment le shopping en un événement sensuel. Une architecture de qualité est un élément déterminant pour le succès d'une stratégie de marketing. Lorsque des architectes et des designers de talent mettent en scène des produits, le client est roi - mais devient vite une "shopping victim". Boutiques ! Le meilleur du design présente cet univers et vous entraîne dans quarante-sept boutiques et magasins du monde entier, de Paris à New York et de Tokyo à Buenos Aires, vous présentant les dernières tendances en matière d'aménagement intérieur. Qu'il s'agisse de points de vente au design flashant ou de boutiques haut de gamme, les réalisations présentées dans ce livre sont conçues pour une clientèle ciblée et l'état d'esprit actuel du monde de la consommation. | |
Sans doute le plus grand sculpteur du XXe siècle, Brancusi utilisa largement le film et la photographie dans les années 1920-30 ; non seulement pour documenter son oeuvre mais aussi la penser. En effet, ces images mettent en effet deux de ses caractères essentiels : les relations changeantes entre la sculpture, l’espace et la lumière, que l’appareil permet d’enregistrer, et les rapports d’une sculpture à l’autre, réunies dans un même cadrage. Outre les sculptures et l’atelier, on découvre l’artiste au travail, ses modèles et amis comme Man Ray, ainsi que d’étonnants autoportraits, études de matière et expérimentations photographiques. Les photogrammes et nombre de photographies sont ici publiés pour la première fois. L’impression en quadrichromie permet de rendre les diverses teintes des tirages noir et blanc originaux. Trois essais éclairent la notion transversale de reproduction, l’usage spécifique du cinéma et les liens de Brancusi avec Man Ray. Ils sont accompagnés d’un important appareil critique. Cet ensemble propose, à travers le prisme inédit de l’image, une vision nouvelle tout à la fois de l’homme, de l’artiste et de l’oeuvre. | |
La collection indispensable pour tous ceux qui choisissent de décorer ou d'aménager eux-mêmes leur intérieur, qu'ils soient débutants ou expérimentés. Des pas à pas tout en images. Des trucs et des astuces. Des fiches récapitulant les points clés de chaque étape. Réparer, décaper, poncer, cirer ou vernir au tampon... Que vous souhaitiez retrouver le charme d'un vieil objet ou donner du cachet à un meuble neuf : toutes les techniques de finitions du bois, des plus courantes aux plus complexes, pour transformer et restaurer le bois comme un pro ! | |
Cafés et cafétérias sont des temples de la culture urbaine de notre époque. Cafés ! Le meilleur du design présente les dernières tendances en matière de décoration des "maisons de café" modernes. Oeuvres d'architectes célèbres ou de jeunes décorateurs de talent, ces intérieurs aménagés dans des villes aussi différentes que Vienne, Tokyo ou New York rendent hommage à une tradition vieille de plusieurs siècles. Les styles abordés vont du minimalisme à l'avant-garde futuriste, en passant par l'opulence et l'éclectisme teinté d'humour. Séduisant et inspirant, ce livre-galerie rassemble quarante-trois cafés d'exception disséminés dans le monde entier. | |
L’histoire de l’Égypte, ses dieux, ses mythes et ses symboles constituèrent pour les peintres du XIXe siècle une source inépuisable d’inspiration. En effet, si depuis l’expédition organisée par Bonaparte, l’Égypte antique n’a cessé de faire l’objet, en France, d’une véritable passion, c’est au XIXe siècle qu’est réellement née l’égyptomanie, portée par toute une génération d’artistes qualifiés de pompiers. Ceux-ci se sont emparés de la plus riche et de la plus mystérieuse des civilisations de l’Antiquité pour la représenter sur des toiles souvent monumentales, interprétant très librement la réalité historique. Après L’Antiquité éternelle, Dimitri Casali et Caroline Caron-Lanfranc de Panthou analysent pour nous ces tableaux d’un point de vue historique et artistique, et déroulent ainsi le fil d’une histoire éternelle. | |
Le cuir séduit depuis la nuit des temps et fait partie de notre quotidien. Matière renouvelable unique et innovante, source de créativité intarissable, le cuir se décline à l'infini et se révèle une matière de prédilection pour une création insoupçonnée. L'étendue toujours plus large de ses applications, de l'accessoire de mode à l'univers de la décoration ou encore aux milieux industriels, confirme son formidable potentiel. Avec ce nouvel ouvrage de CTC découvrez en images et échantillons à 1'appui " le cuir dans tous ses états " ! Incontournable, il aborde de manière pédagogique tous les stades de sa vie depuis la matière première. Le tannage transforme la peau en un matériau polysensuel, le cuir. Il présente les différentes finitions, l'entretien, le contrôle qualité, la relation cuir et environnement... avant de conclure sur l'incroyable pouvoir d'attraction de ce matériau pluriel qui parle à nos sens les plus profonds. | |
Paul Cézanne (1839-1906), aixois d'origine, se rend pour la première fois à Paris en 1861, sur les injonctions pressantes de son ami d'enfance, Émile Zola. Contre l'avis de sa famille, Cézanne prend la décision de devenir peintre et de conquérir ce milieu parisien en dehors duquel aucune carrière artistique ne peut alors s'imposer. Tout au long de sa vie, Cézanne fera plus de vingt allers et retours entre Aix et Paris, sans jamais se fixer dans la capitale, malgré des séjours parfois prolongés. Paradoxalement, Cézanne ne prend pas Paris pour sujet de ses peintures, il ne représente pas ses rues, ses monuments, la vie de quartier ou les grandes transformations urbaines comme le font nombre de ses contemporains : Caillebotte, Guillaumin, Pissarro. Que cherchait donc Cézanne à Paris ? Quelle influence la capitale a-t-elle exercée sur sa peinture ? Le milieu artistique et intellectuel très libre de pensée comme de moeurs qu'il fréquentait exerçait-il sur Cézanne une tentation à laquelle il cherchait surtout à ne pas succomber ? L'effervescence créatrice qui animait la ville l'attirait-elle comme une substance indispensable au développement de son art. | |
Personnalité hors du commun, auteur de théories scientifiques déterminantes sur la vision des couleurs, Charles Lapicque (1898-1988) occupe une place décisive dans l'art qui s'expose à Paris dès le début des années 1940. Etonnant mélange d'esprit méditatif et de tempérament sportif, il est aussi un marin chevronné qui navigue chaque été le long des côtes bretonnes. Très tôt, la mer accompagne son irrépressible inventivité pour devenir peu à peu le thème dans lequel il ne cessera de déployer ses préoccupations picturales et son plaisir de peindre. Sa créativité l'amène à imaginer toujours de nouvelles voies à la figuration. Parce qu'il pense avec les yeux, qu'il a l'esprit d'un narrateur, qu'il est en prise directe avec ses sujets, Lapicque peint comme il dirige la marelle de son voilier, avec ardeur. A regarder ses oeuvres, nous devenons la mer, nous sommes dedans, nous participons de son rythme. | |
Pour un journal né d une couverture sulfureuse et désormais mythique, le fameux Bal tragique à Colombey , le choix de la Une est, chaque semaine, est moment spécial. Charlie Hebdo fête cet été son numéro 1000, depuis la refondation du journal en 1992. Les Unes de Charlie Hebdo ont mis à l honneur les plus grands dessinateurs de toutes les générations: Cabu, Tardi, Wolinski, Charb, Gébé, Riss, Luz, Tignous, Jul, Honoré, Catherine, Mougey, Bernar, Kamagurka... Les Unes de Charlie ont aussi été le fer de lance de toutes les audaces et de tous les procès! : de l adjudant Chanal violant le soldat inconnu en 1993 à Mahomet éploré par les intégristes en 2006, du Roi des cons est mort interdit en Belgique, aux abstentionnistes du vol Rio-Paris qui s est attiré les foudres de Frédéric Lefebvre, les Unes de Charlie ont parfois été traînées des kiosques aux tribunaux, elles ont déchaîné les passions et marqué l histoire collective. | |
Dispersées à la suite des ventes révolutionnaires, des oeuvres exceptionnelles retrouvent aujourd'hui leur affectation originelle, l'écrin majestueux de Versailles. Aussi les auteurs de cet ouvrage ont-ils remonté l'histoire et enquêté sur ces meubles et objets d'art de première importance. Leurs passionnantes découvertes ont permis d'identifier leurs illustres propriétaires et d'en révéler les histoires étonnantes. | |
Le design graphique est-il un outil critique ? Qu'est-ce qu'une pratique graphique contemporaine ? Le design graphique peut-il s'affranchir de la commande ? Ces trois interrogations fondent la recherche engagée de longue date par le graphiste Frédéric Teschner quant à la valeur d'usage du graphisme dans le champ de l'art et de son exposition. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition "Le Secret des anneaux de Saturne" présentée à la Maison d'art Bernard Anthonioz / Fondation nationale des arts graphiques et plastiques, à Nogent-sur-Marne, du 8 septembre au 23 octobre 2011, est une compilation de regards, de discussions et d'expériences pour poursuivre et alimenter ce débat. | |
Voici enfin la nouvelle édition revue et augmentée de Paris, De la rue à la galerie ! Elle regroupe le travail de 35 artistes français incontournables, dont 7 nouveaux artistes. Paris, De la rue à la galerie présente les oeuvres de ceux qui ont fait leurs armes sur les murs parisiens. Graffs, fresques, affiches, pochoirs, leurs créations sont multiples. Le point commun de tous ces artistes est leur investissement dans les rues de Paris durant les années 2000, mais aussi leur évolution en galerie en France et à l'étranger. | |
Le Centre Pompidou consacre une exposition (11 Octobre 2001 - 2 Janvier 2012) aux "Logogrammes" de Christian Dotremont : "Ce que je fais en somme, c'est exagérer la naturelle liberté de l'écriture", résumait l'écrivain et artiste belge (1922-1979) à propos de cette pratique qu'il inventa en 1962.Soixante-dix "dessins de mot" sont exposés pour la première fois en France. | |
Dans le panorama éditorial européen et américain, il manque depuis longtemps une histoire de l'art romain qui propose, dans une vision globale, l'important travail de recherche archéologique et historique menés ces dernières années par les chercheurs de différents pays. L'ouvrage de Filippo COARELLI inaugure une collection d'Histoire de l'art romain en plusieurs volumes, qui veut offrir à la fois des données mises à jour et une réflexion historiographique adéquate. Par une méthode originale, l'auteur base son étude sur un dialogue continu entre les données archéologiques et la tradition classique sur les origines de Rome. Au cours des siècles reculés, dans la Rome des rois, la ville se trouvait au carrefour de deux mondes artistiques riches et actifs, le monde étrusque au nord et le monde italo-grec au sud et constituait une périphérie artistique où les différentes influences et modalités d'expression se mêlaient avec la sensibilité locale. Avec l'époque républicaine commencent à prendre forme des éléments propres, dans un échange permanent de ressemblances et de différences par rapport aux mondes environnants. Une culture artistique qu'on peut qualifier de « romaine » commence petit à petit à se définir. | |
Deux cents oeuvres présentées au Petit Palais racontent cette célèbre maison : peintures, sculptures, documents d’archives, objets personnels, accessoires et maquettes sont autant de témoignages qui font revivre les grandes heures de la Comédie-Française. Il s’agit bien d’un musée dans le théâtre, qui dévoile aussi la relation particulière entre les artistes de la scène et des peintres ou sculpteurs aussi célèbres que Mignard, Coypel, Houdon, Delacroix, Ingres, Renoir, Rodin, Cocteau... On redécouvre les comédiens dans leurs emplois, les grands auteurs dramaturges, les séances du Comité de lecture, le travail de la scène, les accessoires les plus prestigieux, tel le fauteuil dans lequel Molière joua son dernier rôle... | |
Le 24 juin 1961, André Malraux, ministre de la Culture, inaugure au Havre le musée-maison de la culture. Premier musée reconstruit de l'après-guerre, et première maison de la culture en France, ce projet novateur est porté par l'enthousiasme et la foi des pionniers que furent son directeur, Reynold Arnould, nommé en 1952, et l'équipe d'architectes Guy Lagneau, Michel Weill, Jean Dimitrijevic et Raymond Audigier. Le livre s'attache à suivre la genèse du projet et à comprendre comment il devint ce symbole singulier d'hybridation culturelle. L'architecture, reposant sur les principes de transparence et de fluidité, servira cette ambition. Inventant une relation poétique au paysage, le bâtiment tout de verre et d'acier s'ouvre au regard, aux mouvements des bateaux entrant et sortant du port situé à quelques pas de là. La transparence inscrit de fait le musée dans la ville et en signifie symboliquement sa démocratisation. La disponibilité des espaces intérieurs, la souplesse de la muséographie, la création d'équipements nouveaux comme une salle de conférences, un "foyer-bar", permettront le développement d'une programmation dense faite d'expositions, de séances de cinéma, de débats, de concerts, répondant au souhait de Reynold Arnould de transformer le musée en un "organisme vivant". | |
Le musée imaginaire que nous présentent ici Pierre et Arnaud Cornette de Saint Cyr a cette particularité d’être constitué d’oeuvres qui ont toutes établi un record de vente aux enchères. Du tumultueux Michel-Ange au bouillonnant Basquiat, de l’austère Léonard de Vinci au sulfureux Damien Hirst, de la grâce raphaélienne à l’érotisme de Murakami, ces oeuvres parcourent plus d’un demi-millénaire de création. Les records alimentent les rumeurs et les spéculations. Les auteurs, commissaires-priseurs célèbres et acteurs incontournables du marché de l’art, s’attachent ici à mettre en lumière l’importance de toutes ces oeuvres, de par leur rareté, leur valeur historique, leur qualité picturale, leur provenance illustre. Décryptant le mécanisme des enchères, les batailles de grands collectionneurs, la frénésie qui entoure les oeuvres de grandes collections et le jeu parfois toxique des garanties accordées aux vendeurs, ils nous présentent surtout, à travers ce musée privé virtuel, les 100 chefs-d’oeuvre qu’un collectionneur aux moyens illimités aurait pu réunir en un quart de siècle, et nous prouvent que le marché de l’art rejoint toujours l’histoire de l’art. | |
L'Amoco Cadiz échoué devant Portsall, l'Odet apparemment immuable devant les flèches de la cathédrale de Quimper, le pont transbordeur de Nantes, la grève du Joint français... et plus simplement le très ancien portrait de famille ou la photographie de mariage : les photographes nous ont construit une image de la Bretagne. Mais comment l'ont-ils peu à peu façonnée, transformée, jusqu'à imprimer dans les mémoires une vision peut-être fortement déformée ? Comment ont-ils influencé l'identité régionale ? Depuis 1841 - deux ans seulement après l'invention de la photographie -, la Bretagne est photographiée. Mais jamais on n'avait tenté de proposer une vue d'ensemble qui fasse appel à toutes les époques et tous les types de photographies, qu'elles soient restées privées, éditées, diffusées en cartes postales ou... mises en ligne. Plus de 160 artistes sont mobilisés - sans compter les clichés restés anonymes ! -, des documents venus des collections publiques. et privées de Bretagne et de toute la France, d'Allemagne, du Royaume-Uni, de Suisse, des Etats-Unis, du Canada... Pour nous livrer plus de 500 photographies, en majorité inédites. Une source d'émotion devant la beauté, l'occasion de sourire parfois, de réfléchir à ce qui a façonné notre imaginaire, nos représentations de la Bretagne. Une manière, enfin, de rendre hommage à celles et ceux à qui nous devons tant : les photographes. | |
Alors qu’il réinhume la momie d’une jeune chamane, Kyys, quelque part en Iakoutie, Eric Crubézy est frappé de la similitude de sa situation avec celle des savants de l’expédition Sanders-Hardmuth, qui eux, osèrent rapporter en Occident la momie de Rascar Capac. Ce thème bien connu, celui des Sept boules de cristal, sert de base à la réflexion de l’auteur. Dans un cas, celui imaginé par Hergé, les savants « volent » les restes (et le payent très cher). C’est ainsi que les archéologue opéraient autrefois. Dans l’autre cas, aujourd’hui, les chercheurs réinhument la momie une fois celle-ci étudiée. Différence de traitement. Respect et sauvegarde de l’objet dans l’un, respect de la culture et des rites dans l’autre. A partir de ce thème, Eric Crubézy, en tintinophile averti qu’il est, réinvestit l’oeuvre d’Hergé et tente de cerner sa vision de l’archéologie. | |
Des historiens d'art, des conservateurs, des artistes et des chorégraphes explorent le dialogue entre art et danse de 1900 à nos jours, d'Henri Matisse à Tino Sehgal, de Vaslav Nijinski à Matthew Barney, de Loïe Fuller à Merce Cunningham. Illustré par de nombreuses oeuvres et documents exceptionnels, "Danser sa vie" est un parcours inédit et ambitieux au croisement de toutes les disciplines. | |
Le savoir du Moyen Age admirait le savoir de l'Antiquité classique. Les érudits médiévaux copiaient et étudiaient les traités gréco-latins sur la médecine des humeurs, l'astrologie et l'astronomie, les plantes, les minéraux et le monde animal. Les bestiaires des cathédrales font partie d'un langage oublié mais bien réel dont l'éclairage donne une dimension nouvelle à la lecture des monuments. "Ce qui est sur Terre est analogue à ce qui est dans le ciel", disait la parole antique. Les anciens bâtisseurs de l'art sacré positionnaient les animaux à des endroits précis sur les édifices. Ils les mettaient en relation avec les constellations régissant les lieux au moment de leur construction. Patrick Darcheville étudie et décrit différentes figures ainsi que le symbolisme qui les rattachent. Recensant ainsi pas moins de quarante animaux sur la cathédrale d'Amiens, il retrouve et révèle les connaissances cachées, à travers ce bestiaire de pierre, laissé à notre vue par les constructeurs de cathédrales et autres lieux sacrés. | |
Nils-Udo, né en 1937 à Lauf (Haute-Bavière, Allemagne), a grandi dans les paysages grandioses du Tyrol. Après des études de graphisme à Nüremberg, il effectue de nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient. C’est en Iran qu’il décide de devenir peintre. La nature avec laquelle il est en osmose depuis l’enfance devient sa thématique : « La nature est le thème de ma vie, mon art sort de cette expérience » répète-t-il sans cesse. Il s’établit à Paris en 1960 et débute la peinture. En 1969, il retourne en Haute-Bavière où il réside encore. En 1972, il renonce à la peinture car « la thématisation de la nature, de façon quasiartificielle » lui donne le sentiment d’être dans une impasse. En 1972, il commence à travailler dans et avec la nature. Pionnier du land-art en Europe, Nils-Udo, "guidé par le génie des lieux et les matériaux collectés sur place", fait alors surgir des plantations, des installations minérales et végétales, souvent éphémères, de dimensions variables, qu’il compose comme un tableau, abolissant ainsi la frontière entre l’art et la nature. L’oeuvre achevée est immortalisée par la photographie qui lui donne un nouveau statut. "Nids géants", "portes" ouvrant sur l’inconnu, « maisons d’eau », « autels »… retournent à la terre pour y subir l’érosion du temps. En 1989, l’artiste amorce un premier retour à la peinture, tout en poursuivant ses installations in situ, mais c’est en 2004, qu’il se laisse "emporter par la force de ce médium pour peindre dans un incendie de couleurs" des paysages fantastiques à la limite de l’abstraction. | |
Qui n'a pas lu un jour un album de Sylvain et Sylvette ? C'est en 1956 que Jean-Louis Pesch reprend ces deux fameux personnages créés par Maurice Cuvillier en 1941. Depuis lors, il n'a cessé de les animer pour les petits et les grands. En 60 ans de carrière, Pesch a vendu plus de vingt millions d'albums de cette série. Il sera aussi l'auteur de Bec-en-fer et collaborera à de nombreux illustrés. Il réalisera également de nombreux travaux publicitaires. C'est toute sa vie qui est ici retracée. Cet ouvrage comporte une longue interview, des souvenirs de l'auteur et bien sûr plus de 200 documents, dont certains inédits. | |
N'avez-vous jamais pensé que vous aviez rencontré par hasard un pont, une ferme, un lit, une lumière, une planche de surf, un ordinateur, un gorille en jouet ou un téléphone en carton ? | |
"Patrick Dougherty's entire peripatetic career is his masterwork, and Stickwork provides the first overview that gives a sense of Dougherty's achievement. The abundance of beautifully photographed images, framed only by Dougherty's disarmingly personal statements and Jennifer Thompson's perceptive and accessible essay, captures in the best way possible the complexity and simplicity, elegance and playfulness, and process and product that are at the heart of Dougherty's sculptural accomplishments." -Glenn Harper, editor of Sculpture magazine. | |
En résidence au couvent de La Tourette, oeuvre majeure de Le Corbusier, le photographe George Dupin livre un ensemble de clichés inédits, fruit d'une traversée personnelle du couvent. Disciple de Lucien Hervé (photographe aux côtés de Le Corbusier), George Dupin propose une vision du couvent dévoilant vues d'ensemble et détails originaux (mobilier, atrium, couloirs...). A cette occasion également, les oeuvres d'Alan Charlton, artiste invité à La Tourette, sont exposées dans le couvent, dans le cadre de la Biennale d'art contemporain de Lyon qui se déroule du 10 septembre au 18 novembre 2011. Un dialogue silencieux s'établit entre l'oeuvre de l'architecte et celle de l'artiste. | |
Un ouvrage de synthèse qui s'attache à présenter le patrimoine de la ville de Pau de l'entre-deux-guerres, enrichi par une abondante illustration constituée de documents d'archives inédits et de photographies actuelles. | |
Ce catalogue propose de découvrir à travers de prestigieux manuscrits arabes, persans et turcs conservés à la BnF comment dès le début de l’Islam s’est constitué, hors de la figuration, un art original basé sur la géométrie, l’arabesque et la calligraphie. Magnifiant la parole de Dieu, cet art qui apparaît dès les premiers corans, s’étend vite à d’autres domaines. La miniature est néanmoins présente : côtoyant l’enluminure abstraite, elle s’épanouit dans de nombreux textes profanes, scientifiques ou littéraires. A travers les images et les textes d’autres oeuvres aussi variées que Kalila et Dimna, contes d’origine indienne, le Shah-nameh, la grande épopée nationale iranienne, le Traité des étoiles fixes d’al-Sûfî, les grandes chroniques historiques persanes et ottomanes et bien d’autres encore, l’exposition déroulera les multiples facettes d’une figuration qui a pris des formes variées selon les époques et les lieux. Car c’est bien dans son rapport à l’image que le monde musulman, dont l’unité s’est construite autour d’une religion, déploie sa multiplicité, traversé d’Est en Ouest par des influences culturelles diverses qui se traduiront dans une iconographie parfois différente dans les mondes arabe, persan et turc. | |
Dans le cadre d'une très importante donation d'œuvres et des archives d'Eugène Leroy au musée des Beaux-Arts de Tourcoing, l'exposition « Eugène Leroy, exposition du centenaire » sera présentée dans ce même musée qui deviendra à cette occasion, musée des Beaux-Arts Eugène Leroy et sera ainsi le centre de référence du peintre. L'exposition qui prend appui sur cette donation, montrera à travers les tableaux, dessins, estampes, sculptures, la richesse de l'œuvre d'Eugène Leroy. Eugène Leroy est un peintre français, née le 8 août 1910 à Tourcoing et décédé le 10 mars 2000. Il s'est confronté tout au long de sa vie aux œuvres et aux artistes, aux maîtres anciens de même qu’aux modernes et à ses contemporains. Son parcours est jalonné de voyages et de rencontres dans les musées américains et européens qui l'ont particulièrement touché. Une peinture d'Eugène Leroy est, avant tout, une présence physique - lourdeur de la toile chargée d'épaisses couches de matières. Elle se donne, d'abord, comme une palette avec ses recouvrements de couleurs et ses décrochements de « pâte » solidifiée mais fragile. | |
L’Occident a inventé le "sauvage". Ce fut un immense spectacle, avec ses figurants, ses décors, ses impresarios, ses drames et ses récits incroyables. C’est une histoire oubliée. Elle est pourtant au carrefour de l’histoire coloniale, de l’histoire de la science et du monde du spectacle et des grandioses expositions qui ont façonné le monde pendant plus d’un siècle. Ce fut le temps des exhibitions humaines et du "racisme scientifique", un temps où des hommes venaient voir des "monstres" ou des "exotiques", non pas pour ce qu’ils font, mais pour ce qu’ils sont censés être. Ces exhibitions populaires ont produit des multitudes d’images pour convaincre les visiteurs et fasciner les publics. À l’occasion d’une exposition-événement au musée du quai Branly, ce livre-anthologie en montre les traces, grâce à quelque cinq cents documents exceptionnels issus de collections publiques et privées – pour la plupart inédits –, accompagnés des analyses de soixante-dix spécialistes internationaux. | |
A travers cinq collections publiques de Rhône-Alpes. Objet d'étude ou de scandale, matière à chef-d'oeuvre, prétexte aux recherches formelles les plus audacieuses, le corps a changé de signification au cours du XXe siècle. D'objet, il devient l'instance centrale de la création de l'artiste, se substituant parfois à la conscience, définissant de nouveaux genres et pratiques artistiques. Alors même que la représentation du corps humain constitue une tradition ininterrompue dans l'art occidental, elle fait résonner l'art mondialisé, où le corps demeure une problématique majeure. | |
Le catalogue présente de la collection exceptionnelle de maîtres hollandais rassemblée par Ilone et George Kremer depuis plus de seize ans. De Rembrandt à Franz Hals en passant par Pieter de Hooch, Gerrit Dou, Gerrit van Honthorst, les œuvres sont des pièces historiquement et artistiquement du plus haut intérêt. La partie théorique du catalogue est consacrée à l'avènement au pouvoir, au cours du XVIIe siècle aux Pays-Bas, de la bourgeoisie et à son univers. Il montre également l'influence du Caravage sur l'art hollandais de l'époque. La partie catalogue réunit les cinquante-sept œuvres et propose une notice détaillée portant sur le peintre ainsi qu'une analyse de chaque tableau. Le catalogue témoigne de ce nouveau monde où le clair-obscur illustre les scènes de genre et les rapports sociaux entre les différents métiers au XVIIe siècle hollandais. Il révèle également l'avènement de la bourgeoisie dans le monde des amateurs d'art et des collectionneurs. | |
Rien moins que retrouver un style, rien moins que réaliser l'unité, une certaine union, entre l'art et la vie. Telle a été la volonté de l'Art nouveau, à l'orée du XXe siècle, placé dans l'antichambre de l'art moderne. Un art qui répond à une préoccupation première, celui du souci d'un style, qui s'étend du design à l'architecture, de la verrerie à la peinture. Éclectique, l'Art nouveau ? C'est rien de le dire, comme en témoigne cet ouvrage, véritable histoire d'un art, richement illustré, où l'on retrouve artistes connus, moins connus, méconnus, ou restés dans l'ombre ; de Rennie Mackintosh, en Écosse, à Hector Guimard et son style métro ; de Toulouse-Lautrec au décor floral et animalier développé à Nancy, de l'utilisation de fer et du verre en Belgique aux arabesques symboliques des Pays-Bas, d'Antoni Gaudi à Gabriele D'Annunzio... Un ouvrage remarquable, conduit non moins remarquablement (nourri de notes, d'un glossaire d'un index et de biographies), par Gabriele Fahr-Becker, historienne d'art, archéologue et philosophe, spécialiste des années 1900. | |
Henri Fantin-Latour (1836-1904) aimait la musique presque autant que la peinture. Cette passion l'a porté vers la création d'oeuvres inspirées par les grands compositeurs romantiques de son temps : Wagner, Schumann, Brahms et Berlioz. Fasciné par Hector Berlioz, Dauphinois comme lui, il offre à sa musique un prolongement plastique extrêmement original en cette fin de XIXe siècle. Hommages ou traductions picturales de ses compositions, ses peintures et ses lithographies illustrent cette relation intime nouée entre les deux modes d'expression. Source d'inspiration, la musique a aussi profondément influencé la peinture de Fantin-Latour. Considéré comme "le peintre des musiciens" par ses contemporains, il développe un style fluide et vibrant dans l'esprit de la musique. Les regards croisés de deux historiennes de l'art et d'une musicologue renouvellent la compréhension de l'artiste en révélant un mélomane averti, mais aussi un grand connaisseur des lignes mélodiques et du langage musical | |
Gardés tel un véritable trésor dans des immenses coffres forts à température constante, ce sont au total plus de 9000 costumes de scène et leurs accessoires (bijoux, coiffures, sacs, chaussures..) que le Centre National du Costume de scène de Moulins conserve. Pour la première fois, ce lieu unique au monde donne accès, à travers cet ouvrage, à l'ensemble de ses archives. Au fil des pages se dévoile ainsi en images (photos, dessins, esquisses..) la magie des costumes de scène prestigieux des principaux personnages emblématiques d'un spectacle (comme la reine, le roi, le prince, la jeune fille, le valet etc..). Ainsi plus de 500 costumes de scènes, portés autrefois par des artistes d'exception (de Noureev à la Callas en passant par Isabelle Adjani, Teresa Berganza, Montserra Caballé, Nathalie Dessay ou Sarah Bernhardt..), et imaginés par d'aussi grands créateurs que Christian Lacroix, ou Jean-Paul Gautier, nous révèlent tous leurs secrets, tels de véritables oeuvres d'art pour certains. | |
Stéphane Mallarmé aima les femmes et s’en entoura jusqu’à la fin de sa vie : maîtresses, amies, confidentes, muses, danseuses, Parisiennes mais aussi nymphes. A travers la mise en perspective de photographies, peintures, dessins, gravures, documents d’archives et autres objets divers (robes, fleurs séchées, bijoux, mèches de cheveux, éventails), cet ouvrage s’attache d’une part à la présentation des femmes ayant gravité autour du poète et inspiré son oeuvre : la séduisante Méry Laurent, qui fut également maîtresse et modèle d’Edouard Manet ; Berthe Morisot, "la belle peintre" impressionniste ; Misia Natanson, l’égérie des Nabis... et, d’autre part, évoque les figures féminines de ses textes, de la fatale "Hérodiade au clair regard de diamant" à "l’incarnat léger" des Nymphes de L’Après-midi d’un faune, en passant par Sainte Cécile, la "Sainte pâle" et "musicienne du silence". | |
Une histoire de la photographie à Limoges (1839-1914). L'intérêt du grand public pour la photographie s'est révélé lors des premières expositions organisées par les musées nationaux et la Bibliothèque nationale de France depuis les années 1980. Leur succès ne s'est pas démenti et peu à peu s'est écrite l'histoire de la photographie à Paris comme en province. Jean-Marc Ferrer et Etienne Rouziès ont souhaité inscrire la capitale limousine dans cette histoire nationale en proposant un parcours thématique et visuel inédit. Leur étude est basée sur une première évaluation des fonds photographiques conservés en collections publiques et privées. L'intérêt est double : les habitants de la ville découvriront la sensibilité des regards portés sur la cité porcelainière au XIXe siècle, et les amateurs comme les spécialistes y trouveront un choix d'images et de textes embrassant l'histoire de la photographie et de ses implications esthétiques. Cet ouvrage, réalisé à l'occasion de l'exposition Limoges révélée ; Une ville et l'art photographique (1839-1914), est une invitation à se laisser porter par les délicates images des pionniers de la photographie jusqu'aux épreuves pictorialistes de Paul Burty Haviland, sans oublier les paysages urbains de Jean-Baptiste Audiguet ou d'Hippolyte Blancard et les rares autochromes de Jean Jové. | |
Catalogue des expositions présentées lors du 26e Festival international de mode et de photographie qui rassemble dix stylistes et dix photographes. | |
Publié à l’occasion de l’exposition « Fra Angelico et les Maîtres de la lumière », ce livre réunit près de vingt-cinq œuvres du peintre dominicain et autant de panneaux réalisés par les artistes prestigieux qui l’ont côtoyé, comme Lorenzo Monaco, Masolino, Paolo Uccello ou Zanobi Strozzi. Il restitue ainsi l’effervescence culturelle qui régnait à Florence au début du XVe siècle et souligne le rôle central qui fut celui de Fra Angelico sur la scène artistique de son temps. Des ors étincelants du style gothique à la révolution naissante de la perspective, cet ouvrage richement illustré évoque les multiples facettes de Fra Angelico, en revisitant l’œuvre de cette figure majeure de la première Renaissance florentine et de ses illustres contemporains. | |
À la suite de la révolution française, la société connaît un profond renouvellement. Les modes de vie s'en ressentent. L'admiration pour l'Antiquité se manifeste désormais dans tous les domaines. Sous le régime du Directoire se prolongent les innovations qu'avaient vu naître les dernières années du règne de Louis XVI. Le style à la grecque, à l'étrusque se complète des rappels de la grandeur romaine et d'une meilleure connaissance de l'Égypte. Le style appelé Consulat se précise, les architectes Percier et Fontaine prévoient tous les éléments contribuant à la décoration intérieure. Ils développent l'unité du style Empire avec le soutien entier de Napoléon Ier. | |
Les artistes se cachent souvent derrière leurs créations ; José Cabrero Arnal n'a pas échappé à la règle. Pourtant, le créateur de Pif le chien et de son ancêtre en Espagne Top el Perro, de Roudoudou, de Placid et Muzo et de bien d'autres encore, qui signait simplement "C Arnal", eut une vie en dehors des cases et des bulles. Passionné dès son jeune âge par l'art du dessin, par la caricature aussi, il n'a de cesse de vivre de son crayon. Durant les années 1930, celles de la IIe République espagnole, il exerce à Barcelone la Catalane. Il participe à de nombreuses revues destinées à la jeunesse avant de s'engager dans le combat pour la défense de la République. Jusqu'à la Retirada. C'est le temps de l'exil en France, où la guerre, bientôt déclarée, l'emporte de nouveau vers l'inconnu, d'abord dans les commandos de travailleurs étrangers puis en déportation. A Mauthausen, où son talent de dessinateur et la solidarité des "Rote Spanier" l'aideront à survivre. A la Libération, il s'installe en France et collabore à L'Humanité puis à Vaillant. L'élégance de son trait et la fraîcheur de caractère de ses personnages lui valent la reconnaissance du milieu des artistes de la bande dessinée et feront les délices de deux générations d'enfants, de l'après-guerre jusque dans les années 1970. | |
Lois Weinberger travaille dans un réseau poético-politique qui attire notre attention sur les zones de marginalité et qui pose la question de la hiérarchie à tous les niveaux. Il a contribué de façon significative aux débats récents portant sur l'art et la nature. Weinberger, qui se définit lui même comme un travailleur de terrain, s'est engagé depuis le milieu des années 1970 dans des travaux ethno-poétiques qui sont à la base de ses recherches artistiques actuelles autour des espaces naturels et de ceux construits par l'homme. | |
Les 100 plus grands typographes contemporains nous invitent à explorer leurs carnets de croquis ! Cet ouvrage reproduit des extraits de leurs carnets de travail. Les carnets de croquis sont délibérément informels. Ils sont conçus pour que leurs auteurs se perfectionnent, expérimentent ou s'amusent, tout simplement. Dans la plupart des carnets présentés ici, la typographie joue le premier rôle, comme les notations de panneaux anciens de Leigh Wells. Mais les auteurs ont aussi inclus des illustrations, tels les savoureux caractères anthropomorphes de Tom Schamp. Parfois, les carnets de croquis donnent un aperçu des étapes d'un projet, montrent comment une idée évolue. D'autres fois, ce sont de merveilleux méandres dessinés de manière aléatoire, comme les mélanges de dessins et de constructions de Pedro Inoue. À bien des égards, ces carnets, véritables boîtes à idées, constituent de nouvelles approches qui relèvent davantage des beaux-arts que de l'art appliqué. | |
Jusqu'à ce que les restaurants deviennent monnaie courante à la fin du 19e siècle, les menus imprimés détaillant les plats proposés étaient un accessoire rare reservé aux grandes occasions. Avec la multiplication des établissements de bouche, le menu est devenu bien plus qu'une simple liste de mets et de prix. L'apparence et la présentation du menu font aujourd'hui parti intégrante de l'expérience culinaire, si bien que les menus sont devenus un outil commercial et un souvenir que l'on conserve. Menu Design vous fait dévouvrir les meilleurs exemples de cette niche de l'art graphique. Près de 1000 menus, des couleurs vives, ce volume n'est pas un simple catalogue d'éphémérides sur papier; il fait aussi uvre de témoignage sur l'histoire de la restauration en Amérique. Outre les couvertures de ces menus, il propose aussi nombre de pages intérieures qui retracent les fantaisies et évolutions que ce métier a connues depuis un siècle. Diverses photos de restaurants complètent cet ouvrage qui séduira tous ceux qui aiment manger dehors, et s'intéressent aux rapports entre histoire du graphisme et de la gastronomie. | |
Henri-Edmond Cross, un des principaux acteurs du néo-impressionnisme avec Signac, est l’un des peintres qui joua un rôle majeur dans les révolutions artistiques du début du 20eme siècle. A la fin du 19eme siècle, la question de la couleur pure du prisme utilisée dans des touches pointillées est théorisée et connaît une rapide évolution. Pour la première fois, cette exposition montre l’originalité des recherches de Cross et son influence sur les artistes fauves, en particulier sur Matisse. Si Georges Seurat, le fondateur du néo-impressionnisme, quitte la scène artistique en 1891, deux peintres, Paul Signac et Henri-Edmond Cross, vont mettre en pratique ses théories, les développer et les diffuser auprès des jeunes artistes. Henri Matisse, à la recherche de toutes les expérimentations sur la couleur, passe l’été 1904 à Saint-Tropez aux côtés de Signac et de Cross. Il s’initie à cette technique et suit les conseils de Cross dont il apprécie l’amitié. Il expérimente le néoimpressionnisme notamment dans le monumental tableau Luxe, Calme et volupté (Musée d’Orsay). Il trouvera les limites de cette recherche mais cette étape est essentielle pour que naisse, l’été suivant à Collioure en compagnie de Derain, ce qu’on appellera le Fauvisme. | |
Il arrive parfois que la postérité oublie certains artistes, non qu ils aient démérité mais pour d obscures raisons. Louis-Félix Chabaud en est un exemple frappant. Grand Prix de Rome, il fut l un des amis les plus fidèles de Charles Garnier et collabora avec lui sur les chantiers des Opéras de Paris et de Monte-Carlo, ainsi qu à l Observatoire de Nice. Sa vie demeure pleine de mystères, parfois proche d un roman : il réalisa de nombreux croquis de fresques à Pompéi, Stabies, Herculanum... pour finir ses jours dans sa propriété de Venelles, précisément sur un site gallo-romain datant du Ier siècle de notre ère. Loin de l académisme que l on a pu reprocher à certains de ses contemporains, Chabaud ouvrira la voie à l Art Nouveau et nombre d artistes de son temps et de successeurs lui rendront un hommage appuyé, tels Charles Garnier, Georges Clairin ou encore Sir Alfred Drury. | |
Année après année, cet ouvrage rend compte au plus près de la vie de Cézanne (1839-1906) et de son œuvre, à travers sa correspondance, le témoignage de ses tiers, ses propres écrits, ses carnets de dessin ou d’esquisses restituant sa vie, sa carrière. De manière chronologique, simultanément au travail de création, il offre le contexte politique, économique culturel et artistique de l’époque que traverse l’artiste et qui ne peut pas ne pas avoir d’une manière ou d’une autre conditionné le développement de son œuvre en formant son cadre professionnel. Toutes ces données éparses sont distribuées annuellement par doubles pages selon une triple approche : la vie, l’œuvre, le contexte. | |
Les milliers de dessins conservés au musée Ingres de Montauban nous permettent de nous projeter dans l’atelier d’Ingres et de le regarder travailler comme si nous étions au-dessus de son épaule. De le voir, feuille après feuille, chercher la forme parfaite, le geste juste. Mais jusqu’ici, malgré l’importance et l’abondance de ce fonds, aucune analyse des techniques que l’artiste a utilisées pour « fabriquer » ces dessins n’a été réalisée. Aujourd’hui, de nouvelles méthodes existent pour connaître de façon très exacte la composition des matériaux utilisés par les artistes. Si elles ont commencé à être appliquées dans le domaine de la peinture et de la sculpture, ce n’est que très récemment que le monde des arts graphiques a pu en bénéficier. | |
Jacques Gruber (1870-1936) appartient à la seconde génération des artistes de l'École de Nancy. Gallé, Majorelle, les frères Daum ou Prouvé sont déjà des acteurs connus de l'avant-garde artistique quand Jacques Gruber revient à Nancy en 1893, après ses études à l'École des beaux-arts de Paris. Entre 1893 et 1897, il collabore avec la manufacture Daum et crée des modèles de vases dans un répertoire figuratif historique ou mythologique. Avant de se consacrer de plus en plus au vitrail à partir de 1900, Gruber s'exprime dans des domaines très variés : affiches, menus et imprimés, peintures et pastels. Les projets réalisés avec René Wiener témoignent de son intérêt pour la reliure d'art. | |
Consacrée à l'oeuvre de Juan Gris, (1887-1927) cette exposition a pour propos de mettre en évidence le rôle particulier, et singulier, qui a été celui de l'artiste dans l'esthétique cubiste qu'il a su renouveler en apportant à l'entreprise initiée par ses deux illustres prédécesseurs, Picasso et Braque, une dimension à la fois intellectuelle et constructive. Si Gris enrichit de sa propre personnalité l'expérience de la décomposition analytique du motif, il n'aura de cesse de chercher à atteindre une perfection de l'équilibre entre la référence au réel et une architecture de l'oeuvre ayant ses propres lois plastiques, son propre langage. La synthèse s'opère chez lui par un dépouillement de plus en plus marqué, par une respiration nouvelle de l'espace jusqu'alors souvent confiné chez les peintres cubistes, par un éclatement de la couleur tout à fait atypique dans l'esthétique cubiste, par une sensibilité personnelle qui le conduit à observer la vie intérieure de chacun de ses sujets. | |
Très peu d'ouvrages, à ce jour, ont été consacrés à Jacques Ignace Hittorff qui est pourtant l'un des principaux représentants de cette architecture du XIXe siècle à laquelle Paris doit l'image qui est la sienne, partout dans le monde. Que cet architecte, "parisien" entre tous, ait été de nationalité allemande n'est sans doute pas étranger à la relative discrétion dans laquelle son oeuvre fut longtemps tenue. L'hostilité délibérée d'Haussmann y est certainement, aussi, pour quelque chose. Ajoutons que l'irréparable perte d'une grande partie des archives d'Hittorff a considérablement entravé les recherches réalisées autour de cette carrière exceptionnelle. C'est néanmoins cet architecte méconnu qui - de 1810 jusqu'à la fin de sa vie - redessine le coeur de Paris, imaginant l'une des plus belles perspectives de l'urbanisme européen sous la monarchie de Juillet puis sous le Second Empire, il réalise et aménage l'axe superbe qui s'élance de la place de la Concorde aux Champs-Elysées pour rejoindre la place de l'Etoile et se poursuivre jusqu'au bois de Boulogne. Auteur de nombreux édifices parisiens, dont la gare du Nord, Hittorff s'est également fait remarquer de ses contemporains par sa fameuse théorie sur la polychromie dans l'architecture grecque. | |
Viêtnam. Deux syllabes qui résonnent avec force dans l'imaginaire. À la faveur des échanges renoués, les Occidentaux redécouvrent ce pays secoué par trente ans de guerre. Les apports architecturaux de la période coloniale demeurent visibles et contribuent toujours à façonner le visage des cités actuelles. Léonard de Selva, photographe, et Arnauld Le Brusq, historien de l'art, proposent un itinéraire du sud au nord du Viêtnam, de Hô Chi Minh-Ville - l'ancien Saigon - à Hanoi, en passant par Dalat, Nha Trang, Danang - anciennement Tourane - et Huê, autant de villes abordées de manière vivante sous l'angle de l'histoire urbaine et architecturale. À partir d'une campagne photographique d'envergure et d'une enquête auprès d'archives souvent inédites, ce sont des réalisations méconnues qui sont ici restituées : palais administratifs, édifices militaires, hôpitaux, églises, écoles, grands magasins, théâtres, musées et villas révèlent le talent d'architectes oubliés et la richesse d'un patrimoine à découvrir. Un voyage sensible mais sans nostalgie à la recherche des réalisations architecturales qui accompagnèrent la présence française au Viêtnam de 1860 à 1954. | |
D'abord constitué à l'origine à l'initiative d'Isidore Isou (1925-2007) autour d'une nouvelle poésie et d'une nouvelle musique, le Lettrisme élargira rapidement le champ de ses investigations pour dévoiler, tour à tour, d'inédites analyses et propositions en rapport avec les dimensions les plus variées de la Culture : l'ensemble des arts, l'économie politique, la linguistique, la philosophie, etc. Ajoutant des valeurs nouvelles aux valeurs passées, son rôle n'a jamais consisté qu'à poursuivre créativement les contenus des secteurs déterminés des différentes disciplines du Savoir pour en multiplier les richesses. Dans les arts visuels, par exemple, si, après Marcel Duchamp, la Peinture lettriste naît en 1944-45, c'est en 1950 qu'avec l'Hypergraphie elle concentrera l'immensité des signes de la communication, pour s'ouvrir, dès 1956, à l'Art imaginaire qui, à son tour, se développera en 1992 dans la structure de l'Excoordisme. En dehors de la peinture, les composants de ces arts autonomes pénétreront le roman en 1950, la chorégraphie en 1960, l'architecture en 1966. Par ailleurs, la théorie du Supertemporel définira en 1960 la place de l'intervention du public dans l'accomplissement formel. Tous ces secteurs, déjà marqués par des oeuvres nombreuses, demeurent, toujours aujourd'hui, ouverts à d'innombrables et nécessaires explorations à venir. Quarante-deux ans après l'ouverture d'une salle lettriste au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, dix-sept ans après la participation de ce groupe à la Biennale de Venise, et à la suite de multiples manifestations organisées autant en France qu'à l'étranger, cette nouvelle exposition fait état, à un instant précis, de différents moments de cette histoire. | |
Une approche enthousiaste et dépoussiérée de l'histoire du mobilier proposée par de prestigieux spécialistes, richement illustrée par les pièces les plus spectaculaires de toutes les époques et de toutes les régions du monde, aussi bien que par des détails d'ébénisterie, d'ornementation ou de tapisserie. De la période Ming en Chine au baroque italien ou français, du Chippendale anglais au néo-classicisme en France, du Bierdermeier à l'Art déco, jusqu'au mobilier très contemporain, les auteurs nous guident à travers les âges d'or de cet art, et nous font découvrir les différents styles, techniques et matériaux. Ils nous offrent également les clés pour acheter, reconnaître et mettre en valeur un meuble. | |
"Asie-Europe, art textile contemporain" a rassemblé et croisé une trentaine d’œuvres de 21 artistes européens et asiatiques provenant de plusieurs pays : Japon, Corée-du-Sud, Allemagne, France, Luxembourg, Belgique, Hongrie et Italie. Créée en 2009 à l’initiative des artistes Erny Piret et Kakuko Ishii, l’exposition est présentée pour la première fois à la Biennale de Kaunas en Lituanie. Elle a ensuite été accueillie au musée du textile de Krefeld en Allemagne, avant de s’installer à Angers cet été. L’exposition créait un espace favorisant les échanges artistiques entre deux civilisations. Elle avait aussi pour but de donner une tribune à des artistes talentueux, issus de générations différentes, et de présenter leurs travaux récents (2006-2011). Leur environnement social et naturel, leur mode de vie, leurs rencontres, leur formation, leur personnalité sont multiples et constituent autant de facteurs qui conditionnent leur création. | |
Louis Valtat (1869-1952) est-il un Fauve ? Ce catalogue fait le point des connaissances scientifiques sur le peintre Louis Valtat et son inscription dans la vie artistique de son temps. Louis Valtat est un artiste fécond proche des mouvements et figures des avant-gardes de son époque, dont le fauvisme. Attaché à son indépendance et peu enclin à théoriser son art, le peintre fréquente ces avant-gardes mais affirme un langage très personnel, celui d'un grand peintre décorateur qui utilise tons purs et couleurs éclatantes dans des paysages luxuriants ou des scènes de genre intimes. | |
Habiter un container ? est la proposition d'un regard porté sur la dimension habitable des modules de transport maritime arrivés en fin de vie. Ce point de vue est croisé par des entretiens-témoignages et des réalisations exemplaires à travers le monde. L'ouvrage invite à la découverte du potentiel de ces parallélépipèdes métalliques, véritable alternative architecturale pour un projet d'habitation, tout en se prémunissant de leur dimension tant économique qu'écologique. | |
Une synthèse des recherches qui depuis une quarantaine d'années ont totalement renouvelé la connaissance des majoliques italiennes, qui met en lumière l'influence du milieu humaniste italien, entre 1480 et 1530, sur le décor de ces céramiques. Un exceptionnel ensemble provenant de musées français (Louvre, Jacquemart-André, Petit Palais, Sèvres...), britanniques (Vi & A M, British Museum, Ashmolean Museum...) et italiens (Castello Sforzesco, Museo Correr, Bargello...). Il illustre l'apparition et le succès des décors " à l'antique ", l'importance des décors héraldiques, et permet d'aborder la problématique du portrait et de l'apparition du décor historié. | |
Né en 1882, Jules Cayette fut d’abord l’élève de grands noms de l’École de Nancy (Prouvé, Grüber, Vallin, Daum) avant de s’installer à son compte en 1910. Très vite le succès se confirme et d’importantes commandes lui assurent une notoriété croissante. S’il était un parfait représentant de l’Art Nouveau, il s’adapte très vite à la nouveauté, et devient un pionner de l’Art Déco à Nancy, pour en devenir l’un des maîtres incontestés. | |
Au-delà de leurs spécificités, sorties de masques en Afrique subsaharienne et carnavals dans les Caraïbes se vivent comme des rituels, des moments partagés, au sein desquels se renforcent les liens d'un groupe. Cette thématique souligne les caractéristiques essentielles des mascarades et des pratiques carnavalesques avec leurs enjeux, symboliques, religieux, sociaux, politiques et esthétiques. Ce livre, qui souhaite faire découvrir à un large public des univers extrêmement riches, privilégie des approches complémentaires. | |
D'origine américaine, les Stein s'installent à Paris au début du XXe s. Gertrude (1874-1946) écrivain d'avant-garde avec son frère Leo (1872-1947) au 27 rue de Fleurus. Michael, l'ainé, avec son épouse Sarah, réside rue Madame. Premiers acheteurs de Matisse et de Picasso, ils accueillent chez eux toute l'avant-garde artistique et constituent ainsi une des plus étonnantes collections d'art moderne. Picasso, Matisse, Braque, Apollinaire, Man Ray, Gris...mais aussi les écrivains américains, Hemingway, Fitzgerald...s'y croisent. Le catalogue revient sur l'histoire de cette famille très surprenante. Il éclaire l'importance de son ascendant sur les artistes de l'époque. Il montre comment elle a contribué à imposer une nouvelle norme en matière de goût dans l'art moderne, que ce soit à travers le regard de Leo sur les sources de la modernité, ou dans ses échanges avec des intellectuels de l'époque. L'amitié de Gertrude avec Picasso, ses projets échafaudés pour soutenir dans les années 1920-1930 la production "post-cubiste" de Gris, Masson, Braque... | |
Thomas Olbricht, collectionneur originaire de Essen, qui montre publiquement des ensembles de sa collection à Berlin depuis peu au Me Collectors Room, cultive cette particularité d'associer dans sa collection des objets de cabinet de curiosités de la Renaissance (Wunderkammer), des oeuvres anciennes (Albrecht Dürer, Jacques Callot, Martin Schongauer...) et des oeuvres contemporaines autour de thématiques universelles (la mort, la religion, le corps). A travers une sélection de plus de 240 oeuvres, constituée de peintures (Gerhard Richter, Sigmar Polke, Daniel Richter, Franz Gertsch, John Currin, Marlene Dumas...), d'installations et sculptures (Jake et Dinos Chapman, Giampaolo Bertozzi et Stefano Casoni, Marc Quinn...), de photographies historiques et contemporaines (Robert Capa, Cindy Sherman...) et d'objets d'art ancien (reliquaire de corail du XVIIIe siècle, pendule automate Renaissance, memento mori, objets précieux en ivoire des XVIIe et XVIIIe siècles...), l'exposition dresse le portrait d'un amateur original et exigeant, qui n'hésite pas à mêler artistes de notoriété internationale et jeunes inconnus. | |
Reflet de la cartographie littéraire de Le Clézio, l'exposition "Le musée monde" propose une rencontre inédite entre des œuvres de cultures différentes. De même que pour Malraux, pour Le Clézio, il n'y a pas de "hiérarchie en art". Ainsi, partant de ce postulat, l'exposition réunit un ensemble d'œuvres aussi diverses que des peintures historiques, des gravures révolutionnaires, des tableaux haïtiens, des nattes du Vanuatu, des objets vaudous, des ex-voto mexicains, des œuvres à caractère ethnographique venant de différentes civilisations et des œuvres contemporaines, transcendant ainsi les frontières temporelles et géographiques, pour présenter sur le même plan art et artisanat, art ancien et art vivant, art populaire et art savant. Ce «pas de côté» par rapport au périmètre traditionnel du musée, proposé par l'écrivain, puise ses origines dans l'histoire des collections du Louvre. | |
C'est encore une fois l'occasion de se plonger dans une oeuvre plus riche et variée qu'on ne la présente habituellement. Le format et les reproductions sont magnifiques. Le tout se passerait presque de commentaires si ce n'est qu'on touche là aux années fastes de la mode et que les "mises en scène" sont très efficaces et parfois sans trop d'effets. Souvent simples tests avant la photo définitive, ils n'en deviennent pas moins aujourd'hui des oeuvres à part entière tant le polaroïd rend ambiance et couleur de manière si particulière. L'émultion est là, la spontanéité, la vitesse de prise, pour tout ceux un brin nostalgique de cet technique mais aussi tous les amateurs de mode ou de photo. C'était pour lui comme un carnet d'esquisses et c'est aussi une véritable révolution esthétique. On n'apprécie aussi les doubles pages qui s'ouvrent parfois sur une séance de poses ou un séries... Magnifique ! | |
L’ouvrage retrace la présence des jardins, fêtes champêtres, saisons et travaux des champs dans les toiles imprimées de Jouy, d’Alsace ou de Normandie et les situe dans le contexte de leur temps. Les auteurs évoquent l’univers des jardins et de la campagne, à travers la présentation de toiles imprimées, de costumes rares et de livres précieux sur la botanique.Avec ses très nombreuses illustrations, «Parties de Campagne» est une plongée au coeur de la nature, revisitée par les riches collections textiles du musée de la Toile de Jouy. Élégant et contemporain, le coffret «Parties de Campagne» à la finition très soignée (pelliculage toilé, vernis sélectif, emboutissage du titre) réunit 2 volumes de 144 pages chacun, est un livre à lire et à offrir, pour un large public, amateur d’art et d’histoire. | |
Parmi les artistes majeurs de la première moitié du XXe siècle, Paul Klee se distingue par sa pratique suivie de la musique, tant comme violoniste de niveau professionnel, que comme auditeur enclin à partager son appréciation intime du langage musical. Partie prenante de sa théorie artistique, la musique n'est pas seulement pour l'artiste une passion de jeunesse. Elle anime, sa vie durant, la quête d'un élargissement des possibilités expressives de la peinture. Ce livre éclaire le cheminement de ce projet artistique d'exception à travers les débats esthétiques les plus significatifs de l'époque. Le dialogue de Klee avec ses contemporains (l'expressionnisme, le cubisme, le mouvement Dada, .), son engagement théorique et pédagogique au Bauhaus, témoignent d'une attention aiguë portée aux enjeux de l'avant-garde, au sein d'un parcours qui aspire à une synthèse entre classicisme et modernité. | |
Catalogue de l'exposition du Musée des Augustins, Toulouse (Oct.2011-Janv.2012). L'histoire de la peinture de genre française des années 1770 aux années 1820 : reflet des évolutions du goût, des modes et de la curiosité de la société. À travers cette exposition le musée des Augustins propose un panorama des différents courants qui ont marqué la peinture de genre française de la fin du XVIIIe siècle au début du XIXe siècle. La présentation de ces scènes de la vie quotidienne permet de découvrir avec un oeil neuf un ensemble de peintres. Certaines oeuvres inédites des artistes les plus célèbres tels que Fragonard, Marguerite Gérard, Greuze, Boilly, ou Drolling seront présentées au public, mais aussi un grand nombre d'oeuvres d'artistes dont les noms ont été oubliés ou perdus. Cette exposition fait écho en soixante saynètes à des instants intimes, familiaux, mondains ou artistiques de la société française de la fin de l'Ancien Régime jusqu'à la Restauration. | |
La capitale est alors en pleine mutation, touchée par l’explosion démographique, la révolution industrielle et les transformations urbaines. Plongé dans les ruelles étroites et sinueuses de Paris, grâce à une ambiance sonore évoquant la vie de la rue au XIXe, le visiteur part à la découverte du peuple, catégorie sociale majeure et figure mythique de l’imaginaire parisien depuis la Révolution française. Tous les aspects de la vie quotidienne sont abordés, à travers une riche iconographie, puisée notamment dans les collections du musée Carnavalet, mais aussi des documents d’archives et des objets du passé issus d’une vingtaine de musées. | |
Le galeriste Marcel Michaud (1898-1958) est l’une des figures les plus importantes du milieu artistique lyonnais pour les années 1930-1950. Autodidacte, cet ancien ouvrier tourneur parvint à faire de la galerie Folklore qu’il dirigea « un lieu géométrique où tout ce qui touchait à l’art se rencontrait ». Homme de culture, il laisse des textes inédits, qui témoignent de son engagement, tant politique que poétique. Son travail de critique d’art, à travers ses articles dans les revues lyonnaises comme dans ses émissions radiophoniques, permet d’éclairer ses choix esthétiques. Il privilégiait les passerelles entre les arts en s’intéressant tout autant au mobilier moderne, aux arts plastiques, au théâtre, au cinéma, à l’art africain, ou encore à la tapisserie. | |
Jeune couturière aux mœurs parfois légères, la grisette - qui doit son nom à l'étoffe dont elle s'habille - envahit dans les années 1815-1850 la sphère artistique : littérature, beaux-arts, chanson, caricature, journaux, autant de supports qui tentent de cerner ce personnage multiple, aux activités variées et en perpétuelle métamorphose. A travers de nombreuses représentations - de Gavarni à Constantin Guys - et une large évocation en prose, vers ou chansons - de Balzac à Baudelaire -, la grisette apparaît comme la figure centrale d'une constellation qui rayonne de la bergère à la courtisane, en passant par les milieux de la bohème et les plaisirs populaires. Que ce portrait tout en facettes permette au lecteur de s'emparer de l'insaisissable grisette ! | |
Qui étaient les Gaulois ? Où vivaient-ils ? Que mangeaient-ils ? Etaient-ils de farouches guerriers ? Avaient-ils des temples ? Enterraient-ils leurs morts ? Voilà les questions auxquelles treize spécialistes répondent dans le catalogue de l'exposition de 1300 m2 consacrée aux Gaulois, présentée à partir du 18 octobre 2011 à la Cité des Sciences à Paris. Les auteurs, archéologues et scientifiques reconnus, proposent une analyse claire et accessible des habitudes de vie de « nos ancêtres les Gaulois », de leurs mœurs et coutumes. | |
Marchands d'arlequins, allumettier, sabotier, petits marchands des squares et des jardins publics, chanteur de rue, colporteur rural, livreur de bain à domicile. Partez à la découverte des petits commerces ambulants et des boutiques de quartier qui fleurissaient dans nos campagnes et nos rues jusque dans les années 1950. Poussez la porte des devantures et laissez vous porter par cet ouvrage richement illustré de photographies d'époque, de tableaux et de gravures. | |
Intéressé par les engins mécaniques, aériens ou aquatiques, mais également par la physique et la culture scientifique et littéraire, il produit une iconographie ludique et poétique inspirée par le monde des sous-marins, avions, zeppelins, barques... qui se trouvent transformés et poétisés dans ses sculptures ou installations. Depuis ses toutes premières créations, son oeuvre se caractérise par une influence de la mécanique et de la physique et se concrétise dans les principes de la science moderne. | |
"C’est bien simple, mes dessins sont la clef de mon œuvre", confait Rodin à l’écrivain René Benjamin, en 1910. Ultime manifestation de son génie, les dessins postérieurs à 1896 que rassemble l’exposition présentée au musée Rodin à partir du mois de novembre permettent de saisir l’extraordinaire tension introduite par l’artiste entre le naturalisme d’un dessin, captant un geste, un mouvement dans toute son immédiateté et sa justesse, et l’indépendance grandissante du trait et de la couleur. Avec plus de 300 dessins reproduits en couleurs, la pluparts inédits, cet ouvrage éclaire la liberté et l’époustoufante inventivité du maître, ainsi posé en précurseur des grandes révolutions du xxe siècle. | |
S'imbriquer entend faire le point sur une pratique croissante de la sculpture contemporaine en terre à travers l'usage de la brique. Symboliquement, la brique est un élément de construction ; elle incarne aussi le socle d'une connaissance commune à tous. Partir de ce module architectural basique pour entrer dans des questionnements plastiques très actuels participe à une démarche pédagogique propre à l'Ecole d'Art du Beauvaisis. Cette exposition, et la publication qui l'accompagne, nous mènent ainsi sur les pistes les plus contrastées de la sculpture contemporaine : pesanteur-apesanteur, construction- déconstruction, monumentalité-miniaturisation, terre crue-terre cuite, appareillage, emboîtement, mémoire... | |
Quel est le point commun entre les montres et les voitures ultra puissantes, les bateaux de compétition et les avions de chasse ? Les performances mécaniques de ces bijoux, mais aussi le design et l'élégance. Certains des concepts les plus impressionnants appliqués à l'automobile ou à l'aéronautique ont inspiré quelques unes des montres les plus prestigieuses au monde ; elles sont en quelque sorte l'union grandiose du temps, de l'ingénierie et de l'artisanat. | |
Au début du XVIIIe siècle, la France se passionne pour l’exotisme ; le goût pour l’Extrême-Orient se développe à la fin du règne de Louis XIV suite aux importations de la Compagnie des Indes. Le duc de Bourbon, prince de Condé (1692-1740), collectionne les porcelaines, les indiennes et les meubles en laque de Chine et du Japon. Il les fait copier par des artisans français et crée une manufacture de porcelaine tendre dans son château de Chantilly. L’exposition présente un album exceptionnel du dessinateur Jean-Antoine Fraisse, gravé en taille-douce en 1735, illustré de modèles tirés des porcelaines asiatiques et des indiennes importées d’Extrême-Orient. Les artisans au service du prince s’en inspireront, notamment pour les porcelaines de Chantilly. | |
A la découverte des richesses du monde Maori à travers les taonga tawhito et l'art contemporain. Maori. Leurs trésors ont une âme présente des taonga traditionnels et contemporains impressionnants, d'une valeur inestimable. Ces trésors qu'accompagnent des photographies et des récits d'histoires individuelles dessinent le portrait d'une culture contemporaine indigène extrêmement profonde et éclairent les valeurs qui, aujourd'hui encore, sous-tendent et guident l'expression culturelle et politique des Maori. | |
Figure incontournable de la mosaïque contemporaine, Gérard Brand est peut-être l'artiste au monde qui a le plus oeuvré pour convaincre les critiques et le public que la mosaïque est un art à part entière. Plus d'un demi-siècle de travail en perpétuelle évolution en témoigne à l'envi! Gérard Brand n'a en effet cessé de révolutionner son art en exploitant tous les matériaux possibles et toutes les techniques imaginables. C'est à ce formidable créateur, pionnier à de nombreux égards, mais aussi à l'homme attachant, qui ne se réclame que de son travail et de sa foi, que le poète Albert Strickler a voulu rendre hommage dans un livre écrit "de l'intérieur". | |
Cy Twombly est l’un des plus grands artistes vivants : ses expositions dans les musées les plus prestigieux le placent au niveau de ses grands amis des premières heures, Jasper Johns et Robert Rauschenberg. S’il reste plus connu pour son oeuvre picturale et ses sculptures, on connaît moins son activité de photographe, qu’il poursuit pourtant depuis soixante ans. C’est la première fois que cette partie importante de sa création est présentée dans un musée français. | |
De Stevenson à Hugo Pratt et de Barbe-Noire à Barbe-Rouge, embarquez aux côtés des grands noms de la bande dessinée de genre, pour la grande époque de la piraterie, aux XVIIe et XVIIIe siècles. Des comics précurseurs jusqu'aux nombreuses séries récentes offertes par le paysage graphique franco-belge, suivez le guide et revisitez l'âge d'or de la Flibuste ! En réalisant leurs propres " livres aux trésors ", scénaristes et dessinateurs contemporains auront accompli une somme artistique indéniable, riche de plus de 200 titres : ils nous livrent ici, en un vaste dossier d'entretiens inédits, les clés de leurs oeuvres respectives, entre récits historiques, adaptations et aventures romanesques ou parodiques. | |
Qui ne connaît pas en effet ce typographe/créateur de caractères/directeur artistique des années cinquante/soixante-dix au travers des innombrables typographies qui ornent toujours nos devantures de magasins et des images de marque qu'il a dessinées (Air France entre autres) ? Edité à l'occasion de l'exposition au Musée de l'imprimerie, Lyon,(Nov. 2011 - Fév. 2012) cet ouvrage dévoile plus de 100 documents inédits. Textes de Alan Marshall (directeur du Musée de l'imprimerie, Lyon), Tony Simoes Relvas (commissaire de l'exposition), Thierry Chancogne (enseignant et théoricien). | |
Ce livre qui fait partie d'une série de trois ouvrages d’initiation se propose d’aborder les différents aspects du métier de tapissier décorateur. Le livre comprend deux parties, l’une technique, l’autre historique. On ne peut pratiquer le métier de tapissier décorateur sans de solides connaissances des styles et de leur évolution. À la fois pratique et technologique, ces livres contribuent à la formation professionnelle en tapisserie et en décoration d’intérieur. | |
Partout dans le monde, du fait des transformations de la société et des changements économiques, de nombreux bâtiments ont perdu leur utilité première. Toutefois, du fait de l'engouement que suscitent les techniques de construction anciennes, de l'attention croissante portée au développement durable et de considérations d'ordre économique, il est désormais fréquent que l'on s'attache à leur trouver de nouveaux usages. Illustré de plans et de nombreuses photographies, cet ouvrage présente plus de cent bâtiments internationaux qui se distinguent par le changement de fonction qu'ils ont subi. |
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